TEOR/éTica

Conversa com Daniela Morales & María Paola Malavasi & Paula Piedra / Helmut Batista – TEOR/éTica, San José / Costa Rica

Direção artística da TEOR/éTica: Daniela Morales & María Paola Malavasi & Paula Piedra

TEOR/éTica es un proyecto independiente, privado y sin fines de lucro dedicado al arte y al pensamiento, ubicado en San José, Costa Rica. Tanto su nombre como su razón de ser implican teoría, ética y estética. Su objetivo es ser una plataforma de investigación y promoción de las prácticas artísticas contemporáneas -con énfasis en Centroamérica y el Caribe- por medio de exposiciones, publicaciones, charlas, talleres, becas, un archivo y una biblioteca especializada, entendiendo el arte como un espacio común desde donde crear espacios de duda, estudio, debate y generación de pensamiento crítico.

Desde su creación en 1999 hasta el presente, un amplio conjunto de agentes ha participado en la construcción de TEOR/éTica, permeando a la organización de intereses diversos, prácticas particulares y miradas múltiples que cuestionan constantemente los lugares desde donde se opera. A lo largo de los años, TEOR/éTica se ha consolidado como uno de los proyectos culturales más dinámicos y propositivos en Latinoamérica, reconocida internacionalmente por su papel en el desarrollo de las artes en Centroamérica, y por propiciar nuevas maneras de pensar y de pensarse críticamente.

Daniela Morales Lisac (San José, Costa Rica, 1989)
Actualmente es Codirectora de TEOR/ética donde trabaja desde el 2013. Es la encargada de la coordinación del proyecto editorial TEOR/éTica, para la cual ha trabajado en libros tales como Escrituras Locales: Critica Próxima de Tamara Dìaz Bringas, Divorcio a la Panameña de Adrienne Samos, Zona de Turbulencia de Raúl Quintanilla, Equilibrio y Colapso de Patricia Belli y Estar comprometida con un lugar pequeño de Annalee Davis. Junto a Lola Malavasi, edita la revista digital Buchaca desde el 2015, que busca crear una memoria crítica y de investigación, en torno a los proyectos propuestos por TEOR/éTica y sus colaboradores. Graduada en licenciatura en Fotografía en el 2013 de la Universidad Veritas de Costa Rica, Bachiller en Psicología en la Universidad Centroamericana de Ciencias Sociales de Costa Rica.

María Paola Malavasi Lachner (cc.Lola) (San José, Costa Rica, 1987)
Gestora y curadora de proyectos de educación e investigación artística, interesada en la crítica institucional, la gestión crítica y educativa, modelos alternativos de gobernanza y procesos colectivos. Actualmente es Codirectora de TEOR/éTica, espacio independiente de arte contemporáneo ubicado en San José, Costa Rica, donde labora desde 2011. Como parte de este espacio, desde 2016 gestiona y facilita Alter Academia, una residencia artística enfocada en la formación de artistas jóvenes de Costa Rica. Junto a Miguel A. López, curó la exposición Virginia Pérez-Ratton. Centroamérica: deseo de lugar (MUAC-UNAM, Ciudad de México, 2019), una revisión del trabajo de esta importante artista y curadora costarricense, por medio de su trabajo artístico, el archivo de TEOR/éTica y la Colección Virginia Pérez-Ratton. Esta exposición estuvo acompañada de una publicación homónima, editada por Lola y Miguel A. López.
Graduada con honores, BFA Historia del Arte y diplomado en Moda, Savannah College of Art and Design, USA, 2011.

Paula Piedra (San José, Costa Rica, 1976)
Co-directora y coordinadora de la programación de TEOR/éTica, organización a la cual se integró en el 2013. Ha dedicado gran parte de su tiempo a conciliar el cómo las maneras de gestionar los proyectos de TEOR/éTica responden a las inquietudes y luchas que atraviesan tanto la organización como su contexto local, y el contexto personal de cada una de las personas que integran esta organización. Desde el año 2015 ha sido partícipe de las Asambleas de Arts Collaboratory y de varios grupos de trabajo de esta red. En el 2017 organiza un grupo de estudio en colaboración con el colectivo Semillas: arquitectura en comunidad, para reflexionar sobre el papel de TEOR/éTica en su contexto local: Barrio Amón. El grupo de estudio se consolida como el proyecto ¡UPE!, un proyecto de agenciamiento espacial que en el 2018 fue un podcast, en el 2019 fue tanto una publicación como un juego de mesa y en el 2020 explora con otras colaboraciones a nivel local e internacional. Se formó como Diseñadora de Interiores y Máster en Administración de Proyectos; además es escritora y madre de una gata.

Artista convidada para o Seminário: Gala Berger

Gala Berger es una artista visual y curadora independiente. Su trabajo esta relacionado con la fabulación especulativa, las ficciones disidentes y el activismo crítico institucional. Es cofundadora del Museo La Ene, y de los espacios independientes Urgente e Inmigrante. Actualmente, es co-directora del proyecto Casa-Ma en Costa Rica, dedicado a la investigación sobre artistas mujerxs de Centroamérica, el Caribe y sus diásporas.


Residências e Iniciativas


SOMA

Conversa com Yoshua Okón / Helmut Batista
SOMA, Cidade do Mexico
Fundador artística: Yoshua Okón / direção: Laura Cortés Hesselbach

SOMA es un espacio de artistas para artistas, que permite reflexionar y discutir sobre diferentes acontecimientos en el arte a nivel nacional e internacional. La misión de SOMA es estimular el diálogo y la colaboración entre artistas y productores culturales de diferentes contextos y generaciones. A través de sus tres programas principales, en SOMA se analizan colectivamente las consecuencias estéticas, políticas y sociales de la producción de arte.

Laura Cortés Hesselbach⁠ (Ciudad de México)⁠
Laura Cortés Hesselbach es historiadora del arte egresada de la Universidad Iberoamericana. Con más de 8 años de experiencia en materia de gestión cultural. Actualmente es directora de SOMA. A lo largo de su carrera, Laura se ha especializado en el desarrollo de programas públicos, residencias artísticas, alianzas estratégicas y vinculación internacional, para el fortalecimiento de la educación artística, así como el desarrollo de estrategias de procuración de fondos para organizaciones de la sociedad civil. ⁠

Yoshua Okón (Ciudad de México, 1970)
Su trabajo es una serie de experimentos cuasi-sociales ejecutados para la cámara donde se mezclan situaciones actuadas, documentación e improvisación, cuestionando las percepciones habituales de la realidad y la verdad, la individualidad y la moralidad. Algunas de sus exposiciones han sido mostradas en el Museo Universitario Arte Contemporáneo MUAC, México, en el Museo Amparo, en Ghebaly Gallery en Los Angeles, en ASAKUSA Tokio, la Manifesta 11, en la Istanbul Biennale, la Gwangju Biennale, Korea, y en el New Museum de NY, entre otros. Su trabajo forma parte de las colecciones del Tate Modern, el Hammer Museum, LACMA, la Colección Jumex y el MUAC, entre otros.

Artista convidada para o Seminário: Armando Rosales

ARMANDO ROSALES 1987, Estudió en Diseño Gráfico de la Universidad del Zulia en el año 2010 y terminó el Programa Educativo de Soma en 2016, además de formar parte del Art & Law Program fall 2019 en la APP Cornell en Nueva York. Su trabajo fluctúa entre lo consciente y lo intuitivo como herramientas para cuestionar la relación entre lo intimo, lo institucional y lo político, valiéndose de lo esculltorico y lo instalativo explora nociones de forma y síntesis desde de lo material, lo sonoro y lo performático. Vive y trabaja en la Ciudad de México desde 2015.


Residências e Iniciativas


El Basilisco

Conversa com Esteban Alvarez e Helmut Batista
El Basilisco foi dirigido por Tamara Stuby, Cristina Schiavi e Esteban Álvarez

El Basilisco comenzó con la participación de un artista del extranjero y otro de la Argentina invitados a residir diez semanas en una casa en Avellaneda, y desde allí creció para recibir cada vez más artistas y luego, se desdobló para coordinar intercambios recíprocos que permitían que artistas argentinos viajaran a otras residencias en Latinoamérica y el resto del mundo. También se agregaron charlas y otras actividades que tomaban a El Basilisco (y el Bar Silisco, un bar en la esquina que nos acompañó en una colaboración vital) como su sede. El crecimiento fue tan rápido y en tantas direcciones que costó sostenerlo en el tiempo, un desenlace tal vez natural para un proyecto tan orgánico. A los tres (Cristina, Esteban y Tamara) nos interesaba construir un espacio donde artistas podrían pasar tiempo viviendo y trabajando en la proporción que mejor sirviera a sus procesos creativos; un paréntesis de las demandas habituales de la vida y del mercado, y a la vez, el estímulo de explorar un contexto diferente e intercambiar ideas y procesos con otros.

Tamara Stuby es artista visual y escritora; participa en exhibiciones colectivas e individuales internacionalmente. Desarrolla proyectos tanto para iniciativas independientes como reconocidas instituciones de arte, además de intervenciones en espacios públicos. Fue co-directora de la residencia de artistas El Basilisco y co-organizadora de las mesas redondas “Pensando en voz alta” (Alianza Francesa, Bs As). Recibió una Mención en el Premio Klemm y becas de la Fundación Antorchas y el Fondo Nacional de las Artes. Sus textos han sido publicados en catálogos de artistas y libros y revistas especializados.
Más info: www.tamarastuby.com.ar

Cristina Schiavi (1954). Vive y trabaja en Buenos Aires. Entre sus ùltimas muestras se encuentran: en 2020 Bienal do Mercosul , “Para todes tode” C.C.K; 2019 “Acople”,Roldán Moderno galería,”Tácticas Luminosas, Museo Colección Fortabat; 2018 “Asi!….quizás, debería agregar algo más”, Galería Pasaje 17, “Una llamarada pertinaz”, Museo de arte Moderno de Buenos Aires; 2017-Untitled fair. Galería Miranda Bosch, Miami; “Un ciprés para alcanzarte”Centro Cultural Kirchner; en 2016 “Esta extraña forma mia de aparecer” en galería Miranda Bosch, Dixit Arteba 2016; “Estoy aquí” en Centro Cultural Recoleta. En 2014, “El teatro de la Pintura” Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Superpuestos con Battistelli en galería del Infinito, Yente Schiavi Kemble Saravia en Galerìa Van Riel, “Desborde y modulación” Fundación Klemm. Entre el año 2004 y el 2009 dirigió junto con Tamara Stuby y Esteban Álvarez el proyecto de residencias para artistas “El Basilisco”. Con Juan Tessi desarrolló el proyecto Mark Morgan Perez Garage durante el año 2009. Su trabajo forma parte entre otras de las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Mamba), Museo de Arte Latinoamericano (Malba), Museo Franklin Rawson de San Juan, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (Macro), Museo de arte Contemporáneo de Bahía Blanca.

Esteban Álvarez, Buenos Aires, 1966. Expuso en espacios como Malba, Fundación Proa, Parque de la Memoria, Espacio Fundación YPF, BsAs. Museo MacRoCastagnino Rosario, Drawing Center, NY, Galería IFA, Berlin. Distinciones: 1er Premio, FNA, BsAs, 2020; 1er Premio SNAV (BsAs, 2010), entre otras distinciones. Es profesor en la UNA (Universidad Nacional de Arte, Buenos Aires).

Artista convidada para o Seminário: Iara Freiberg

Iara Freiberg é artista argentino-brasileira, vive e trabalha entre São Paulo e Buenos Aires. Mestre em Poéticas Visuais pela Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo (2017), onde se graduou em Artes Plástica em 2004. Seu trabalho se caracteriza por desenvolver intervenções intrinsecamente ligadas à arquitetura e às relações com o espaço e seus desdobramentos. Sua pesquisa se debruça sobre o uso e as relações com os espaços que ocupamos e transitamos, tomando como mote sua própria experiência de ter nascido em situação de exilio e atravessado diferentes situações de deslocamento, pertencimento, identificação. Investiga conceitos relativos aos espaços públicos e privados estreitamente conectados à percepção humana: espaços de circulação, lugares vazios, locais abandonados, labirintos; da rua ao quarto.

Desde 2002, participa de exposições coletivas e individuais dentro e fora do Brasil e realiza projeto especiais principalmente desenvolvendo intervenções específicas.Executou trabalhos em cidades brasileiras como Brasília, Fortaleza, Porto Alegre, Rio de Janeiro e São Paulo, e no exterior em Buenos Aires, Johannesburgo, Londres, Montevideo, Santiago do Chile, Toronto e Tucumán. Em 2006, recebeu a Bolsa Iberê Camargo para participar da residência El Basilisco, em Buenos Aires, onde realizou suas primeiras intervenções no espaço público. Em 2011, foi convidada a participar da residência Cruces, em Montevideu, Uruguai, e em 2013, participou da residência Bag Factory, em Johannesburgo, África do Sur. Ainda em 2013, realizou uma intervenção no espaço público na cidade de Toronto, Canadá, convidada pela instituição Koffler Center for the Arts. Desde 2012, participa de projetos de intervenção no espaço público, como o projeto Cartograffite (Edital Arte na Cidade, Prefeitura de São Paulo, 2012) e o projeto URBE – Intervenções Urbanas (2016).


Residências e Iniciativas


Galeria Metropolitana

Conversa com ANA MARÍA SAAVEDRA HERNÁNDEZ& LUIS ALARCÓN LÓPEZ e Helmut Batista
GALERÍA METROPOLITANA, Santiago de Chile / Chile
Direção artística: ANA MARÍA e LUIS ALARCÓN

 

Mini-biografía:
GALERÍA METROPOLITANA es un espacio autónomo de producción y difu-sión de arte contemporáneo ubicado en la comuna Pedro Aguirre Cerda, San-tiago de Chile, fundado el 26 de junio de 1998, por Ana María Saavedra y Luis Alarcón, como una extensión de su vivienda.

Concepto del espacio:
Es un proyecto pensado y activado desde lo territorial, base que sustenta su trabajo, mediante la reconexión entre el mundo popular y el mundo docto, a través de dos dinámicas básicas: el desarrollo de obras de carácter contextual (participativas o no) y el trabajo sostenido al interior tanto del tejido social co-mo del sistema de arte contemporáneo, mediante la construcción de redes colaborativas a nivel local, regional y global.

ANA MARÍA SAAVEDRA HERNÁNDEZ
Estudios de Literatura en Universidad de Concepción y Universidad de Chile.
Es galerista, gestora y curadora independiente.

LUIS ALARCÓN LÓPEZ
Estudios de Teoría e Historia del arte Universidad de Chile.
Es galerista, gestor y curador independiente. Docente de la Escuela de Arte UC.

Artista convidado para o Seminário: Bernardo Oyarzún.
Los Muermos, Región de los Lagos, 1963.  Vive y trabaja en Colicheu, localidad de la comuna de Cabrero en la Región del Biobío, Chile. Artista visual, Licenciado en Artes Plásticas en la Universidad de Chile. Representante de Chile en la 57ª Bienal de Venecia 2017. He realizado veinticinco exposiciones individuales tanto en Chile como en el extranjero, más de cuarenta exposiciones internacionales, veinticuatro bienales fuera de Chile, más de cuarenta exposiciones colectivas en Chile, diez residencias internacionales. 2010. Premios y Becas como Altazor 2011 en Artes Mediales, Art forum Competition, Harvard 2008, seis Fondos Concursables FONDART, Primer Premio Concurso Artes y Letras, 2002.

Residências e Iniciativas


KIOSKO

Conversa com Raquel Schwartz / Helmut Batista – Kiosko, Santa Cruz, Bolivia
Fundador artística: Raquel Schwartz

Kiosko Galería es un espacio de arte contemporáneo, alternativo e independiente creado en el año 2006 y gestionado por artistas en la ciudad de Santa Cruz de la Sierra, Bolivia. Dirigido por la artista Raquel Schwartz, Kiosko es la plataforma para generar, promover y fomentar el arte contemporáneo desde la región al mundo. Contamos con espacios de exhibición, residencias para artistas y curadores, productora de eventos relacionados con la educación, formación, fomento y difusión del arte contemporáneo y de sus artistas. Creemos en los artistas y en el arte que se sale de los márgenes. Estimulamos la práctica y la reflexión de los procesos en un contexto de inserción e interacción social promoviendo encuentro, diálogo e intercambio de conocimientos y experiencias. Buscamos diálogo a través de la voz de artistas con ideas y sentido creativo diferente. Promovemos a artistas jóvenes y emergentes bolivianos en el mundo.

Raquel Schwartz – Estudio cerámica y escultura en S. B. City College, California-USA., 1985-1987 y diseño gráfico en Wizo School of Desing, Haifa, 1981-1983.
Participo en Bienales Internacionales, Conferencias, Simposios y numerosos Workshops y Residencias, realizo exposiciones individuales y colectivas en Bolivia, Perú, Chile, Brasil, Argentina, Paraguay, Colombia, Venezuela, México, USA, Trinidad y Tobago, Italia, Suiza, Corea y Rusia. Es ganadora del Premio Único en Cerámica en la X Bienal de Arte de Santa Cruz 1995; Mención Única en Cerámica en el Salón Pedro Domingo Murillo, La Paz; Gran Premio en el Concurso “Hombre-Naturaleza”, Fundación Puerta Abierta en Santa Cruz 1997; Mención de Honor en la XI Bienal de Artes Plásticas en Santa Cruz 1997; Primer Premio en Técnicas no Tradicionales, Primer Salón Internacional de Arte SIART, La Paz 1999; Mención de Honor en el XXVIII Salón de Artes Plásticas, Cochabamba 2000; Mención de Honor, II CONART, Cochabamba 2004, Primer Premio, XV Bienal Internacional de Arte, Santa Cruz – Bolivia.

Artista convidado para o Seminário: Douglas Rodrigo Rada. 

Nacido en la Paz Bolivia 1974, Licenciado en Artes Plásticas por la U.D.L.A. Pue. México. Como artista ha participado en exposiciones en diversos países como Australia, Chile, España, Italia, Uruguay, Brasil, Argentina y Ecuador, entre otros. El 2003 estuvo de residente en APEXART en Nueva York, USA. El 2005 fue ganador del primer premio de la Bienal SIART en Bolivia. El 2010 participó en la retrospectiva de la Bienal SIART en el Museo MAC en Santiago de Chile, y en la residencia URRA en Buenos Aires, Argentina. El 2011 participó en el Proyecto Continentes– Bienal del Mercosur. El 2014 coeditó el libro “Performance y accionismo en Bolivia desde 1980”. El 2015 estuvo de residente invitado en el espacio TEORÉTICA en San José, Costa Rica y participó como curador invitado en la residencia Rapaces en Nicaragua. El 2019, 2017, 2015, 2013, 2011 curó la Bienal CONTEXTOS en Bolivia junto a Ramiro Garavito, El 2020 curó junto con KIOSKO, la XXI BIENAL INTERNACIONAL DE ARTES VISUALES de Santa Cruz de la Sierra 2019-2020. Desde el 2016 es director artístico del proyecto NUBE/ KIOSKO en Santa Cruz, Bolivia.


Residências e Iniciativas


JA.CA

Conversa com Francisca Caporali e Helmut Batista
JÁ.CA, Belo Horizonte – Jardim Canada / Brasil

O JA.CA – Centro de Arte e Tecnologia é uma organização da sociedade civil, sem fins lucrativos, que realiza e fomenta pesquisas, projetos e experimentações no campo das artes, em diálogo estreito com a educação, a arquitetura e o design. Desenvolve atividades em sua sede, situada no bairro Jardim Canadá, em Nova Lima, na Região Metropolitana de Belo Horizonte (MG), assim como em outras localidades e instituições parceiras. Atualmente, além de se dedicar às dinâmicas do bairro, o JA.CA prepara a inauguração do espaço cultural Arrudas, no hipercentro da capital mineira, e realiza o Programa CCBB Educativo nas quatro sedes do Centro Cultural Banco do Brasil, em Belo Horizonte, Brasília, Rio de Janeiro e São Paulo.

Francisca Caporali
Fundadora e coordenadora artística do JA.CA – Centro de Arte e Tecnologia desde sua origem, em 2010, localizado em Nova Lima, Minas Gerais. Pelo JA.CA, coordena diversos projetos desenvolvidos: residências artisticas nacionais e internacionais; workshop com artistas residentes, curadores e críticos convidados; publicações, exposições e projetos de colaboração internacionais; é Co-coordenadora geral e artística do Programa CCBB Educativo, desde 2018. Entre 2016 e 2018, foi professora da Escola de Design da UEMG. Durante o período de 2012 a 2016 foi docente na Escola Guignard/UEMG. Integrou a equipe curatorial das duas edições do Noite Branca/Fundação Clóvis Salgado. Foi coordenadora do Programa DESEJA.CA E -xtensão da Escola de Arquitetura UFMG. Mestre em Artes (MFA) Integrated Media Arts/Hunter College (Nova Iorque, 2006/10) e em Comunicação Audiovisual para Mídia Interativa MECAD (Barcelona, 2003/04).

Artista convidado para o Seminário: Raphael RG.

Rafael RG (1986) Vive e trabalha entre Salvador, Belo Horizonte e Guarulhos.  É formado em Artes Visuais pela Belas Artes de São Paulo. (Bolsista PROUNI – 2010). Participou de mostras e festivais em cidades do Brasil e em outros países. Recebeu, entre outras premiações, o 1º Prêmio Foco ArtRio, o Prêmio Honra ao Mérito Arte e Patrimônio/ IPHAN, o Prêmio aquisição do Centro Cultural São Paulo, Bolsa Iberê Camargo para residência no Künstlerhaus Bremen (Alemanha), Bolsa Pampulha para residência no Museu de Arte da Pampulha (MG), entre suas residências recentes estão Gasworks em Londres (2018) Black Rock Senegal em Dakar (2019), Triangle France – Astérides em Marseile (2020).

Em sua prática artística, RG costuma trazer duas fontes para construção de seus trabalhos: uma documental e outra afetiva, em geral por meio do uso de documentos garimpados em arquivos institucionais ou pessoais associados a narrativas que podem envolver sua pessoa ou um alter ego. A interação entre essas territorialidades resulta em obras que quase sempre se aproximam de uma ficção, ou de uma noção tensa de ficcionalidade. Relações afetivas e sexuais e suas implicações políticas, e questões de identidade racial têm sido suas áreas de interesse atuais. Essas pesquisas geralmente se desdobram em workshops, instalações, textos performativos, publicações e objetos.


Residências e Iniciativas




Torreão

Conversa entre Jailton Moreira e Helmut Batista – Torreão (1993 – 2009), Porto Alegre / Brasil

O Torreão foi fundado em 1993 e foi um espaço de produção e pesquisa em arte contemporânea, em Porto Alegre. Foi dirigido por Jailton Moreira e Elida Tessler.

ELIDA TESSLER
1961, Porto Alegre/RS, Brasil
É artista plástica e foi professora do Departamento de Artes Visuais e do Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais do Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul – UFRGS. Realizou doutorado em História da Arte Contemporânea na Université de Paris I – Panthéon-Sorbonne (França), onde residiu de 1988 a 1993. Entre 2009 e 2010, realizou o Pós- Doutorado na EHESS-Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales e junto ao Centro de Filosofia da Arte – UFR de Philosophie – Université de Paris I- Panthéon – Sorbonne. Pesquisadora vinculada ao CNPq entre 2008 e 2016.

JAILTON MOREIRA
São Leopoldo , RS – 1960
Artista plástico, professor e curador. Bacharel em Artes Plásticas. pelo Instituto de Artes da UFRGS. Entre as exposições individuais de destacam “Percevejo” – Museu do Trabalho., Porto Alegre, RS (2014), “Trabalhos Insistentes” – Galeria Oba Aberta, Porto Alegre, RS (2002), “Vê Quem Vê Quem” – Galeria de Bolso da CAL (Casa da Cultura da América Latina) da UnB , Brasília, DF. (1999), “Desenhos Ordinários” – MAC (Museu de Arte Contemporânea), Porto Alegre, RS (1994) e “Diversões” – Galeria Arte & Fato, Porto Alegre, RS (1986). Entre as exposições coletivas de destacam III e V Bienal de Artes Visuais do Mercosul , Porto Alegre, RS (2001/ 2005), Panorama de Arte Brasileira do MAM de São Paulo, São Paulo SP (2001/ 2003/ 2005/ 2011), “Tropicália – A Revolution in Brazilian Culture” – MAC de Chicago, EUA (2005), V e X Salão Nacional de Artes Plásticas, FUNARTE/INAP, Rio de Janeiro, RJ (1982/ 1988). Criador do Torreão (1993/ 2009), espaço de formação, exibição e discussão de arte em Porto Alegre, juntamente com Elida Tessler.

 

O Torreão como experiência de educação
Escrever sobre a experiência do Torreão ainda é algo novo. Esse espaço de arte, criado por Elida Tessler e por mim em 1994 tem sido muito citado em seminários pelo país, discutido informalmente, ou exibido em vídeos, mas ainda são raros os momentos que nos detemos para fixar essa vivência em um texto. A frágil desculpa para que isso não tenha sido feito de uma forma mais sistemática e aprofundada nesses 12 anos de existência é simplesmente a falta de tempo. Além disso, é sempre difícil para os protagonistas de uma vivência intensa afastarem-se dela e olharem-na retrospectivamente quando a curiosidade ainda é saber o que vem pela frente.

Quando somos perguntados de sopetão: o que é o Torreão? Depois de uma titubeada, resultado de um cálculo rapidíssimo sobre quem está fazendo a pergunta, o por quê e quanto tempo de resposta essa pessoa está disposta a ouvir, respondo com breves palavras que não explicam muito: o Torreão é um lugar que busca o cruzamento entre produção e pensamento sobre arte contemporânea em Porto Alegre. É uma resposta pronta que servirá para que o interlocutor realmente mostre, numa segunda pergunta, o tamanho da curiosidade. Se a conversa perdura com outras indagações, exibimos a parte mais visível do Torreão que são as intervenções feitas por diversos artistas para o espaço da torre. Porém isso esconde que existe um outro Torreão. A experiência de ensino construída nesse espaço e que, na verdade, é a responsável direta pela sua criação e manutenção, é um pouco mais difícil de explicar, ficando reservada quase exclusivamente àqueles que participam dela.


Residências e Iniciativas

 


Alpendre

Conversa com Eduardo Frota e Helmut Batista
Alpendre / Espaço de artes que existiu em Fortaleza. Eduardo Frota, junto com Beatriz Furtado, Alexandre Veras, entre outros, foi um dos integrantes que alavancou o Alpendre.

Diz no jornal O POVO do dias 12/12/2012.
O mês de dezembro marca a história do Alpendre. Foi nessa época, treze anos atrás, que a Casa de Arte, Pesquisa e Produção nasceu. E é agora, na correria dos dias para alcançar o próximo ano, que a ONG encerra, definitivamente, suas atividades. Palco para a expressão contemporânea de diversas linguagens – da dança à literatura, das artes visuais ao cinema, do teatro à música -, o espaço reuniu incontável número de artistas cearenses e de outros lugares que por ali passaram desde 1999. No entanto, cansados de alternar dissabores e alegrias na luta pela manutenção de um equipamento cultural independente em Fortaleza, o realizador audiovisual Alexandre Veras e a coreógrafa Andréa Bardawil, diretores da ONG, anunciaram o fim do Alpendre. A despedida, que vem acontecendo com programação intensa desde o último dia 7, só termina amanhã, na “festa de finalização”. Oportunidade para celebrar mais que lamentar. Sim, porque, apesar da dificuldade de garantir as portas abertas, ano após ano, sempre dependendo de editais e projetos que garantissem a subsistência do Alpendre; dos problemas com a violência, o trânsito difícil e a desordenação da área onde se encontra – na rua José Avelino -; além da especulação imobiliária naquela região, responsável pela proposta de um aluguel para 2013 180% mais alto que o deste ano; o equipamento resistiu. Continuou oferecendo acesso gratuito às atividades; formou uma leva de artistas das mais diversas áreas que hoje fazem a arte cearense; ampliou as chances de jovens de comunidades como o Poço da Draga e o Serviluz que, após passarem pelo Alpendre, conheceram e conseguiram se inserir no mercado ligado à produção artística.

Ainda assim, diz Alexandre, há um cansaço. “É um cansaço de insistir. Aqui, nesse lugar, não existem condições pra existir e não nos parece que o poder público está muito interessado nisso”, complementa Andréa, reiterando que “não é uma desistência, mas um deixar para a cidade a pergunta: qual é a necessidade de um espaço como esse?”. Para ela, “não se trata mais de manter o equipamento aberto a qualquer custo”, é preciso uma política pública que, concorda o companheiro de Alpendre, “constitua uma zona de possível em que as pessoas não tenham medo de fazer empreendimentos como esse”.


Residências e Iniciativas

 


Bananeiras

 

Conversa entre Leonardo Videla e Helmut Batista
Bananeiras, Rio de Janeiro / Brasil. Dirigido por Leonardo Videla.

BANANEIRAS
O espaço bananeiras foi extremamente atuante em Santa Teresa/Rio de Janeiro.


Leonardo Videla é artista.
O que tenho a dizer sobre o Bananeiras é um bilhete.
Então de 2002 a 2010.
O Bananeiras antes de ser um espaço independente de arte contemporânea , foi um surto pessoal. Falar do bananeiras tem que se começar falando das pessoas envolvidas (sem a necessidade de citar nomes ). Pessoas inclusive que foram sendo agregadas e por isso mesmo um fluxo sem norte, sul, leste, oeste, um organismo vivente, pulsante, avançando numa programação surpreendente.
Fizemos parcerias em projetos, eramos contagiados por ideias, envolvidos em um fazer, fazíamos pensando, era um vírus, uma rede de afetos.
Foram 300 projetos em 1, foi um período, um encontro de gente sensível , uma proposta intuitiva, viva !
Todos os artistas e público sentiam uma vontade livre e flexível de programar alguma coisa sem um fim, talvez por entender o espaço bananeiras como um meio, de estar junto, de conviver, de se ver.
Sinceramente tenho dificuldade de dizer o que tudo isso foi e representou, poderia talvez dizer o que foi pra mim, e diria que não foi nada pra além de uma década (2000-2010) feliz.
Hoje vivemos outro roteiro, outro nada, bem menos divertido.
Se foi.
Foi bom, o espaço bananeiro foi bom!
Não poderia dizer mais nada.


Residências e Iniciativas

 


Terra Una

 

Conversa entre Nadam Guerra e Helmut Batista
Terra Una, Bocaina de Minas, Brasil

 

Terra UNA é uma ong que desde 2003 trabalha para promover e apoiar ações transdisciplinares que visam a sustentabilidade ecológica, o redesenho social e o desenvolvimento integral do ser humano. Para tal, atuam em MG, RJ e SP, em zonas rurais e urbanas realizando eventos e projetos.

A sede da ONG é uma ecovila localizada junto à natureza, numa terra de 48 hectares na Área de Proteção Ambiental da Serra da Mantiqueira, em Liberdade, MG, constituindo-se como um espaço de moradia, educação, trabalho e lazer que busca a melhoria da qualidade de vida de seus membros, dos visitantes e das comunidade do entorno.

Mantemos o programa de residências para artistas desde 2007 e já recebemos mais de 150 artistas. Buscamos a integração entre arte contemporânea, ecologia e sustentabilidade. Acreditamos na arte como ação criativa frente aos desafios sociais e ambientais em que nos encontramos.

Nadam Guerra (Rio de Janeiro, 1977) bacharel em artes Cênicas (UniRio), doutor em história da Artes (UERJ). Vive no Rio de Janeiro e em Liberdade, MG onde coordena o programa de residência para artistas (www.terrauna.org.br) e o dirigiu o Ponto de Cultura e Sustentabilidade (2011-2015).

Cria obras em texto, vídeo, objeto, jogo e performance. Se interessa pelas conexão entre arte e magia ou em como a imaginação se torna vida. Quer salvar o mundo, mas se não der pelo menos vamos viver isso intensamente.

Tem obras em parceria com Michel Groisman. Em 2003, criou com Domingos Guimaraens o Grupo UM, lançando o Manifesto UM pelo fim das fronteiras entre artes e organizando esculturas imateriais, teatros abstratos, humanogravuras e chanchadas conceituais. Com o coletivo Opavivará! fez o projeto Moitará, uma ação relacional de trocas. Ganhou os Prêmios: Arte Urbana Sec.RJ (2011), Interações Estéticas do MinC (2009), o Projéteis FUNARTE de Arte Contemporânea (2006), menção honrosa no Art.mov, MG (2006) e Prêmio de realização Dança em Foco (2010). Participou de residências no 102, França (2005), IFEA, UK (2008), URRA, Argentina (2016). Tem obras na coleção do MAM RJ. Publicou, entre outros, os livros Materializador de sonhos (2012), Rupestre Contemporâneo (2013), Os 12 paços da Virgem do Alto do Moura (2014), Introdução à iconografia da Virgem do Alto do Moura (2016).

Leciona cursos de performance na EAV Parque Lage desde 2008 e já levou estas oficinas diversas instituições do Brasil, México e Argentina. Foi professor substituto na EBA-UFRJ (2016). Foi curador de festivais vários em eventos de performance entre ele Cinema Manual Convida (sesc copacabana 2003), Visor (vários locais (2004, 2005), V::E::R, (2005 – Parque Lage, 2011 – Terra UNA), Sara-há (Saracura, 2016), Panorama de Dança (2017) e Corpos Críticos (2018, 2019).


Residências e Iniciativas

 



20 anos CAPACETE

Dia 7 de dezembro às 19h

 

Lançamento dos livros:

+ 20 anos CAPACETE
+ 10 anos Galeria Metropolitiana (Chile)
+ Lugar a Dudas (Colombia)

Com apresentações dos espaços de arte:

• Lugar a Dudas – Victor Albarracín – Cali
• Galeria Metropolitana – Luis e Ana – Santiago
• Casa do Povo – Marilia Loureiro – SP
• Casa Mario – Sebastian Alonso – Montevideo
• Despina – Guilherme Altmayer – RJ
• CAPACETE – Camilla Rocha Campos, Tanja Baudoin e Helmut Batista – RJ

!!!!!!!! LANÇAMENTO DO NOVO PROGRAMA DE 1 ANO DO CAPACETE (2019/2020) !!!!!!!

** na cozinha Tesuo Hida cozinhando Maguro Zuke Don (RS 13.99)

 

 

Para baixar o livro CAPACETE clique no link abaixo:

Livro dos 20 anos do CAPACETE

Download (PDF, 13.47MB)


Tenzing Barshee

**Foto Hanna Putz

 

 

Tenzing Barshee (nascido em 1983) é um escritor independente e curador da Sundogs em Paris. No Rio de Janeiro, ele reflete sobre como a ideia de “tocar e ser tocado” pode ajudar e complicar o deslocamento do próprio corpo. Seguindo pistas diferentes, ele se aproxima de pessoas e lugares com uma disposição para se envolver, emparelhado com a melancolia inerente à memória de uma curiosidade infantil.


Yara Haskiel

Experiencing connecting issues“- CAPACETE Athens 2017

[gview file=”http://capacete.org/wp-content/uploads/2018/11/18.-Yara-Haskiel-I-don’t-write-diaries.-On-Backlashes-Eggshells-and-Reverse-Warrior.pdf“]



Alkisti Efthymiou

Experiencing connecting issues“- CAPACETE Athens 2017

[gview file=”http://capacete.org/wp-content/uploads/2018/11/9.-Alkisti-Efthymiou-How-to-take-care-of-your-voice-exhaustion-and-other-habitual-affects-when-working-within-large-scale-art-institutions.pdf”]

…..



Fotini Gouseti

Experiencing connecting issues“- CAPACETE Athens 2017

Download (PDF, 75KB)

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Fotini Gouseti is a conceptual artist and PhD researcher in anthropology. She studied art at Athens School of Fine Arts (BA), Dutch Art Institute (MA) and she is currently a PhD candidate at the Dept. of History, Archaeology & Social Anthropology, University of Thessaly, Greece. Accordingly, her practice is research-based, socially-engaged and quite often called political. Her learningprocess derives out of her connection with others, while she focuses on the role of art in negotiating issues of memory.

She is the initiator of the art project Renkonto. For the past few years she has been engaged in the research projects The Present as a Result of the Past and The Least Wanted Travel the Most. The artistic outcomes of her projects are presented in various contexts worldwide.


Arendse Krabbe

I’m a Western European white, privileged, female artist. I’m concerned with how the structures, hierarchies and systems we live in shape us. In Copenhagen I’m a part of a group that produces radio. The group consist of people who are seeking asylum, people that are underground, people with residence permit and people with a Danish citizenship, as me. The Bridge Radio started as a protest against the capitalistic-colonial strategies of creating a repressive migration regime in EU. We find it essential never to keep silent about what is happening at the EU borders, in places of detention and the asylum system. We strive to create a platform where people can share their own stories and experiences.

My desire to apply for the residency is informed by Suely Rolnik regarding “our ability, or rather of our body’s ability, to be affected by the forces of the world as a living being.” I’m interested in developing methods that can allow and accommodate oneself and subject groups to be affected by the forces of the world. I believe that it is through these affects that there is a potential to dismantle the capitalistic-colonial structures. My approach is first and foremost that I’m open to who and what I meet whilst being aware of where I come from and what my body represents. In continuation of this I set up meetings, I listen, I make affective cartographies, I invite people to make group exercises and read. When I wake up in the morning I start the day by listening to the dream I had during the night seeking to learn from it.

Website:

http://schizovibrant.net


Silvia Rivera Cusicanqui

Silvia Rivera Cusicanqui (born 1949) is a Bolivian feminist, sociologist, historian, and subaltern theorist. She draws upon anarchist theory as well as Quechua and Aymara cosmologies. She is a former director and longtime member of the Taller de Historia Oral Andina (Workshop on Andean Oral History). She is also an activist who works directly with indigenous movements in Bolivia, such as the Katarista movement and the coca growers movement.


Tutoras // Programa de 1 ano

MÃE CELINA DE XANGÔ

MÃE CELINA DE XANGÔ @maecelinadexango é gestora do Centro Cultural Pequena África @centro_cultural_pequena_africa há treze anos. Durante os anos de 2011 e 2012, foi convidada pelo Departamento de Arqueologia da Universidade Federal do Rio de Janeiro – UFRJ, através da professora Tânia Andrade Lima, a participar do reconhecimento de objetos africanos encontrados nas escavações do Cais do Valongo, localizado na Zona Portuária do Rio de Janeiro e que recebeu o título de Patrimônio Histórico da Humanidade dado pela UNESCO, por ser o único vestígio material da chegada dos africanos escravizados nas Américas. No ano de 2016, Mãe Celina de Xangô recebeu no Benin, o cargo de Ya Egbe de Egum gum dentro do culto Vodu e foi consagrada Princesa da corte real de Kpassenon, em Ouidah. Mãe Celina de Xangô foi criada por suas ancestrais buscando ervas para fazer xaropes, banhos, chás e aprimorou os seus conhecimentos no candomblé. Nos últimos anos, deu início ao projeto de oficina “O Poder das Ervas” para cumprir parte de sua missão de dividir os ensinamentos de autoproteção, prosperidade e cuidado através da sabedoria dos Orixás; Oferecendo workshop neste mesmo formato, colabora com o Programa Anual de Residência Artística Internacional desde 2019.

 

DENISE FERREIRA DA SILVA 

DENISE FERREIRA DA SILVA, filósofa e artista visual, nasceu no Morro do Pasmado (Botafogo), cresceu na Vila Aliança (Bangu), Rio de Janeiro. Tendo morado e ensinado em universidades nos Estados Unidos, Austrália, Inglaterra, atualmente ela vive e trabalha nos territórios da nação indígena Musqueam e é Professora Titular e Diretora do Social Justice Institute da Universidade de British Columbia, em Vancouver, Canadá.

 


Equipe

A equipe CAPACETE é composto por:

 

Direção geral / Helmut Batista

Direção artística / Camilla Rocha Campos

Direção de produção / Valdinar Fernandes Rocha


Conselho

Conselho artístico

Amilcar Packer, Denise Ferreira da Silva, Andrea Fraser, Ricardo Basbaum, Daniel Steegmann Mangrané, Camilla Rocha Campos e Helmut Batista.

Conselho executivo

Mara & Márcio Fainziliber, Armando Strozenberg, Genny Nissenbaum, Max Perlingeiro, Pablo León de la Barra e Daniel Steegmann Magrané.


RODRIGO ANDREOLLI

Name: RODRIGO ANDREOLLI

Nacionalidade: Brasil

Nascimento: 1984

RODRIGO ANDREOLLI transita pelas artes performáticas, com especial interesse em pesquisar o corpo como elemento de ativação sensível de camadas visíveis e invisíveis do que é público. Atua na elaboração de estruturas de produção em projetos artísticos multidisciplinares.

RODRIGO ANDREOLLI (São Paulo/Brazil) is a São Paulo based dancer, actor and producer. He works with Brazilian Theater Company TEAT(R)O OFICINA, directed by José Celso Martinez Corrêa, since 2006. Rodrigo has collaborated with Brazilian choreographer Cristian Duarte on the piece THE HOT ONE HUNDRED CHOREOGRAPHERS in 2011 and  has taken part in experiments on the research frame APT? – A PIECE…TOGETHER? led by Cristian Duarte and Paz Rojo, in 2010 and 2011,  in festivals in São Paulo and Madrid. Rodrigo has created the solo piece CUTOUT (2012 – RESIDÊNCIA FUNARTE OUTRAS DANÇAS); the duet A/R, in collaboration with Brazilian artist Raissa Ralola (2013/2014 – Prêmio Funarte Klauss Vianna); the performance ATTEMPT AT EXHAUSTING [A POINT OF VIEW] (2013 – Centro Cultural São Paulo; the publication ÍNCIDE PARA ESCUTA, with Clarissa Sacchelli (2014- Centro Cultural São Paulo), TRAGÉDIA: UMA TRAGÉDIA, directed by Carolina Mendonça, as assistant director and actor (2014- SESC/SP); He was a resident artist and producer of the Residency Project LOTE#1, LOTE#2 and LOTE#3, coordinate by Cristian Duarte in São Paulo.

He was in the dance pirece TIRA MEU FÔLEGO (Take my breath away), by Elisa Ohtake (2014); BATUCADA, by Marcelo Evelin/Demolition INC (2014) and athe theater piece THE LADY OF THE SEA, by Bob Wilson (2014).

He also developed the research project TERREYRO COREOGRÁFICO, with Daniel Kairoz, framing actions on public spaces to study the crossings of choreography, architecture and digital programming.

He studied at SNDO – SCHOOL OF NEW DANCE DEVELOPMENT- Intensive Course (Amsterdam, 2009) and he was selected for DANCEWEB SCHOLARSHIP PROGRAM 2015 – IMPULSTANZ VIENNA INTERNATIONAL DANCE FESTIVAL.

RODRIGO ANDREOLLI

RODRIGO ANDREOLLI (São Paulo/Brasil), ator, dançarino e produtor. Desde 2006, integra projetos do TEAT(R)O OFICINA UZYNA UZONA, sob direção de José Celso Martinéz Corrêa. Foi parte do elenco para montagem do espetáculo PARAÍSO SEM CONSOLAÇÃO, sob direção de Constanza Macras (2008). Participou dos experimentos realizados pelo campo de trabalho APT? – A PIECE…TOGETHER?  coordenado por Cristian Duarte e Paz Rojo nos anos de 2010 e 2011, em São Paulo, Madrid e Viena. Foi colaborador de Cristian Duarte para a criação HOT 100 – THE HOT ONE HUNDRED CHOREOGRAPHERS. Em 2012 foi artista residente do Projeto OUTRAS DANÇAS FUNARTE – Porto Alegre- RS, onde iniciou a pesquisa de trabalho solo CUTOUT. No mesmo contexto iniciou uma parceria com Raissa Ralola (MG) para a criação de A/R, contemplado pelo Prêmio Klauss Vianna 2013. Criou para Centro Cultural SP, o trabalho TENTATIVA DE ESGOTAMENTO [DE UM PONTO DE VISTA] (2013) e a publicação ÍNDICE DE ESCUTA (2014) em colaboração com Clarissa Sacchelli. Foi artista-residente e produtor do projeto LOTE#1, LOTE#2 e LOTE#3 (2011-2014). Foi assistente de direção e ator da montagem TRAGÉDIA: UMA TRAGÉDIA, de Will Eno, direção de Carolina Mendonça.  Integrou elenco de TIRA MEU FÔLEGO, de Elisa Ohtake (2014), participou de BATUCADA, de Marcelo Evelin/Demolition INC (2014) e A DAMA DO MAR, de Bob Wilson (2014).

Em 2014/15, integrou o projeto TERREYRO COREOGRÁFICO, proposto por Daniel Kairoz, subsidiado pelo programa de Fomento à Dança para a Cidade de São Paulo.

Cursou o Intesive Course SNDO – SCHOOL OF NEW DANCE DEVELOPMENT (Amsterdam, 2009) e foi artista selecionado para o programa DANCEWEB 2015 no IMPULSTANZ VIENNA INTERNATIONAL DANCE FESTIVAL.


Jari Malta

Name: Jari Malta

Nationality: Uruguay

Born: 23/10/1985

Jari Malta (Montevideo, Uruguay) ha investigado y escrito sobre cuestiones de género, sexualidad, raza, migraciones, politicas de pertenencia, subculturas o especismo. Sus proyectos se han traducido en diferentes formatos, desde la teoría o el teatro pasando por la ficción o la curadoría.

Licenciado en Filosofía y Literatura Comparada, tiene un Máster en Escritura Creativa y participó en el Programa de Estudios Independientes (MACBA). Fue miembro del grupo de investigación Genealogías Críticas de las Desobediencias Sexuales desde el Sur (Universidad Nacional de la Plata, Argentina).

Ha trabajado para diferentes instituciones culturales como el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (España), la Fundación Miró (España) o Smålands Nation (Suecia). Comisarió la exposición Casa Matriz (Espai Colona y Galería Àngels, España) junto a Marta Echaves y fue parte de la publicación Anales Coloniales


Raúl Hott

Nome: Raúl Hott      

Nacionalidade: Chilena

Nascimento:  1984

Website: http://raulhott.net/

Raúl Hott é um arquiteto, artista e educador que trabalha sobre o corpo. Ele cria experiências coletivas para espaços públicos e ambientes naturais. Seus projetos são iniciativas e ações comunitárias que revigoram o acesso democrático às artes e à vida pública, injetando participação horizontal e vitalidade. Ele é um artista cujo trabalho abrange a arquitetura efêmera, som, coreografia, escrita, design gráfico e muitos outros campos. Raúl é Mestre em Novas Formas pelo Pratt Institute.

Versão mais longa:

Raúl Hott é um arquiteto, artista e educador que trabalha sobre o corpo, projetando experiências coletivas para espaços públicos e ambientes naturais. Seus projetos são iniciativas comunitárias que revigoram o acesso democrático às artes e à vida pública, injetando participação horizontal e vitalidade. Ele é um artista cujo trabalho abrange arquitetura, som, cura, coreografia, escrita, design gráfico e muitos outros campos.

Raúl é Mestre em Novas Formas pelo Pratt Institute. Ele tem sido atraído especialmente pela pedagogia, ensinando em diferentes escolas de arte e arquitetura desde 2007. Ele está atualmente baseado em Atenas, na Grécia, onde participa como um colega residente do Capacete, um programa brasileiro de educação experimental apresentado na Documenta 14. Para participar Este Programa de Residência, Raúl foi premiado com o Motel Capacete Fellowship do Chile.

O trabalho de Raúl Hott foi apresentado no Centro Point para Arte Contemporânea (Chipre), Arte em Odd Places Festival (NY), Galeria Trestle (NY), Ed. Varie Gallery (NY), Blackburn 20/20 Galeria (NY), Mykonos Biennale (Grécia), Espacios Revelados (Chile), NAVE (Chile) e HALLE14 (Alemanha), entre muitos outros

Vasiliki Sifostratoudaki

Nome: Vasiliki Sifostratoudaki

Nacionalidade: Greek

Nascimento: Athens

 

Vasiliki Sifostratoudaki (Atenas, GR, 1979) é bacharel em Belas-Artes e Educação nas Escolas de Belas-Artes de Atenas (2012) e recebeu uma Master of Fine Arts do Instituto Piet Zwart, em Roterdão (2015), participa no CAPACETE Atenas 2017), fundador do projeto Yellow Brick (2016). As exposições recentes incluem: Fundação TAF "O lugar no Fim" (2017), Art Fair Rotterdam (2017), "Rocks in Stock" em Joey Ramone, NL (2016), "Reframe Memory" no Benaki Museum, Atenas, GR (2015); "Uma ilha dobrada como pão seco" em Upominki, Rotterdam, NL (2015); "Performative Labour-ISM", Mês de atuação no ZK / U Centro de Arte e Urbanismo, Berlim, DE (2014); "Pantone Green e um copo de limonada", em colaboração com Jessica Dunleavy apoiado pela Snehta Residency e financiado pelo British Council EUNIC, em Bhive, Atenas, GR (2014). Vive e trabalha em Rotterdam (NL) e Atenas (GR).

Gian Spina

Nome: Gian Spina

Nacionalidade: Brasileiro

Nascimento: 1984

Mais informações: http://gianspina.com

Gian Spina nasceu em São Paulo; viveu, estudou e trabalhou em San Diego, Vancouver, Bordeaux, Berlim Frankfurt e Ramallah. Seu trabalho prático se define como a construção de narrativas a partir de práticas interdisciplinares que se desenvolvem em cadeia, onde um gesto leva a outro até que a formação da história se concretize . Sua primeira formação se iniciou em 2002,  com a fotografia no Instituto Senac em São Paulo. Seguiu-se então a formação em Cinema em Vancouver com o professor Roy Hunter, de 2005 a 2006 complementada com o curso de Teoria do Cinema com o Prof. Carlos Augusto Calil na USP. De de 2007 a 2008 arquitetura na Escola da Cidade. Em 2010 na Alemanha, estudou com o Prof. Sigfried Zielinski no Vilem Flusser Archive na Universidade de Artes de Berlim e com a Prof. Ulrike Gabriel e a Prof. Juliane Rebentisch na Academia de Artes e Design em Offenbach am Main, na Alemanha, onde recebeu a bolsa de estudo pelo Rotary-Club da cidade (2011). Terminou seu mestrado orientado pelo filósofo e professor Fabien Vallos na Escola de Belas Artes de Bordeaux. Atualmente, trabalha como professor na academia internacional de artes da Palestina. Gian Spina atravessou os Balkans e a Ásia Central de bicicleta, a Cisjordânia e o Himalaia a pé. Fala fluentemente alemão, inglês, espanhol, francês e português. Participou de exposições em diversos países e distintos contextos; entre elas o programa de exposições individuais do CCSP de 2016. Em 2016 foi selecionado para o Programa de Residências do Capacete que acontecerá junto a Documenta em Athenas (2017).


Nikos Doulos

 

Nome: Nikos Doulos

Nacionalidade: Grega

Nscimento: 1978

Nikos Doulos is an Amsterdam based artist, born and raised in Athens, Greece. He obtained a bachelor degree (BFA) in painting from the Athens School of Fine Arts (ASFA) and a Masters (MFA) in public space art from the Dutch Art Institute (DAI) in the Netherlands.

Doulos’ interest lies on inclusive modes of knowledge production achieved through discursive practices and temporal interventions. In his work, he creates malleable situations/conditions as participatory infrastructures and ‘soft’ knowledge generators. Walking holds a predominant part in his practice.

He is the founder of NIGHTWALKERS – a collectively practiced nocturnal walking project investigating the contemporary identity of the flanêur. NIGHTWALKERS has been performed in the Netherlands, Serbia, Sweden, Italy, Hungary and South Korea to name a few.

Doulos predominantly engages on research trajectories under the umbrella of Expodium – an ‘urban do tank’ that utilizes artistic means to address urban challenges and the ever-changing nature of cities.

He has presented collaborative projects at the Trafó House of Contemporary Arts (Budapest), Bildmuseet (Umeå), participated at the Impakt Festival (Utrecht), the Athens Biennale: #4 AGORA and the 53rd October Salon and has lead workshops for UNIDEE – Cittadelartte Pistoletto Foundation and the University of the Arts, Uniarts Helsinki among others.

He is a co-curator of ‘Unmaking The Netherlands’ program initiated by Expodium and a co-editor of the Unmaking or How To Rethink Urban Narratives publication. He teaches periodically at the University of the Arts, Uniarts in Helsinki. He works collaboratively.

Nikos Doulos’ participation at Capacete-Athens is generously supported by Mondriaan Fonds.

www.expodium.nl

www.unmakingthenetherlands.nl

http://nightwalkersexpodium.tumblr.com/

Longer version

Nikos Doulos is an Amsterdam based artist, born and raised in Athens, Greece. He obtained a bachelor degree (BFA) in painting from the Athens School of Fine Arts (ASFA) and a Masters (MFA) in public space art from the Dutch Art Institute (DAI) in the Netherlands.

Doulos’ interest lies on inclusive modes of knowledge production achieved through discursive practices and temporal interventions. In his work, he creates malleable situations/conditions as participatory infrastructures and ‘soft’ knowledge generators. Walking holds a predominant part in his practice.

He is the founder of NIGHTWALKERS – a collectively practiced nocturnal walking project investigating the contemporary identity of the flanêur. NIGHTWALKERS has been performed in the Netherlands, Serbia, Sweden, Italy, Hungary and South Korea to name a few.

Doulos predominately engages on research trajectories under the umbrella of Expodium – an ‘urban do tank’ that utilizes artistic means to address urban challenges and the ever-changing nature of cities.

He has presented collaborative projects at the Trafó House of Contemporary Arts (Budapest), Bildmuseet (Umeå), participated at the Impakt Festival (Utrecht), the Athens Biennale: #4 AGORA and the 53rd October Salon and has lead workshops for UNIDEE – Cittadelartte Pistoletto Foundation and the University of the Arts, Uniarts Helsinki among others.

He is a co-curator of ‘Unmaking The Netherlands’ program initiated by Expodium and a co-editor of the Unmaking or How To Rethink Urban Narratives publication. He teaches periodically at the University of the Arts, Uniarts in Helsinki. He works collaboratively.

Nikos Doulos participation at Capacete-Athens is generously supported by Mondriaan Fonds.

www.expodium.nl

www.unmakingthenetherlands.nl

http://nightwalkersexpodium.tumblr.com/


Eliana Otta

Nome: Eliana Otta

Nacionalidade: Peru

Nascimento: 1981

Eliana Otta is a multidisciplinary artist. Through drawing, writing, video, installations and participatory projects, she associates simple details from everyday life that can speak about complex processes in specific contexts, inquiring how subjectivities shape public space by relating the personal to the political, as well as individual and shared memories to questions about the present and our possible collective wishes for the future. Economic inequality, precarious labor, gender violence  and our relation with nature in neoliberal extractivist systems, are some of her main focus of interest.

She studied Fine Arts at Pontificia Universidad Católica, in Lima, and has a Master’s Degree in Cultural Studies. She has showed her work worldwide, among others, in Shed Im Eisenwerk (CH), Transart Triennal (DE), Jewish Museum (US), TATE Modern Project Space (UK), MSU Zagreb (CR), Tasneem Gallery (SP), Museo La Energía (AR), Lugaradudas (CO), Sala Luis Miró Quesada Garland (PE). She has won various distinctions such as Concurso Nacional de Cortometraje Experimental (2013) and Concurso de Obras Cinematográficas Peruanas de Cortometraje (2012).

She participated in residencies such as Sommerakademie in Zentrum Paul Klee (CH), Meer Teillen: Share More (CR- CH), The Return to Nature – A Pedagogy of Uncertainty (Lamas, PE, for the 32nd  Biennale of São Paulo), HAWAPI (PE); Juanchaco, Ladrilleros y La Barra, CO, Encuentro Internacional de Arte Contemporáneo Med07, CO.

She was part of artist-run spaces La Culpable, La Casa Rosa, cofounded Bisagra (www.bisagra.org), and coedited the art magazines Prótesis, Juanacha and Bisagra. She was member of political collectives Nadie nos paga and Mujeres Dignidad.

She coordinated the curatorial team that made the permanent exhibition for Lugar de la Memoria, a national space dedicated to the political conflict suffered in Peru between 1980s and 2000.

She teaches at the Art Faculty of Pontificia Universidad Católica, at Escuela de Arte Corriente Alterna and has taught at Escuela Nacional Superior de Bellas Artes. In 2004 she opened Pulga, the first shop dedicated to young fashion designers in Lima, and activates parties as Dj Flaquita. She is represented by Galería 80m2 Livia Benavides.


Musa Michelle Mattiuzzi

[gview file=”http://capacete.org/wp-content/uploads/2017/04/3.-Musa-Michelle-Mattiuzzi-Dissident-Black-Written-for-an-Error-Contained-Narrative.pdf”] 

Nome: Musa Michelle Mattiuzzi

Nacionalidade: Brasil

Nascimento: 19

Musa Michelle Mattiuzzi : ex-bancária, ex-recepcionista, ex-operadora de telemarketing, ex-auxiliar de serviços gerais, ex-cuidadora de crianças, ex-dançarina, ex-mulher, ex-atendente de corretora de seguros, ex-esposa, ex- aluna. Foi jubilada pela Universidade Federal da Bahia, por racismo institucional. Negra, escritora, performer, move-se com arte de modo indisciplinar.

http://musamattiuzzi.wix.com/musamattiuzzi

Skype: michelle.mattiuzzi

musamattiuzzi@gmail.com


Gris Garcia

Nome: Gris García

Nacionalidade: Mexico

Nascimento: 14/11/1986

Artista y curadora independiente. Estudió  Artes Visuales en la UANL (Monterrey, México). Ha expuesto en diferentes ciudades de México, España, Rusia, Canadá y Colombia. Cursó la maestría de Producción e Investigación Artística en la Universidad de Barcelona  con el apoyo de FONCA CONACULTA. Realizó el Programa de Estudios Independientes del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona reconocido como maestría en “Estudios museísticos avanzados y teoría crítica”. Ha comisariado proyectos como Museo Oral de la Revolución en el equipo curatorial de Paul B. Preciado para el MACBA, Balmes 88 para A3Bandas en España, las condiciones posibles con la galería Angels en Barcelona y entre los mas recientes ha sido Mediadora de proyectos en la Sala de Arte Joven de Barcelona y el proyecto Casa Entera entre España y Colombia. Fue Curadora de Lugar a dudas 2014-2015. Ha sido profesora de la Facultad de Artes y Humanidades en el ITM, Universidad en Medellín, Colombia. Forma parte de TuerCo. equipo multidisciplinario que trabaja entre los límites del arte y la tecnología.



Sol Prado

Nome: Sol Prado

Nacionalidade: Argentinia

Nascimento: 1985

As obras de arte e investigação centram-se na criação de ficções (escrita, performance, instalações, oficinas) através da utilização de procedimentos irónicos e de paródia para desmantelar, por método de intensificação, a estrutura perversa do paradigma neoliberal.

Considera que a re-atualização dos mecanismos do fascismo é expressa por meio de uma artilharia fina e cosmética de domesticação cujo objetivo final é a privatização das forças e do pensamento comuns.

Sol Prado. Artista, pesquisador independente e intérprete.

Actualmente trabalha no programa de arte e política Capacete - Documenta 14, Atenas - Kassel.

Estudou no Independent Program Studies do Museu de Arte Contemporânea de Barcelona (MACBA), dirigido por Paul B. Preciado. Suas obras de arte e pesquisa coletiva se concentraram em criar ficções (escrita, performance, instalações, oficinas) através do uso de procedimentos irônicos e de paródia para desmantelar, por método de intensificação, a estrutura perversa do paradigma neoliberal.

Ela considera que a re-atualização dos mecanismos do fascismo é expressa por meio de uma artilharia fina e cosmética de domesticação cujo objetivo final é a privatização das forças comuns e do pensamento.



The Cooperativist Society Tools for a Cooperative Ecosystem: Circular Economy in Practice

 

Public Programs, Friday and Saturday, March 17 and 18, 2017

The Cooperativist Society
Tools for a Cooperative Ecosystem: Circular Economy in Practice
Workshops, Talks, and Discussion
Athens School of Fine Arts, Giorgio De Chirico Amphitheater, 256 Pireos Street
The ideas of a circular economy and a fair ecosystem (economy and ecology) are concerned with building a new type of world, connecting and establishing a network of self-employed people, collectives, and committed individuals, beyond borders and nations through structures like FreedomCoop and digital crypto-currencies like FairCoin. The goal is to replace the present profit-oriented economic system with one centered around fairness, ideas of cooperation, and environmental sustainability. The aim of the event hosted by the Cooperativist Society is to raise awareness, share knowledge, and spread information concerning the use of FairCoin and other aspects of the circular economy’s network structures, as well as to help establish and strengthen local initiatives, incubating new cooperative projects and sharing new potential ideas.

It is, after all, necessary to move past rhetoric and build practical and viable alternatives to today’s financial establishment. In the specific case of Greece and the political issues concerning the threat of a so-called Grexit, any radical movement will have to think very seriously about economic alternatives to the Euro, and, more broadly, to present concrete and coherent choices instead of the austerity-driven, export-dominated, and ecologically unsustainable course of the “official” Greek economy. If leaving the eurozone implies total economic chaos and dislocation, it is clear that, for lack of an alternative, Greece will be trapped in the vicious cycle of further austerity. Ultimately, the brakes will be put on any form of serious social resistance. Solving this difficulty implies thinking about different currencies instead of relying on the Euro, ways of living and thinking that are different from the consumerism of the establishment, and progressing in the social direction advocated by cooperative ecosystems like FairCoop.

The two days of events will focus on practice, on learning to build your cooperative project, on meeting and collaborating with others with the same interests, on learning how to use FairCoin as a digital currency for a fair economy, and on creating a process within which a circular economy in Athens and beyond could become a reality.

You are welcome!

Program

Friday March 17, 2017
4–9 pm

4–4:55 pm
Introduction to the concept of circular economies

5–6:55 pm
Open cooperation tools: members of the Open Collaborative Platform (OCP) showcase projects and speak about economic management within an ecosystem
Cooperative incubator: open space to share ideas for cooperative projects (artist cooperatives, Fairbnb, and more)

7:10—9 pm
Cooperative incubator: legal coop framework in Greece
FreedomCoop: general introduction

Circular economy
FairCoin: Wallet Party. Bring your phone or your laptop (the event will be repeated on Saturday)

Saturday March 18, 2017
11 am–8 pm

11 am–12:45 pm
Circular economy mapping: add your project to the map

11 am–3 pm
Cooperative incubator: open development meetings for selected projects

1–3 pm
FairCoin: Wallet Party. Bring your phone or your laptop

4–5:45 pm
Open cooperation tools: OCP (Open Collaborative Platform), learn to configure your project
Circular economy: Fairpay cards and POS workshop

6 pm
Cooperative incubator and circular economy: plenary, conclusions, synergies, and planning of follow up meetings


Athenas

Em 2017 o programa CAPACETE vai desdobrar sua programação em Atenas (e parte em Kassel), no contexto da documenta 14, na académia de belas artes de Athenas e em eventos relacionados aos programas e atividades culturais regulares da cidade. 
 
No Rio de Janeiro o CAPACETE continuará em funcionamento sob a direção de Camilla Rocha Campos e a programação será lançada em breve.
——–
 
Athenas

Por 19 anos o CAPACETE recebeu atores ativos em diferentes campos e provenientes de todo o mundo para experimentar, trocar, pesquisar, amar, produzir, apresentar, publicar e compartilhar. Agora é a vez do CAPACETE se deslocar: um grupo de 12 participantes foi selecionado para participar em um programa de 9 meses de duração em e com Atenas, num contexto estrangeiro às atividades originais e regulares do CAPACETE.

A abordagem do CAPACETE em relação à aprendizagem e à pesquisa baseia-se numa prática coletiva, discursiva, performática e experimental, que requer tempo e envolvimento estreito, de modo a formar um sistema de intercâmbio e produção descentralizado e menos hierárquico.

A comissão de seleção dos residentes para o programa foram: Xafos Xagoraris (Académia de Belas Artes/Athenas), Paul B. Preciado (documenta14/Athenas), Lígia Nobre (São Paulo), Amilcar Packer (São Paulo) e Helmut Batista (CAPACETE/Rio de Janeiro).

——–
 
Proposta completa

CAPACETE

“Escolas que se posicionam como lugares de “produção de conhecimento” privilegiados ou exclusivos apenas reafirmam as desigualdades sociais e as hierarquias existentes.”

Paulo Freire,

(Pedagogia da Autonomia – Saberes Necessários à Prática Educativa)

 

 

“Os quatro pontos cardeais são três:

Sul e Norte.”

Vicente Huidobro, Altazor

De março a dezembro de 2017, o Capacete vai desdobrar sua programação em Atenas (e parte em Kassel), no contexto da documenta 14 e em eventos relacionados, como a Bienal de Atenas e os programas e atividades culturais regulares da cidade.

Se, em um mundo integrado, tudo parece fundir-se homogeneamente, os processos hegemônicos:

• O que significa deslocar uma aprendizagem experimental, coletiva e uma iniciativa baseada na investigação de um continente para outro – especificamente a partir do hemisfério sul para o Sul do Norte? O que motiva tal deslocamento e o que isso implica?

• Como tal iniciativa engaja-se em um novo contexto local, tendo em conta a complexidade e heterogeneidade destas comunidades, de suas histórias e dinâmicas socioculturais?

Se, em alguma medida, a Grécia Antiga era e ainda é utilizada como matéria-prima para moldar a imaginação da modernidade ocidental, o que pode oferecer a Grécia contemporânea ao desmantelamento do colonialismo e do capitalismo neoliberal, especulativo e financeiro?

Por 19 anos o CAPACETE recebeu atores ativos em diferentes campos e provenientes de todo o mundo para experimentar, trocar, pesquisar, amar, produzir, apresentar, publicar e compartilhar. Agora é a vez do CAPACETE se deslocar: um grupo de até 12 participantes será selecionado para participar em um programa de 9 meses de duração em e com Atenas, num contexto estrangeiro às atividades originais e regulares do CAPACETE.

A abordagem da CAPACETE em relação à aprendizagem e à pesquisa baseia-se numa prática coletiva, discursiva, performática e experimental, que requer tempo e envolvimento estreito, de modo a formar um sistema de intercâmbio e produção descentralizado e menos hierárquico.

Estrutura do programa:

– Convocatória aberta para de seis a oito participantes latino-americanos e de três a quatro participantes gregos, que irão engajar-se em escutar, aprender, vivenciar e trocar experiências.

– Duração: de março a dezembro de 2017

• Dois capítulos diferentes relacionados a momentos e marcos conceituais separados:

Primeiro Capítulo (quatro meses): dedicado à escuta ativa e ao olhar. Começará antes da abertura da documenta 14, em Atenas, e continuará através de seus 100 dias *. O foco deste período será a abordagem do contexto local em encontros com agentes locais, profissionais e instituições; bem como o estabelecimento de vínculos na cidade e o desenvolvimento de um modo intenso de conversação para abordar as dinâmicas socioculturais e políticas na Grécia e em Atenas, especificamente.*Este período será dedicado também à compreensão da relação emaranhada entre Kassel e Atenas, dentro do marco da documenta 14. Para isso, está prevista uma viagem à Kassel e a colaborações com parceiros locais.

Segundo Capítulo (seis meses): dedicada à (re)ação, começando pela conclusão da documenta 14 em Atenas e seguindo até dezembro. Durante este período, diferentes profissionais – entre os interlocutores regulares do CAPACETE, os profissionais e agentes locais do contexto ateniense – serão convidados a colaborar com o grupo selecionado de participantes em programas públicos. Esta série de programas se estabelecerá sem um tema específico, abrangendo o fato de que o deslocamento gera problemas (tais como as colocadas acima), mais do que frameworks organizados. Nossa situação é um estudo de caso que precisa ser experimentado, a fim de chegar a conclusões. Nosso interesse está em como reagir às questões provocadas pela nossa dada situação.

A comissão de seleção é: Xafos Xagoraris, Paul B. Preciado, Lígia Nobre, Amilcar Packer e Helmut Batista

A visão do CAPACETE

Nossos contextos globalizados estão estruturados pela desigual distribuição do trabalho e das riquezas, e são crescentemente moldados pela economia dos mercados especulativos. Atualmente, inúmeras das manifestações culturais são eventos de grande escala, e freqüentemente estão direcionadas para um público genérico ou restritas à elite. Tal situação reduz e neutraliza o alcance ético e político da arte, assim como o seu potencial em promover e inspirar outras formas de trabalho, pensamento, relacionar e de viver.

Nossa intenção é constituir situações e desenvolver estratégias que forneçam uma alternativa concreta e real para este estado de coisas. Nosso programa é desenhado para refletir o caráter interdisciplinar das práticas estéticas contemporâneas, trabalhando com artistas e pensadores cujos esforços articulam o mundo teórico com apresentações artísticas em diversos formatos e dinâmicas, e para diferentes públicos. Ao desafiar o estado atual da cultura, economia e educação, nossa função será principal será elaborar auto-organização e gestão artísticas, participação e modos colaborativos de ação, como parte fundamental do conteúdo e da estrutura de nossas atividades.

Estas iniciativas somente podem ser desenvolvidas ao longo do tempo, por meio simultâneo de ativação e avanço de diversas formas de troca, distribuição e produção. Nossa intenção é manter atentos e fluidos ao longo deste processo, ajustando nossas estratégias, táticas, e objetivos à medida que nos desenvolvemos. Um dos objetivos integrais de nosso programa é expandir continuamente nossa plataforma de troca, trazendo novos participantes e interlocutores, fomentando as relações entre diferentes instituições e organizações, bem como aprofundando os laços e relações com colaborações estabelecidas.

CAPACETE age na intercessão de diversos campos sociais e profissionais, exigindo, portanto, que os participantes selecionados embarquem plenamente em um diálogo aberto e horizontal, se envolvendo ativamente nas atividades do programa, instigando que por sua vez, possam funcionar como plataformas para a disseminação da informação, promovendo respostas ativas e gerando o debate público.

Zafos Xagoraris

Athens, 1963

Zafos Xagoraris has studied at the Athens School of Fine Arts and the Massachusetts Institute of Technology. His Ph.D. from the National Technical University of Athens was about the construction of miracles by Hero of Alexandria. He has presented various personal exhibitions and his work consists by drawings, obstructing devices of visual or other signals and public installations of sound amplification mechanisms (for example at the deserted villages of Cyprus, 2003-5). He has participated in exhibitions such as: 4th Athens Biennial, ETICO_F, Manifesta 7, 1st Bienal Fin del Mundo, 1st Thessaloniki Biennale and the 27th Sao Paulo Bienal. He has recently presented the installation “Downhill Classroom”, Benaki Museum, Athens and was one of the curators of the Greek Pavilion of the 9th Venice Biennale of Architecture and the 2nd Athens Biennial. He’s an Associate Professor and Head of the Visual Arts Department of the Athens School of Fine Arts and was a Visiting Professor at the University of Sassari and Patras as well as a Scholar at the Columbia University, NYC. He has been invited to present his work and organize workshops at the University of Michigan, University of Illinois at Chicago, Academy of Fine Arts, Munich, D’Annunzio University, Pescara, IUAV, Venice, Academy of Fine Arts, Palermo, School of Visual Arts and others. 

Ligia Nobre

1973, Sao Paulo

Arquiteta, pesquisadora, curadora, artista e agenciadora de projetos e espaços artísticos, opera nos cruzamentos entre arte e arquitetura. Graduada pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo – Universidade Mackenzie (São Paulo, 1996), mestre em Teoria e História da Arquitetura e do Urbanismo pela Architectural Association School of Architecture (Londres, 1999) e doutoranda no Programa In. Atualmente é professora da Escola da Cidade e integra O grupo inteiro (ogrupointeiro.net). Curadora e coordenadora geral com Carol Tonetti do projeto Contracondutas (São Paulo/Guarulhos, 2016-17) e do projeto-exposição Mano Fato Mano no Centro Cultural São Paulo (Nov.2014-Fev.2015). Participa com o trabalho Condutores da exposição “Playgrounds 2016” no MASP e Sesc Interlagos (São Paulo, 2016). Curadora com Ana Luiza Nobre e Guilherme Wisnik da X Bienal de Arquitetura de São Paulo (2013). Curadora São Paulo com Urban Think Tank (NY/Zurique/SP) para o Audi Urban Future Award (Istanbul, 2012). Consultora do Ministério da Cultura junto aos setores de artes visuais, design e arquitetura e o Programa Espaços e Bibliotecas Mais Cultura (Brasília, 2009-10). Pesquisadora e assistente de ensino dos arquitetos Jacques Herzog e Pierre de Meuron na Universidade ETH Studio Basel – Contemporary City Institute (Basel, 2007-08). Co-fundou e dirigiu a plataforma sem fins lucrativos exo experimental org. (arquivoexo.org) que promoveu pesquisas urbanas e artísticas, residências artísticas, publicações, exposições, encontros discursivos e oficinas (São Paulo, 2002- 07). Contemplada com bolsa-residência na Akademie Schloss Solitude (2006) e os editais Funarte Conexões Artes Visuais (2012) e Exposições da Prefeitura de São Paulo-CCSP (2014). Coordenadora Editorial de Trabalhando no Copan/Working at Copan, de Peter Friedl (Sternberg Press, 2007), co-editora de Monolito #17 – X Bienal de Arquitetura de São Paulo (2013), com ensaios publicados nos periódicos Bamboo, TANK, Abitare, ArtReview, Urbania, Item, dentre outras publicações. 

Paul B. Preciado

Burgos, 1970

Paul B. Preciado is a philosopher, curator and transgender activist and one of the leading thinkers in the study of gender and sexual politics. An Honors Graduate and Fulbright Fellow, he earned a M.A. in Philosophy and Gender Theory at the New School for Social Research in New York where he studied with Agnes Heller and Jacques Derrida. He holds a Ph.D. in Philosophy and Theory of Architecture from Princeton University. His first book, Contra-Sexual Manifesto (forthcoming by Columbia University Press in 2016) was acclaimed by French critics as “the red book of queer theory” and became a key reference for European queer and trans activism. He is the author of Testo Junkie. Sex, Drugs and Biopolitics (The Feminist Press) and Pornotopia (Zone Books) for which he was awarded the Sade Price in France. He has been Head of Research of the Museum of Contemporary Art of Barcelona (MACBA) and Director of the Independent Studies Program (PEI). He is currently Curator of Public Programs of documenta 14 (Kassel/Athens).

Amilcar Packer

Chile, 1974

Amilcar Packer nasceu em Santiago do Chile em 1974 e vive em São Paulo desde 1982. É licenciado em Filosofia pela USP e mestre em Psicologia Clínica pela PUC-SP. Packer desenvolve práticas que operam reconfigurando e subvertendo o campo semântico de objetos, arquitetura e o corpo humano, assim como tradições de pensamento e imaginação. Suas atividades se extendem em formatos discursivos e perfomativos, aulas e oficinas, encontros e conversas, comidas, passeios e seminários públicos que estabelecem espaços e estados provisórios para dinámicas coletivas menos hierarquizadas, onde predominam a busca pela construção da horizontalidade, o debate crítico, o aprendizado mútuo e a convivência. É co-fundador do Programa de Ações Culturais Autônomas e colabora regularmente com o CAPACETE, assim como com a Casa do Povo.

Helmut Batista

Rio de Janeiro, 1964

Helmut Batista direção de ópera ma ESAT na França. Em 1998 fundou o CAPACETE que ele dirige desde então. CAPACETE tem produzidos novos trabalhos de arte, seminários, oficinas, residencias e livros com parcerias de diferentes paíse. Em 2015 CAPACETE inaugurou o projeto experimental com duração de 1 ano. Para mais informações por favor consulte: www.capacete.org.



Caetano Carvalho e Jonas Lund

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Quarta-feira dia 14 de dezembro

O que nos cerca

por Caetano Carvalho e Jonas Lund

Jonas Lund é um artista sueco que cria pinturas, escultura, fotografia, sites e performances que incorporam dados de seus estudos de tendências e comportamento do mundo da arte. Ele ganhou um mestrado em Piet Zwart Institute, Rotterdam (2013) e um BFA na Gerrit Rietveld Academy, Amsterdam (2009). Fez exposições individuais na Whitechapel Art Gallery, Londres (2016), Steve Turner, Los Angeles (2016, 2015, 2014); Växjö Konsthall Suécia (2016), Boetzelaer | Nispen, Amsterdão (2014); Showroom MAMA, Rotterdam (2013); E teve o trabalho incluído em exposições numerosas do grupo including em Eyebeam, New York; New Museum, Nova Iorque, XPO Gallery, Paris; Van Abbemuseum, Eindhoven, Witte De With, Roterdão, De Hallen, Haarlem eo Moving Museum, em Istambul. Seu trabalho foi escrito sobre em Artforum, Kunstforum, Metrópole M, Artslant, Rhizome, Huffington Post, Furtherfield e Wired.

 

CV

Solo Shows (selection)

2016 Your Logo Here, Steve Turner, LA, US
2016 Versus, Växjö Konsthall, Växjö, SE
2016 Fair Warning, Whitechapel Art Gallery, London
2016 MiArt with Steve Turner LA, Milano, IT
2015 Legacy of the Void, Boetzelaer|Nispen, Amsterdam, NL
2015 Contemporary Gallery, New Shelter Plan, Copenhagen, DK
2015 Strings Attached, Steve Turner, LA, US
2014 Studio Practice, Boetzelaer|Nispen, Amsterdam, NL
2014 Flip City, Steve Turner Contemporary, Los Angeles, US
2013 The Fear Of Missing Out, Showroom Mama, Rotterdam, NL
2013 Curate This, Galerie van Gelder, Amsterdam, NL
2012 Public Access Me, First Look, New Museum, New York
2012 1,164,041 Or How I Failed In Getting The Guinness World Book Of
Record Of Most Comments On A Facebook Post, W139, Amsterdam, NL


O Jardim Secreto por Oliver Bulas

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Final de semana do dia 10 e 11 de dezembro de 2016

O artista Oliver Bulas os convida à todos para participarem de um workshop, que será realizado durante um final de semana, num maravilhoso sítio em Lídice. Lá vocês terão a oportunidade de explorar as características biológicas e geológicas ambientais de Mata Atlântica.

Inscrições: http://www.wcw-gallery.com/jardimsecreto.html


Open Call Club

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Open Call Club
Galeria Cavalo, Rio de Janeiro
December 1st, 2016 – January 21st, 2017

Artistas participantes:

Cleiton Almeida (1998 BR), Amanda Andersen (1981 BR), Fabiano Araruna
(1987 BR), Tatiane Araujo (1984 BR), Felipe Barsuglia (1989 BR),
Ingrid Bittar (1989 BR), Louise Botkay (2016), Paolo Brambilla (1990
IT), Julie Brasil (1965 BR), Arthur José Carneiro (1938, BR), Marina
Caverzan (1981 BR), Beatriz Cazal (1967 BR), Carolina Costa (1989 BR),
Antonio Da Silva (1948 BR), Polliana Dalla Barba (1988 BR), Kadija de
Paula (1980 BR), Vita Evangelista (1985 BR), Tito Faria (1991 BR),
Felipe Fernandes (1983 BR), Claudia Figueredo (2016 BR), Mario
Grisolli (1963 BR), Mariana Kaufman (1982 BR), Viviane Laprovita &
Vladimir Ventura (BR), Letícia Lopes (1988 BR), Mirela Luz (1974 BR),
Luisa Marques (1985 BR), Darks Miranda (1909 BR), Eden Mitsenmacher
(1987 FR), Ana Marta Moura (1978 BR), Bruno Neves (1991 BR), André
Niemeyer (1969 BR), Gabriela Noujaim (1983 BR), Angela Od (1973 BR),
Martin Ogolter (1969 AT), Mahyrah Paes (1990 BR), Cláudia Porto (1975
BR), Eduarda Ribeiro (1981 BR), Pilar Rocha Rodrigues (2016 BR), Euro
S.R. (1947 BR), Gustavo Romeiro (1985 BR), Allan Sieber (1972 BR),
Juliana Tobar Leitão (1979 BR), Chico Togni (1981 BR), Natali
Tubenchlak (1975 BR), Rafael Uzai (1985 BR), Pedro Vasconcellos (1980
BR), Juliana Wähner (1979 BR)

Cavalo e Jonas Lund estão felizes em apresentar Open Call Club, uma exposição coletiva que faz parte da exposição ‘The Unique Institutional Critique Pop-Up Boutique’. Open Call Club é composto por 44 artistas que têm conexão com o Rio de Janeiro e que responderam a uma chamada aberta para participar da exposição Open Call Club.

The Unique Institutional Critique Pop-Up Boutique é uma exposição que assume a posição de criar uma loja no interior da galeria, abordando campos como a autenticidade, originalidade, a força e influência de um mercado de arte para a produção artística. Cada trabalho no show também será oferecido para venda através de uma loja online relacionada à exposição. Dentro desse contexto, a exposição Open Call Club irá criar um show dentro do show, uma exposição para questionar os méritos de sua exposição matriz, uma exposição que vai estender suas posições no seu limite lógico. O que é originalidade? O que é uma edição única? Qual é o valor de escassez? Como artistas podem subverter um mundo da arte e mercado onipresentes? Devem os artistas abraçar, desmistificar ou criticar o mundo da arte e rede de mercado em que operam? Até onde pode um artista distanciar-se das instituições do sistema para criar e controlar o valor que estamos todos relativamente inscritos?

Todos os artistas do show foram selecionados através de uma chamada aberta, que usou um algoritmo para determinar quais artistas seriam incluídos no show. O algoritmo inverteu o viés típico de todas as galerias do Rio de Janeiro – em que, como exemplo, artistas masculinos estão fortemente super-representados, o algoritmo Open Call Club favoreceu os artistas de sexo feminino ou não definido. Todos os detalhes pessoais, bem como a proposta foram levados em consideração, para fazer a última lista de artistas que agora faz parte do show.

O resultado é uma exposição de grupo muito atípica que se estende por toda a parte em muitas práticas artísticas diferentes, desde pinturas, desenhos, fotografia, vídeo, instalações, esculturas e performances. Open Call Club mostra obras de artistas que merecem uma plataforma para expressar suas idéias e desejos.


PLETORA por Hôtel Beau Rivage & Paula Dykstra

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Quarta-feira, dia 30 novembro
As 20h

PLETORA
Wi-Fi, Filmes & mais
Na rua Benjamin Constant, em frente do 131

“Pode ser um corpo com uma história, um corpo como história, uma história que está viajando e que chega em lugares diferentes. Um corpo usado, um corpo abusado, um corpo cego, um corpo destruído. Um corpo que resiste, que tá ali ainda…”
Lia Rodrigues
PLETORA nasce do desejo de apresentar imagens em movimento fora dos espaços normalmente dedicados à sua apresentação e de trabalhar apenas com filmes disponíveis na internet.
Um esboço proposto por Hôtel Beau Rivage & Paula Dykstra
Com as mãos criadoras da Julia Retz e Soledad Leon


Silvia Federici e George Caffentzis in Capacete

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Quarta-feira dia 31 de Agosto s 19:30

Silvia Federici e George Caffentzis:

It is an honour and a great pleasure to welcome Silvia Federici and George Caffentzis to Capacete, as part of their first visit to Brazil. Silvia Federici and George Caffentzis are two of the most important political thinkers today. Their activism and political thinking has its roots within the Marxist, feminist and autonomous movement and since the 1960’s, they have been part of hugely influential groups such as Wages For Housework and Midnight Notes. Together they have been deeply engaged with struggles related to feminism, domestic labour, the commons, debt and the anti-nuclear movement.

It is no secret that we are going through a critical time in the history of Brazil; the genocide on the indigenous is continuing, the violence against women and their reproductive rights are worsening and the environment is suffering; all part of the capitalist crisis we are living through. This calls for reflection and action. We have invited Silvia and George to share their experiences and ideas for a way to approach these struggles. We hope to create a meeting that will inspire and hopefully create new thoughts and links between groups and individuals.

Bios:

Silvia Federici is a professor emeritus at Hofstra University (NY) and has worked as a teacher in Nigeria. Federici is co-founder of the International Feminist Collective (1972) and the Committee for Academic Freedom in Africa (1990). She is the author ofRevolution at Point Zero (2012) and Caliban and the Witch: Women, the Body, and Primitive Accumulation (2004).

George Caffentzis is a founding member of the Midnight Notes Collective. Caffentzis has written several books, among them are A Thousand Flowers: Social Struggles Against Structural Adjustment in African Universities (2010), Auroras of the Zapatistas: Local and Global Struggles in the Fourth World War (2012) and In Letters of Blood and Fire: Work, Machines, and Value (2013).

Note: the talk will be held in English.

Link to a lecture by Silvia Federici: Women, Reproduction and the Construction of Common

https://www.youtube.com/watch?v=zBBbVpbmRP0

Link to a collection of texts by George Caffentzis:

https://libcom.org/tags/george-caffentzis

With support from: Revista DR, the Department of Philosophy / PUC-RJ and Goethe-Institut São Paulo



Laura Taves

laura taves

Quarta-feira dia 13as 19:30

Laura Taves é artista, arquiteta e urbanista. Vive e trabalha na cidade do Rio de Janeiro, onde desenvolve projetos nos quais, através da arte e da educação procuram discutir e atuar na cidade e em suas fronteiras sociais, culturais e urbanas. Trabalha atualmente como gerente de Relações Comunitárias do Museu do Amanhã, atuando diretamente com os moradores da região portuária do Rio.

Em 2003 fundou a AZULEJARIA – um coletivo de artistas, artesãs e educadoras, que une a tradição da azulejaria com a produção contemporânea na criação de painéis artísticos e intervenções urbanas. Os projetos são produzidos de forma coletiva e participativa. Para isso, a Azulejaria desenvolve atividades de educação e arte para crianças, jovens e adultos, na sua maioria em parceira, há 10 anos, com a ONG Redes de Desenvolvimento da Maré, coordenando oficinas de azulejaria e ações de intervenção urbana, política, artística e coletivas.

No CAPACETE irá apresentar o projeto das Placas de Rua da Maré, um projeto que é fruto de uma ação coletiva de mais de 10 anos, e ainda encontra-se em  processo de desenvolvimento. Esse foi um dos 15 projetos selecionados para representar o pavilhão brasileiro da atual Bienal de Arquitetura de Veneza, na mostra JUNTOS, cujo ‘projeto busca evidenciar histórias de pessoas que lutam e alcançam mudanças na passividade institucional das grandes cidades do País, conquistando arquitetura em processos lentos cujo vagar não é problema, mas um apontamento de soluções ao esfacelamento político do planejamento do território.’

 

E também, como parte desse processo, apresentará o mais recente projeto realizado na Nova Holanda, Maré. Correspondências Cariocas – o Rio em 450 azulejos, foi um projeto realizado através do Programa de Fomento à Cultura Carioca, para a celebração do aniversário da cidade. Maior do que previsto, o painel artístico revestiu uma casa inteira do bairro, com desenhos e textos de 50 crianças e jovens moradores locais, e sua visão do que é a cidade do Rio de Janeiro hoje.


Falke Pisano

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Quarta-feira dia 6 as 19:30

Falke Pisano

It might or it might not be the right moment, but my talk will be about disintegration.
Falke Pisano lives and works in Sao Paulo and Amsterdam. Her installations, sculptures, drawings, diagrams and speech-performances often reflect on, and bring into question, the institutions and structures that shape the social political and narrative space within which individuals negotiate their relation to, and engagement with, the world.

In the publication ‘’Figures of Speech’’ (designed and co-edited by Will Holder, published by JRP- Ringier, Christoph Keller Editions, 2010) Pisano brought together her work focusing on the act of speech in relation to different forms of agency in artistic production.

The artist second cycle of works (2011-) “The Body in Crisis” looks into continuous and repetitive occurrences of moments where the body is thrown into a state of crisis through violent shifts in the conditions of life, and the formal possibilities of representing this body in art.

Her latest work “The value in mathematics” (2015-2016) addresses the relation between culture and mathematics, questioning the universality of mathematical discourse and the implications of a heterogeneous approach to mathematics. It constitutes a first part of a new research cycle on the development of the sciences in modernity and the way its institutions have contributed to a restricted and exclusive idea of knowledge.

Pisano’s latest solo exhibitions include Badischer Kunstverein, Karlsruhe (2016), CAC Synagogue de Delme, Delme (2016), REDCAT, Los Angeles (2015), Praxes, Berlin (Jan.-Jun. 2014), ar/ge Kunst, Bolzano (with Archive Books, 2014), The Showroom, London (2013), Ellen de Bruijne Projects (Amsterdam, 2007, 2011, 2015) Hollybush Gardens (London, 2009, 2012, 2015), De Vleeshal (Middelburg, 2012). She participated in major groups shows such as the Sidney Biennial (2016), Istanbul Biennial (2013), Venice Biennial (2009) and Manifesta (2008). She performed at Museo Reina Sofia (2012), the 5th Berlin Biennale (2008) and Lisson Gallery, London (2007). In 2013 she won the Prix de Rome, the most important Prize for artists under 40 in the Netherlands.



Pedro Cesarino

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Quarta-feira dia 20 de abril as 19:30

Pedro de Niemeyer Cesarino

Heterotopias corporais contemporâneas”.

Pedro de Niemeyer Cesarino é professor do Departamento de Antropologia da FFLCH/USP.
É autor de Oniska, poética do xamanismo na Amazônia (Perspectiva, 2011) e Quando
a terra deixou de falar – cantos da mitologia marubo (Editora 34, 2013), entre outras publicações.


Aleta Valente

aleta valente

Quarta-feira dia 13 de abril as 19:30

Aleta Valente

Aleta Valente, 1986 – Vive mas não trabalha na cidade do Rio de janeiro.
Badass Single Mother Supermodel and Visual Artist
Desinformada pela Escola de Belas Artes pela UFRJ,  já foi vista fumando baseados pelos jardins do MAM, bebendo caipirinhas no quintal do CAPACETE além  de ter nadado nua incontáveis vezes na piscina da Escola de Artes Visuais do Parque Lage.
Coordenadora da BANGU 1 ART RESIDENCY – residência artística que se propõe a pensar sobre a criminalização a pobreza entre outras mil mazelas.
Atualmente pesquisa representações de gênero em mídias sociais através de uma performance cotidiana onde constrói e desconstrói a imagem de si mesma tocando em questões como: Atuto-representação, sexualidade, pós-periferia e processos de auto-legitimação.


Julien Bismuth

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Quarta-feira dia 6 de abril as 19:30

” VER/ LER”

Julien Bismuth will be discussing different forms of interaction and spectatorship in some of his recent work. Focusing on the difference between text and image, Bismuth will engage with the complexities of working in and between different mediums.

Julien Bismuth

French artist Julien Bismuth (*1973, lives in New York and Paris) works at the interface of visual art and literature.  Bismuth’s approach combines words with objects, photographs and film material, integrating them within collages, installations, performances, and video works. Bismuth also founded an independent publishing house Devonian Press together with Jean-Pascal Flavien in 2005. He has recently published three books with Motto in Berlin. His work has been shown in venues including the Tate Modern, Kunsthalle Wien, Schirn Kunsthalle Frankfurt, CRAC Alsace, Bloomberg Space London, ICA Philadelphia, the Palais de Tokyo, and the IAC in Villeurbanne, Emanuel Layr Galerie in Vienna, Simone Subal in New York, and The Box in Los Angeles.


Max Hinderer

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Quarta-feira dia 30 de março as 19:30

Max Jorge Hinderer Cruz
What is ideology? And what is the critique of ideology? Does ideology always come before our talking? Does it necessarily determine our thoughts? Does it determine who we love and with whom we fight? Is it only in our heads, or does it also have to do with our feelings, with our bodies, with our desires, and the psychoactive substances we consume? Starting from some 1960s philosophical discourses the course will try to understand what the so-called “aesthetic turn” of post-marxist ideology critique is all about, and talking about sex and drugs and rock’n’roll, we will articulate aesthetic and artistic practices with concepts such as “micropolitics” and “microphysics of power” in order to understand the forms and forces that govern our everyday lives.

Max Jorge Hinderer Cruz is a German-Bolivian writer and editor based in São Paulo. Together with Suely Rolnik, Pedro Cesarino and Amilcar Packer he is coordinator of P.A.C.A. (Program for Autonomous Cultural Action). He was curator of the exhibition and publication project “Principio Potosí / The Potosí Principle”, presented at Museo Reina Sofia Madrid, Haus der Kulturen der Welt Berlin, and Museo Nacional de Arte and MUSEF in La Paz in 2010 and 2011; he’s the author of the book “Hélio Oiticica and Neville D’Almeida: Cosmococa” published by Afterall/MIT Press in 2013 and Capacete Entretenimentos and Editora Azougue, Rio de Janeiro in 2014.


Mabe Bethônico

mabe

Quarta-feira dia 23 de março as 19:30

Mabe Bethônico
BR 122 – Notícias de viagens à caatinga
“Conheci o arquivo fotográfico do geólogo Aubert de la Rüe no Museu de Etnografia de Genebra enquanto buscava imagens dos Alpes suíços, e encontrei fotografias de paisagens do sertão nordestino. Trabalhando com sua coleção de documentos descobri traços de sua viagem ao sertão e seu bestseller, “Brésil Aride: La vie dans la caatinga”, desconhecido no Brasil. Decidi traduzi-lo para português e o volume,  aumentado com uma reflexão sobre tradução e fotografias inéditas do autor, foi publicado pela Editora Capacete. O livro me levou a conhecer uma parte do percurso descrito, num projeto de residência. Visitando lugares por onde de la Rüe esteve nos anos 50 descobre-se um nordeste que não mais corresponde à imagem de miséria, mesmo em longa seca. Acabei me interessando por radiestesia, misticismo e relatos ufológicos ligados às importantes reservas minerais da região.” Mabe Bethônico


FUTUROS SEQUESTRADOS VS. ANTI-SEQUESTRO DOS SONHOS, OU tratando de contribuir para um novo plex multiversal

CURSO IMERSIVO/ clínica*arte
De 20 a 30 de maio-2016, Rio de Janeiro

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EQUIPE:  Peter Pál Pelbárt, Fabiane M. Borges, Leandro Nerefuh, Marcelo Marssares, Paola Barreto, Giseli Vasconcelos, Rafael Frazão

 

TAGS: Futurologia, cibernética, tecnoprimitivismo, ficção científica, tecnoxamanismo, antropoceno, práticas rituais, onto-ficção, interescritura, ruído, pancinema, anarqueologia, onirismo, auto-ficcionalização, performance, auto-estudo experimental, subjetividade, narrativa fantástica.

 

APRESENTAÇÃO

Comecemos pela lama tóxica: eco da violência neo-desenvolvimentista brasileira e mundial, a matança escancarada para agarrar terras, Friboi ou free os bois?, a lógica mononatural das parceiras privado-público e a contaminação de todas as águas. No cenário thinking estratégico dos governos, a polícia de choque é que se prepara para lidar com as populações que querem acesso às fontes – open source.  Estamos mesmo na lama e a lama não é uma metáfora. Nesse contexto de previsões catastróficas de ‘fim do mundo’ por conta da ação humana destruidora dos sistemas da terra ­‐ acarretando mesmo em um novo período geológico: o antropoceno; o capitaloceno; the metabolic rift –­ esse curso tratará de desviar da nossa rota de colisão apocalíptica e apontar para algumas alternativas de futuro ou futurologias alternativas que carregam um giro tecnológico da diferença. Através da apropriação e da invenção tecno de todas as ordens: ultra low‐tech, ocultas, primitivas… que podem fornecer possibilidades de vislumbrar outros tipos de relações entre humanos, não-­humanos e a terra (interespecifics).

O curso se configura como um tratamento clínico, ritualístico, teórico e prático de encontro das potências do corpo humano com e na terra, de insurgência telúrica. Como criar tratamentos terapêuticos para sanar a lama tóxica, o imaginário carbônico, as enchentes e as secas do clima e do pensamento? Pensamos na engenharia do futuro: a geo-engenharia e a engenharia do corpo. No porvir em relação ao fracasso civilizatório atual. Na urgência da metareciclagem no campo das ficções. E na produção de cosmogonias livres.

DO CURSO

A partir das discussões científicas e teórico-especulativas atuais sobre a era do antropoceno e o ‘fim do mundo’, e em contraponto com futurologias alternativas, construiremos uma dinâmica de imersão conduzida a partir de diferentes técnicas de performance, de ruído, de leitura, de escuta de espectros, desenvolvimento de aparatos eletrônicos, construção de narrativas ficcionais e de propostas clínicas (subjetividade).

O curso conta com pesquisadores de clínica e subjetividade, performance, cinema, eletrônica e música, que promoverão um ambiente de investigação e experimentação radical, a partir das questões que o antropoceno tem levantado no imaginário social.

 

DA ESTRUTURA
Carga horária: 5 horas por dia de práticas imersivas – 16h as 22h
Período: 20 a 30 de Maio 2016

O curso tem base teórica, prática e técnica e prevê a construção de um processo de trabalho experimental, que será realizado no campo (sítio Capacete em Lídice – RJ) e na cidade (Escola Capacete no Rio de Janeiro), fazendo uso de:

1- Linguagens performativas: Uso de técnicas de corpo, improvisação de cena, construção de ações individuais e coletivas a partir de estudos auto-biográficos, construção experimental de linguagem expressiva, ritualização, gestualização, estados de presença, entre outros.

2- Ruidocracia: Uso de técnicas de linguagem sonora, produção de ruído (digital e analógico), vocalização, improvisação narrativa, construção de estados coletivos de escuta. O entendimento do ruido como ruptura da comunicação baseada na inteligibilidade: emissão-redundância-recepção. A ideia aqui é a construção de linguagens que se dão entre humanos e outras espécies.

3- Narrativas ficcionais: Ficcionalização, desenvolvimento de escrita coletiva de caráter transnarrativo, desenvolvimento de personagens, ambientes, contextos. Interescrituras, produção cosmogônica, mítica, metafísica, ontologias diversas, tratados, escritas de associação livre.

4- Live-Cinema: Manipulação de imagens em tempo real, multi-projeções, improvisações narrativas, composição de paisagens visuais, ruídos e texturas luminosas, montagem nuclear, montagem ideogrâmica, livre associação de imagens signo. Diferentes ontologias imagéticas em colisão – arquivo / ao vivo / imagem midiática / imagem de exceção / imagem erro. Exercício livre de gramática audiovisual, cinemúsica da luz.

5- Espectrologia: Criação de dispositivos eletrônicos simples (associado a bobina, bateria, saída de áudio, cabos, etc) para escuta de campos magnéticos. A partir da construção do dispositivo (cada um desenvolverá seu próprio aparato) será proposta uma série de derivas que possibilitarão a escuta espectral de ruídos dos mais diversos elementos, desde lâmpadas, eletrodomésticos até antenas, plantas, árvores, água, etc.

6- Clínica: Esquizodrama, dinâmicas de grupo, técnicas de escuta, associação livre, problematização de questões levantadas pelo grupo, auto-conhecimento, o intelecto e o inconsciente coletivo, contação de sonhos, técnicas de concentração, produção imaginária, fabulação, aprofundamento de linguagens expressivas, relação com o futuro.

7- Communitas: Convivência coletiva, construção de rede, rodas de conversa, tarefas práticas, comunicação intensiva, partilhamento de processos cotidianos, resolução de problemas, alimentação, gestão colaborativa, etc.

 

ENCAMINHAMENTO

Como forma de conclusão dos trabalhos desenvolvidos ao longo dos 10 dias de convivência, o curso inclui uma apresentação pública do processo de trabalho, tendo o formato aberto, que pode ser: uma apresentação multimídia, uma sessão de cinema ao vivo, uma fotonovela, um show de performances, uma coreografia ou agitprop, uma sci-fi (interescritura), um show de variedades. Tudo vai depender da formação do grupo.

Serão trabalhados conceitos como hiperstição, aceleracionismo, pós-humanismo, transhumanismo, ciborguezia, filosoficção, filo-ficção, transnarrativa, interescritura, tecnomagia, metafísica da lata de lixo de Estamira, antropoceno, animismo, subjetividade da matéria, tecnologias do it yourself, multidões queer, imaginação e ficcionalização, astrofuturismo, tecnoprimitivismo de Oswald de Andrade, etc.

 

PROGRAMAÇÃO (aberta para o imprevisto)

DIA 1 – Palestra inicial com Peter Pál Pelbárt, seguida de jantar

DIA 2 – Apresentação estrutural do curso/clínica, e apresentação de cada participante em formato pecha kucha (5 minutos cada)

DIA 3 – Experimentos em linguagens performativas, autoconhecimento, interescritura, improvisação gestual e narrativa, ficcionalização de histórias pessoais

DIA 4 – Experimentos em narrativas ficcionais, ruidocracia e produção sonora

DIA 5, 6 e 7 – Viagem a Lídice (sítio localizado no interior do Rio de Janeiro, região de cafesais) – imersão ritual – caminhada, cachoeira, imersão ritual, fogo, ficções, contação de histórias

DIA 8 – Oficina de criação de aparato eletrônico para escuta de espectros e de linguagens de live cine (cinema ao vivo)

DIA 9 – Organização de todo material produzido durante a oficina – decisões sobre a programação do dia.

DIA 10 – Apresentação conclusiva de processo – encaminhamento (em formato a ser definido pelo grupo)

 

Metodologias diárias de oficina/clínica: prática de roteiros polivalentes (PAV – produto audiovisual aplicável a distintos meios); estudo de texto e hipertexto (texto, som e imagem em movimento); anotação e contação de sonhos; rodas de conversa; clínica individual e/ coletiva; práticas de invenção.

 

PÚBLICO
O curso é oferecido para pessoas acima de 15 anos, de qualquer lugar do Brasil, América Latina e do mundo. O transporte fica a cargo de cada um. Mínimo 10 e máximo 30 pessoas.

 

INSCRIÇÃO

  1. Carta de interesse de no máximo duas páginas falando de sua experiência e do interesse no curso. O currículo vitae. O nome, identidade, cpf, endereço, cidade, email e skype. Para o seguinte email: imersaocapacete@gmail.com
  2. Entrevista presencial ou virtual (via skype)
  3. Inscrição única R$ 500,00

 

BOLSA
Oferecemos duas bolsas para pessoas que queiram fazer o curso mas não tenha condições de arcar com os custos de inscrição. Favor indicar necessidade de bolsa no momento da inscrição.

 

QUESTÕES PRÁTICAS

HOSPEDAGEM NO RIO*
Quartos individuais disponíveis no Capacete – R$500 por 10 dias
Quartos compartilhados (para duas pessoas) no Capacete – R$600 por dez dias

*não incluída no custo do curso

 

USO DA ESCOLA CAPACETE
Acesso irrestrito a Escola Capacete – biblioteca, wifi, cozinha, banheiros, espaço para encontros e equipamento audio/visual básico. Também inclui café, chá, água e banana.

VIAGEM A LIDICE*
Transporte (Rio – Lídice – Rio) e hospedagem incluído.

Hospedagem em barracas e redes. É preciso levar saco de dormir e/ou cobertores (em Maio faz bastante frio a noite), e toalhas.

Lídice fica no município de Rio Claro, na serra de Angra dos Reis a duas horas e meia do Rio de Janeiro e a 20 minutos de Angra dos Reis.

* Em caso de chuva, a viagem não acontece porque não faz sentido.

 

MINI-BIOGRAFIAS

Fabiane M. Borges

Artista, psicóloga e ensaísta. Doutora em psicologia Clínica (Núcleo de Subjetividade PUC/SP – com estágio em Artes Visuais na Goldsmiths University of London). Pesquisa arte/tecnologia, subjetividade, xamanismo e processos imersivos. Atua com grupos, coletivos e redes desde o ano 2000 desenvolvendo uma série de ações como ACMSTC (Arte Contemporânea no Movimento sem Teto do Centro (Ocupação Prestes Maia – São Paulo/2003), Integração sem Posse (Ocupação Prestes Maia – São Paulo/2004-2007), Festivais do Submidialogia (Brasil/2006-2010), Festivais de Tecnoxamanismo (Brasil-Equador-Dinamarca/2014-…). Entre exposições realizadas, destacam-se Transmedialle (Berlim/2014-2016), Arte em Órbita (curadora no CAC – Equador/2015), MAR Poéticas do Dissenso (Rio de Janeiro/2013) e  Zona de Poesia Árida (Rio de Janeiro/2015), MALM (Instituto Goethe – Porto Alegre 2015), entre outros. Trabalha com clínica individual e em grupo. Faz atendimento terapêutico presencial e virtual – https://about.me/FabianeMBorges

Giseli Vasconcelos

Nos últimos 10 anos manejo ideias e práticas coletivas entre ativistas, pensadores, artistas,  e organizações no Brasil. Graduada em Artes pela Unesp-IA, concebi e produzi  festivais, oficinas, encontros e workshops tais como Mídia Tática Brasil (N5M4 -2003 ), Digitofagia (MIS/SP – 2004), Autolabs (ZL SP 2004).  Fui co-organizadora da publicação Net_Cultura 1.0: DIGITOFAGIA (2008), financiado pelo programa internacional Sarai Waag Exchange Platform e Radical Livros. Organizo desde 2011 a publicação Dossie: Por uma cartografia crítica da Amazônia, uma documentação que reúne a realidade cultural, política e conflituosa da região. Resido entre Estados Unidos e Brasil, numa jornada geográfica experienciando sistemas por uma vida sustentável e ações criativas geopolíticas. http://comumlab.org

Leandro Nerefuh

Artista construtivista tabaréu, trabalha com a tradução formal de teorias especulativas e narrativas históricas, com especial interesse na América Latina. Com mestrado em Estudo Culturais pela Universidade de Londres; foi professor de história da arte da Faculdade Zumbi dos Palmares (Armênia – SP), é colaborador da Escola Capacete, Rio de Janeiro, e fundador do PPUB, partido político atuante no Brasil, Paraguai e Uruguai. Entre exposições realizadas, destacam-se: Arquivo Banana, 12 Bienal de Havana; Caverna de Umbelina, Solo Shows, São Paulo; Agitprop Abyssal, Zacheta Galeria Nacional, Varsóvia; Livraria Calil Trouvé, 33 Panorama de Arte Brasileira MAM, São Paulo; Mobile Radio BSP, 30 Bienal de São Paulo; Memórias Disruptivas, Museu Reina Sofia, Madri; Talk Show, ICA, Londres. www.nerefuh.com.br

Marcelo Marssares

Artista plástico que trabalha som e imagem em suas relações de contato físico; o som como ativador de uma visão alterada, o campo acústico como possibilidade imersiva, a música encarada como impulso vibratório em violenta expansão. O contexto e o ambiente são fatores que contribuem para a criação de suas propostas performáticas, ambientais e participativas. Em Uguanda Compressive Files, Capacete, morou por 9 dias no espaço expositivo da galeria disponibilizando instrumentos para aqueles que junto com ele estivessem dispostos a criar um encontro de música-não-música caótica e de improviso coletivo.

Paola Barreto

Artista audiovisual e pesquisadora. Graduada em Cinema (UFF) e Mestre em Tecnologia e Estéticas (PPGCOM/ UFRJ), atualmente dedica-se ao Doutorado em Poéticas Interdisciplinares (PPGAV/ UFRJ). Através de um trabalho desdobrado entre circuitos de vídeo eletrônicos e digitais, fantasmagorias e sistemas híbridos, desenvolve investigação prática e teórica sobre live cinema e vitalidade da imagem. Participou de exposições no circuito SESC em diversas cidades brasileiras, além de Festivais Internacionais como Vorspiel/ Transmediale, em Berlim, Live Performers Meeting, em Roma e Live Cinema, no Rio de Janeiro.

Peter Pál Pelbárt

Professor titular de filosofia na PUC-SP e coordenador do departamento de filosofia da PUC-SP. Escreveu principalmente sobre loucura, tempo, subjetividade e biopolítica. Publicou O Tempo não-reconciliado (Perspectiva), Vida Capital (Iluminuras) e mais recentemente, O avesso do niilismo: cartografias do esgotamento (n-1 edições), entre outros. Traduziu várias obras de Gilles Deleuze. É membro da Cia Teatral Ueinzz, e coeditor da n-1 edições.

Rafael Frazão

Artista visual e desenvolve trabalhos em cinema, conteúdos para internet e novas mídias. Tem experiência na criação e produção de filmes autorais de curta e longa metragem, filmes institucionais e publicidade. Tem também experiência em projetos de arte e tecnologia, video-instalações, projetos de interatividade, projeção mapeada, vjing, streaming, gambiarras tecnológicas em geral aplicados á instalações, teatro, dança e eventos. Com a produtora Filmes para Bailar participou da criação do coletivo Casa da Cultura Digital, do festival Baixo Centro e de uma série de ações relacionadas a apropriação crítica das tecnologias e a cultura livre. Atualmente estuda abordagens da neurociência na performance cênica com a obra Objeto Descontínuo, desenvolve o longa-metragem de fantasia cosmopolítica São Pã e contribui no núcleo de investigação e produção em performance 7Direções.

BIBLIOGRAFIA:  

  • “A Arte do Sonhar”, Carlos Castañeda
  • “A Queda do Céu – Palavras de um Xamã Yanomami” –  Davi Kopenawa e Bruce Albert
  • “Antes o Mundo não existia” Mitologia dos antigos Desana-Kehíripõrã” – Umusi Pãrõkumu (Firmiano Arantes Lana) e Tõrãmú Kehíri (Luiz Gomes Lana). Ed. ed. — São João Batista do Rio Tiquié : UNIRT ; São Gabriel da Cachoeira : FOIRN, 1995. (Coleção Narradores Indígenas do Rio Negro).
  • “Devires Totêmicos – Cosmopolíticas dos Sonhos” – Barbara Glowczewski
  • “Comunidade dos Espectros – I. Antropotecnia” –  Fabián Ludueña Romandini
  • “Três Ecologias” – Félix Guattari – Ed. Papiros – 1990
  • “Caosmose –  Um Novo Paradigma Estético” – Félix Guattari – Ed. 34 – 1992
  • “Metafísicas Canibais” – Eduardo Viveiros de Castro – Ed. Cosac Naify – 2015
  • “Há Mundo Por Vir?: Ensaio Sobre os Medos e os Fins” – Debora Danowski e Eduardo Viveiros de Castro – Ed. Instituto Sócio-Ambiental  – 2015
  • “Linguagem e vida” – Antonin Artaud – Ed. Perspectiva – 2005
  • “O Teatro e Seu Duplo” – Antonin Artaud –  Ed. Martins Fontes. 1999
  • “Performance como Linguagem” – Renato Cohen – Ed. Perspectiva, 1989
  • “Work in Progress na Cena Contemporânea” – Renato Cohen – Ed. Perspectiva, 2004
  • “Arte da Performance: Do Futurismo ao Presente” – Ed. Martins Fonte – 2012
  • “Em Busca de um Teatro Pobre” – Jerzy Grotowski – Ed. Civilização Brasileira – 1987
  • “Testo Yonqui – Sexo, Drogas e Biopolítica” – Beatriz Preciado – Ed. Espasa – 2008
  • “Jamais Fomos Modernos” – Bruno Latour
  • Tudo e qualquer texto de Waly Salomão
  • “Aspiro ao Labirinto” – Helio Oiticica
  • “Cyclonopedia” – Reza Negarestani
  • “O Contrato Natural” – Michel Serres

 


Queer Vegan Manifesto

Asia Komarova Capacete 2015

Quinta-feira dia 17 de dezembro as 19:30

Queer Vegan Manifesto

Program:

Open doors : 17:30

Reading group starting 18:00

Restaurant opens at 20:00

Musical intervention 21:00

 

chef: Mari Pitkanen

drinks: Bar de Amanha x Felix Luna & Oliver Bulas

musical intervention: Bruno Guinle and Lucas Sargentelli

The night should offer the possibility for small groups to have a talk on the theme discussing it through the reading of the text written by Rasmus Rahbek Simonsen:

http://www.academia.edu/1999206/A_Queer_Vegan_Manifesto

With the contribution of:

Jorge Menna Barreto

Asia Komarova

Kimi Yamagata

Chris Pinho

Giseli Vasconcelos

Holmes Wilson

Michiel de Roo

Kadija de Paula

Joen Vendel

Christoph Keller

visuals: Holmes Wilson

 

 

 


Ser e vir a ser

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Ser e vir a Ser:
O filme explora o conceito e a opção de não escolarização dos filhos, a confiança de deixá-los descobrir livremente o que realmente lhes motiva.
A cineasta viaja entre os EUA, Alemanha (onde é ilegal não ir à escola), França e Reino Unido para conhecer famílias que estão vivenciando ou tenham vivenciado esta experiência. Este filme é uma busca pela verdade sobre o desejo inato de aprender. Duração: 99 minutos.

A diretora:
Nascida em Paris, Clara Bellar é atriz, cantora, cenógrafa, realizadora e produtora. Ela começou sua carreira como atriz com Eric Rohmer, que a descobriu em cena em Bela Adormecida, e com quem ela filmou Les rendez vous de Paris.

Ela também atuou no filme Inteligência artificial, A.I., de Steven Spielberg, e em Dominion, a Prequel to the Exorcist, de Paul Schrader, e em filmes independentes como Kill the Poor, Romance and Rejection, This Space between Us, Sleepy Time Gal, e, na França, Oranges amères e Le pharmacien de garde.

Ela gravou dois discos no Brasil, Meu coração brasileiro e Meu coração francês, com arranjos de Dori Caymmi e participações de Chico Buarque, Ivan Lins, João Bosco e Milton Nascimento.

Depois de estudar cinema na New York Film Academy, Clara Bellar escreveu, produziu e realizou o curta-metragem Watermelon Man. O filme participou de vários festivais norte-americanos: M.A.L.I Women’s Film & Performance Arts Festival; International Family Film Festival; Kids First; Carolina Film Festival; Buffalo Niagara Film Festival.

Ela escreveu, produziu e realizou em seguida o documentário Ser e vir a ser, filmado na França, Alemanha, Inglaterra e Estados Unidos durante dois anos.

www.clarabellar.com

Saiba mais em: https://sereviraser.wordpress.com/sinopse/


Christoph Keller

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Quinta-feira dia 3 de dezembro as 19:30

ANARCHEOLOGY

Palestra de Christop Keller

 

Christoph Keller (b. 1967 in Fribourg) studied mathematics and physics in Fribourg, Berlin and Santiago, and holds a humanities degree from HdK Berlin, where he was a student of Katharina Sieverding. He later continued his artistic training at Media-Art Academy in Cologne. His key projects include Cloudbuster-Projects (since 2003), which re-enact Wilhelm Reich’s experiments aimed at influencing the weather through orgone energy. In Encyclopaedia Cinematographica (2001) and Archives as Objects as Monuments (2000), Keller focuses on the archaeology of scientific film and the impossibility of objective documentation. More recently, in the video installations Interpreters (2008) and Verbal/Nonverbal (2010), he has explored themes related to language, communication, and altered states of consciousness. His works have been exhibited at the Biennale de Lyon (2011), the Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburg (2010), the Bienal del Fin del Mundo, Argentina (2009), the Bienal do Mercosul, Porto Alegre (2009), and the Musée des Abattoirs, Toulouse (2009); his recent solo shows include “Observatorium” at the Kunstverein Braunschweig (2008) and “Æther” (2011) at the Centre Georges Pompidou in Paris, in which he interweaves his artistic practice with curating in an institutional context.



Sistema lento

Sistema Lento copyimagen a contornear

Sexta-feira dia 27 de novembro das 17 até 20 horas

Sistema Lento

uma proposição para conversar e experimentar juntos e talvez… inventar um playground!

Asia Komarova, Adeline Lépine, Caroline Valansi

com contributos de Camilla Rocha Campos e Betânia Furtado

+ Joen e Paola na pipoquera !

Desde março deste ano, estamos vivendo e convivendo na rua Benjamin Constant na Glória. Uma rua sem saída que tem uma vida ativa, onde seus moradores interagem nesse ambiente vivo de uma pequena cidade do interior. Uma característica interessante dessa rua é a amizade dos moradores, que conversam nas calçadas, produzem chorinho nas 4ª feiras e manifestações espontâneas são comuns por todos os lados, mas apesar de tanto, ela não possui uma área exclusiva de coexistência para crianças locais, um espaço de convivência segura e motora, lúdica e feliz.

Percebendo essa carência tanto na rua como na região, nós do Pequeno Laboratório, começamos a apresentar para as crianças que participam do workshop, pequenas reflexões e percepções sobre a cidade e a rua que vivemos. Perguntas como o que é uma cidade? Como é a arquitetura e as ruas do nosso bairro? Como podemos viver felizes na nossa cidade? Quais são os problemas da nossa cidade? Estas entre outras, foram questionamentos que estimularam os pequenos a pensarem e discutirem sobre o ambiente a sua volta, seu corpo e a cidade.


Como parte do exercício de pensar a cidade, as crianças criaram desenhos e produziram imagens de como seria a “nossa” cidade perfeita e como construiríamos ela. A partir desses traçados, decidimos traduzi-lós no espaço da rua. Numa área específica, onde os moradores já conseguiram mudar de estacionamento de carro para uma átrio de cimento e poucas árvores. Já manifestando a necessidade de um espaço de convivência entre os moradores.


Durante a semana, coletamos caixas de papelão. No espaço escolhido espalhamos as caixas e pedimos para as crianças criarem algo que faltasse naquele lugar. Intuitivamente cada criança foi dominado o espaço e percebendo o que desejava. Uns queriam escorregar numa rampa e criar um tobogã, enquanto outras começaram a construir uma casa com passagens secretas e labirintos. Formando uma amalgama de possibilidades onde só o corpo da criança pode passar e entender.

Com esse experimento, resolvemos transformar esse desejo em realidade. Projetamos a partir do que foi feito pelas crianças o projeto Sistema Lento.

Sistema lento porque queremos colocar suas experiências, desejos, ideias, depoimentos e ter o tempo por isso ; um processo ao longo do tempo para discutir, experimentar, e criar juntos com as crianças

Programa:

Sexta 27 de Novembro das 17 até 20

Ladeira da rua Benjamin Constant [ escada da rua do Fialho ]

Workshop com crianças e o seus pais com questões como : Quais são os espaços para brincar ?

Durante o workshop os brinquedos serão distribuídos e as crianças podrão montar o seu playground. Entretanto os pais farão parte de Laboratório de Observações. O workshop será iniciado com uma atividade proposta em perguntas para crianças do artista francês Robert Filliou na sua obra “Sculpture Gouvernementale” interpretada com o jogo de Vovô Robert

Mais informações

Pequeno Laboratorio : https://capacetepequenolaboratorio.wordpress.com/

Betânia Furtado : https://vimeo.com/becafurtado

Asia Komarova : www.asiakomarova.com

Adeline Lépine e a Maquina de Aprender Performances : http://lamachineaperformer-world.tumblr.com/

Camilla Rocha Campos : http://www.escavador.com/pessoas/4563986

Caroline Valansi : http://carolinevalansi.com.br/Curriculo-CV


Andrew de Freitas

andrew

Quinta-feira dia 19 de novembero as 19:30

Andrew de Freitas

 

O projeto vai começar pontualmente as 19:30 no CAPACETE. O event é móvel e as projeções acontecerão em diferentes localidades. Chegue na hora para power gazer part do event como um todo – quem chegar depois das 20:30 vai ter sue user o telephone para localizar a festa (números serão revelados no dia).

[100 minutes total  video, in English and French with Portuguese subtitles.]

TEASER: https://www.youtube.com/watch?v=6vXPyx3KLdc

Collaboratively produced between Canada, Germany, Brazil, YouTube, Portugal, Morocco, and the United States of America, The Bends is an attempt to scuba dive from sense to meaning and back again. The piece has been in development since 2014, initially as a Virtual Reality experience. This event will be a public premier of the film component – 11 non-sequential chapters, using video as a means of navigating the numerous, various, simultaneous layers of everyday perception and feeling.

The Bends is a celebratory open wound produced by Andrew de Freitas. This event will also feature a collaboration with Lucas Sargentelli in the form of an interactive audio experiment.

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Andrew de Freitas do Nova Zelândia é participante do programa do CAPACETE 2015

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Leituras sugeridas

Pasolini, ‘ab-joi’ in“Cinéastes de notre temps – Pasolini l’enragé” (1966) – [From 44m07s] –https://vimeo.com/141251167

amanda baggs – “in my language” – https://www.youtube.com/watch?v=JnylM1hI2jc

“Locomotory stereotypy in two captive red foxes” – https://www.youtube.com/watch?v=gAtLZL06z94

The Undersea World of Jacques Cousteau – “Secrets of the Sunken Caves” –https://www.youtube.com/watch?v=hM9pa5JQmz0

jessica cerretani – “Extrasensory perceptions” – https://hms.harvard.edu/news/harvard-medicine/extra-sensory-perceptions

Wikipedia – “decompression sickness” – https://en.wikipedia.org/wiki/Decompression_sickness


Dieter Roelstraete

dieter

Sexta-feira de 13 de novembro as 19:30

DIETER ROELSTRAETE é membro do time curatorial convocado por Adam Szymczyk para organizer a Documenta 14, program ado  para abrir em Athenas na primavera de 2017. De 2012 a 2015 els foi o Manilow Senior Curator at the Museum of Contemporary Art Chicago, e de 2004 a 2011 els era o curator no Antwerp museum of contemporary art M HKA, once els organizou A Rua: Rio de Janeiro & the Spirit of the Street, entre outras exposições. Ele é treinado como filósofo e tem escrito sobre arte contemporanea e assuntos filosóficos relacionados as artes em diferentes publicações.

Leituras sugeridas

1a. quentin meillassoux, “after finitude”
1b. simon critchley, “the faith of the faithless”
should be kind of read together.
2a. david joselit, “after art”
could be read along with
2b. maurizio lazzarato, “signs and machines”
to lead us to a discussion of
3. karl ove knausgaard, “my struggle”

Rosa Melo & Cabelo apresentam Brasil Visual

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Quinta-feira, 12 de novembro as 19h30

Rosa Melo e Cabelo nos apresentam BRASIL VISUAL, uma série de documentários inédita sobre o universo das artes visuais brasileira, idealizada e dirigido pela produtora pernambucana. São oito episódios, de 26 minutos cada um, apresentado pelo artista performático e multimídia Cabelo, em linguagem acessível e dinâmica, abrangendo o universo das artes visuais brasileira e seus expoentes de diversas gerações, em suas mais variadas expressões artísticas. A série conta com uma trilha sonora original do Chelpa Ferro, e vinhetas de abertura, encerramento e passagem criadas por Lia Letícia com colaboração de Fernando Peres.  Com a presença de Jarbas Lopes, Marcos Cardoso, Paulo Paes exibiremos o EPISÓDIO 6: A ARTESANIA NA PRODUÇÃO CONTEMPORÂNEA que discute as relações entre artesania e arte e como a artesania está presente na produção artística brasileira a partir de entrevistas com artistas, críticos e curadores de diversas regiões do Brasil. A Série Brasil Visual  é exibido pela TV Brasil/EBC todos sábado, às 00h (do sábado para o domingo). Alguns episódios estão disponíveis online em: http://tvbrasil.ebc.com.br/brasilvisual

CRONOGRAMA DE EXIBIÇÃO

Episódio 1 – Arte Política: 10/10 – 00h
Episódio 2 – Arte Correio: 17/10  – 00h
Episódio 3 – Homem, Arte e Meio Ambiente: 24/10  – 00h
Episódio 4 – Performance: 31/10  – 00h
Episódio 5 – Intervenção Urbana: 7/11  – 00h
Episódio 6 – Artesania na Arte Contemporânea: 14/11  – 00h
Episódio 7 – Videoarte no Brasil: 21/11  – 00h
Episódio 8 – Formas Híbridas da Videoarte: 28/11  – 00h


Julien Bismuth

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Quinta-feira dia 5 de novembro as 19:30

Receitas

Por Julien Bismuth

Participação no fogão: Daniel Steegman Mangaré (paelha) e Jorge Menna Barreto (sorvetes)

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French artist Julien Bismuth (*1973, lives in New York and Paris) works at the interface of visual art and literature. Most of his oeuvre builds on texts found or penned by the artist. Bismuth’s approach combines words with objects, photographs and film material, integrating them within collages, installations, performances, and video works. Bismuth also founded an independent publishing house Devonian Press together with Jean-Pascal Flavien in 2005. He has recently published three books with Motto in Berlin. His work has been shown in venues including the Tate Modern, Kunsthalle Wien, Schirn Kunsthalle Frankfurt, CRAC Alsace, Bloomberg Space London, ICA Philadelphia, the Palais de Tokyo, and the IAC in Villeurbanne.


Excavating the Anthropocene in Amazonia: Archaeology and Climate Science as Politics

paulo tavares

Sexta-feira dia 30 e sábado dia 31 de outubro – Seminario com projeções (em ingles)

Excavating the Anthropocene in Amazonia: Archaeology and Climate Science as Politics

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Sexta-feira dia 30 (em ingles)

14:00: Archaeologia como ciência política, palestra de Eduardo Neves (Museu de Arqueologia e Etnologia da USP)

Eduardo Goes Neves is Professor of archaeology at the Museum of Archaeology and Etnology at the University of São Paulo, and a leading researcher working in Amazonia. He co-curated the exhibition and catalogue Unknown Amazon: Culture in Nature in Ancient Brazil, British Museum, 2001.

17:30hs: Forensis in Amazonia (presentation/discussion with Eduardo Neves, Eduardo Cadava, Eyal Weizman, Paulo Tavares, Armin Linke, Princeton Students and Capacete)

19:30: Projeção do filme Serras da Desordem (2006) de Andrea Tonacci,

Teremos comida e bebida  oferecida a preços módicos

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Sábado dia 31 (em ingles)

14:00: Amazonia in the Earth System: Impacts of climate change in Amazonia, palestra por Paulo Artaxo (climate scientist, University of São Paulo, UN-IPCC)

 Paulo Artaxo is Professor of Environmental Physics at the University of São Paulo (Brazil). He is a member of the IPCC Working group, and has participated in several major international research efforts, such as IGBP, IGAC, CACGP, IPCC, WMO and others. He has received several awards, among them the title of Doctorate of Philosophy Honoris Causa of the University of Stockholm, Sweden.

19:30: Projeção do filme Corumbiara (2009) de Vincent Carelli

Teremos comida e bebida  oferecida a preços módicos

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leituras sugeridas

Eduardo Neves, What is Marginal? Archaeology as political science in ancient Amazonia

 Michael Heckenberger and Eduardo Neves, Amazonian Archaeology, http://www.annualreviews.org/doi/abs/10.1146/annurev-anthro-091908-164310

 C. Roosevelt, The Amazon and the Anthropocene: 13,000 years of human influence in a tropical rainforest, http://www.sciencedirect.com/science/article/pii/S2213305414000241

 Paulo Artaxo, The Amazon Basin in Transition, http://www.mara-stream.org/wp-content/uploads/2015/09/NATURE_2012-The-Amazon-Basin-in-Transition.pdf

Paulo Artaxao, Air quality and human health improvements from reductions in deforestation-related fire in Brazil

 Déborah Danowski and Eduardo Viveiros de Castro, Is there any world to come?, http://supercommunity.e-flux.com/authors/deborah-danowski/

 Marison de la Cadena, Uncomming Nature, http://supercommunity.e-flux.com/authors/marisol-de-la-cadena/

 

 


Laura Burocco

Laura burro

Quinta-feira 29 de outubro às 19:30

Laura Burocco: The Creative Control: Rio & Joburg

 

Conversa pública com a pesquisadora Laura Burocco, num encontro regado a cozinha sul-Africana preparado por Refilwe Nkomo e Kasia Anna

Laura Burocco investiga a criatividade como um dispositivo de controle nas cidades do Rio de Janeiro e de Johannesburg, consideradas duas novas cidades criativas no Sul Global. Através de dois projetos de revitalização urbana (Porto Maravilha e Maboneng), a pesquisadora analisa a homogeneização dos espaços e a neutralização da experiência urbana que esta sendo promovida neles. Além das formas que a espetacularização da cidade pode se tornar uma forma de bio poder exercitado sobre as vidas das pessoas que habitam estes espaços.

O projeto de doutorado tem origem em dois estudos anteriores: “Do Porto Maravilha as Olimpíadas 2016: analise do olhar ao Porto do Rio de Janeiro” (2008) UERJ Rio de Janeiro (pós em Sociologia Urbana)| “People’s Place in the World Class City: the case of Braamfontein’s Inner City Regeneration Project” (2013) WITS Johannesburg (dissertação em Planejamento Urbano). A Trilogia da Gentrificação: Joburg | Milano | Rio de Janeiro, é um projeto de pesquisa acadêmica e de prática artística apresentada em diferentes etapas: a primeira em Braamopoly, Room Gallery, Johannesburg 2013; a segunda etapa (em andamento): Isola Art Center, Milano 2015; e a terceira etapa (em pensamento) a ser realizada no Rio de Janeiro.


Laura Burocco (1974) é pesquisadora em Políticas Urbanas e Desenvolvimento. É formada em Direito pela Universidade de Milão, possui especialização em Políticas Internacionais e Desenvolvimento pela Universidade de Roma, pós-graduação em Sociologia Urbana pela Universidade Estadual de Rio de Janeiro UERJ e um MBE Master in Housing – Building Environment pela Witwatersrand University de Johannesburg WITS. Entre 2004 e 2011 coordenou no Instituto Brasileiro de Análises Sociais e Econômicas – IBASE um projeto de cooperação internacional voltado ao reforço de participação comunitaria com foco especial nas temáticas de gênero e direito à moradia. Entre 2012 e 2014, residiu em Johannesburg atuando no IBSA Working Group in Human Settlements do South African Cities Network – Sacities, programa financiado pelo Banco Mundial e City Alliance. Està desenvolvendo um projeto entre Sul Africa, Italia e Brasil “Trilogia da Gentrificação”, que começou em 2013 com a exposição individual “Braamopoly” realizada na Room Art Gallery de Johannesburg. Atualmente é doutoranda pela ECO/UFRJ, aonde integra o LabTec. Sua área de pesquisa: desenvolvimento urbano, criatividade e vigilância, açoes coletivas e cidadania insurgente, intervenções políticas em arte publica.

//English Version//

The PHD project investigates and attempts to understand creativity as a control device in the cities of Rio de Janeiro (Brazil) and Johannesburg (South Africa), considered two new creative cities in the Global South. Through two projects of urban revitalization [Porto Maravilha (Rio) and Maboneng (Joburg)] it analyzes the homogenization of spaces and the neutralization of the urban experience that is propagated through such spaces. Finally the researcher interrogates the ways that spectacularization of and in the city can become a form of bio-power exercised over the lives of the people who inhabit these spaces.

The project originates from two previous studies: “From the Porto Maravilha Olympics 2016: An Analytical Look at the Port of Rio de Janeiro” (2008) UERJ Rio de Janeiro-Post in Urban Sociology | “People’s Place in the World Class City: The Case of Braamfontein’s Inner City Regeneration Project” (2013) WITS Johannesburg Master in Urban Planning

The project is part of an academic research and artistic practice called Trilogy of Gentrification: Joburg | Milano | Rio de Janeiro. First step: Braamopoly, Room Gallery, Johannesburg 2013; Second stage (in progress): Isola Art Center, Milano 2015; Third stage (in thought): Rio de Janeiro


Laura Burocco (1974) is a researcher in Urban Policy and Development. She graduated in Law from the University of Milan, with a specialization in International Policy and Development at the University of Rome, postgraduate studies in Urban Sociology at the State University of Rio de Janeiro UERJ and an MBE Master in Housing – Building Environment by Witwatersrand University in Johannesburg WITS . Between 2004 and 2011 she coordinated at the Brazilian Institute of Social and Economic Analyses – IBASE an international cooperation project aimed at strengthening communal participation with a special focus on gender and housing rights. Between 2012 and 2014, she resided in Johannesburg acting in the IBSA Working Group in Human Settlements of the South African Cities Network – Sacities, program financed by the World Bank and City Alliance. She is currently developing a project between South Africa, Italy and Brazil “Gentrification Trilogy” which began in 2013 with the solo exhibition “Braamopoly” held in Room Art Gallery in Johannesburg. She is currently a doctoral student by the ECO / UFRJ, which forms part of the LabTech. Her areas of research: urban development, creativity and surveillance, collective actions and insurgent citizenship, political interventions in public art.


Thierry Raspail

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Quinta-feira dia 22 de outubro as 19:30

Fala: Thierry Raspail

Na comida: Tatsyua Hida

Art historian, Thierry Raspail starts his career of Conservator at the Musée of Grenoble. After numerous trips to West Africa, he also conceptualises the museography of the Musée National of Bamako (Mali).

Since its creation in 1984, he is the Director of the Musée d’art contemporain of Lyon. During this period, he determines a museographic project built on the principle of a collection of moments composed by generic art pièces, monumental ones, most of the time. He is the curator or co-curator of many exhibitions: Robert Morris, Joseph Kosuth, Louise Bourgeois, Andy Warhol, Keith Haring, Cai Guo Qiang, Ben, Pascale Marthine Tayou, Jan Fabre. With Hans-Ulrich Obrist and Gunnar Kvaran, he had been recently curator of Indian Highway and Imagine Brazil. He is preparing the rétrospective in France of Yoko Ono for Mars 2016.

In 1991, he creates the Biennale d’Art Contemporain of Lyon of which he is the Artistic Director. After being the co-curator of the first three éditions, he invites many international curators who are working with a word-theme. After, Après Harald Szeemann, Jean-Hubert Martin, Hans Ulrich Obrist, Hou Hanru, Victoria Noorthoorn, Gunnar B. Kvaran, Ralph Rugoff, Director of the Hayward Gallery of London is the invited curator in 2015. The 13th edition of the Biennale d’Art Contemporain of Lyon, currently presented in France is titled, La vie moderne.

He will present his work as a director and curator in the contemporary art field in France and its Relationship with the international network.

 


Jean-Pascal Flavien

jean pascal flavien

Quinta-feira dia 15 de outubro as 19:30

Jean-Pascal Flavien
Vai falar sobre a “casa” de modo geral e em particular sobre “statement house (temporary title)” de Londres e “folding house” de Monaco.
Jean-Pascal Flavien nasceu na França 1971. Ele vive e trabalha em Berlin. O trabalho do Flavien mistura arquitetura experimental com outran mídias. Seu trabalho foi apresentado, entre outras, na Galerie Catherine Bastide, Brussels; Galerie Esther Schipper, Berlin; Galerie Giti Nourbakhsch, Berlin; South London Gallery, London, Centre d’Art Contemporain du Parc Saint Léger (Fr); Kunstverein Langenhagen (De); Capacete, Rio de Janeiro; Musée d’Art Contemporain de Rochechouart (Fr), e em em exposições de grupo como, Kunsthaus Bregenz, MUSAC Leon (Sp); Witte de With, Rotterdam; Tate Modern, London; Villa Arson, Nice; Palais de Tokyo, Paris.
Flavien completou 5 casas até o momento, “viewer”, 2007 Rio de Janeiro; “no drama house”, Berlin 2009; “two persons house”, São Paulo, 2010;  “breathing house”, 2012 France; e “statement house” (titulo temporary) 2015 em Londres.
Jean-Pascal Flavien é representado pela Galerie Catherine Bastide, Bruxellas, e Galerie Esther Schipper, Berlin. Ele está neste momento construindo o “folding house” no Nouveau Musée de Monaco para 2015.
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Leituras sugeridas:
Henri Michaux, Le nuit remue


Jean-Pascal Flavien nasceu na França em 1971; vive e trabalha em Berlim e Rio de Janeiro. Recentes exposições individuais: Catherine Bastide, Bruxelas (2002, 2005, 2008), Museu do índio Rio de Janeiro (2003), Hussenot Gallery, Paris (2003), Museum of Rochechouart (2007),: e exposições coletivas na Esther Shipper Gallery, Berlin (2004), Lyon Biennial (2007), Freidrich Petzel, New York (2008), Art Focus, Jerusalem (2008).


Peter Pal Pelbart

peter pal pelbart

Quinta-feira dia 8 de outubro as 19:30

Peter Pal Pelbart

Palestra: Linhas de errância

bio do Deligny
Conhecido na França como pedagogo, Fernand Deligny (1913–1996) preferia ser chamado “poeta e etólogo”. Durante mais de cinquenta anos trabalhou na isolada região francesa das Cevanas, num centro de acolhimento informal de crianças que não se adaptavam à sociedade: crianças delinquentes, psicóticas, autistas ou, nas palavras do pensador, simplesmente “crianças à parte”. Deligny preferia o termo “etólogo” à educador pois o utilizava como imagem para a sua forma de atuar, buscando, a todo momento, novas maneiras de dar a essas crianças uma oportunidade de sobreviverem em uma sociedade excludente e normativa. Seu método questionava a centralidade da linguagem, a educação formal e o emprego caricatural das teorias freudianas. Repudiava qualquer tipo de encarceramento, preferindo a criação de circunstâncias e de espaços para trocas e encontros. Para dar voz àqueles que são carentes de linguagem e comunicação verbal, Deligny inventou um sistema de transcrição que considerava uma das suas principais contribuições, espécie de cartografia sobre papel na qual registrava os percursos “espontâneos” da criança autista, seus hábitos, gestos e percepções, livres de qualquer desejo de representação. É desse fora da linguagem cotidiana, numa espécie de linguagem do infinitivo, sem sujeito, que o autor francês rompeu com os paradigmas de sua época e criou uma antropologia alternativa, política, a qual inventou incessantemente formas inéditas de viver junto. Por esse e por tantos outros motivos é que sua obra desperta um interesse crescente, não só em clínicos e educadores, mas também em literatos, artistas e filósofos
A prática da escrita foi uma constante na vida de Deligny e o laboratório permanente de sua atuação como educador. Escreveu mais de uma centena de ensaios, artigos, scripts e contos que se somam a fotografias, desenhos, mapas e filmes, entre os quais Ce gamim, là (1976) e Le moindre geste (1971). Em 2007, Sandra Alvarez de Toledo reuniu e publicou num volume imponente parte significativa da produção textual do pensador (Ouvres, Paris: L’Archanéen, 1850 pps.).

sobre o livro O aracniano, a ser lançado
Como existir aos olhos daqueles que não nos olham?
A partir de sua experiência singular no cuidado de crianças autistas, o poeta e pedagogo francês Fernand Deligny tateia outros modos de vida: abertos a circunstâncias, repletos de entrecruzamentos, trocas e encontros — um viver em rede, como numa espécie de teia de aranha. Não à toa, Deligny deixou sua marca na obra de Gilles Deleuze e Félix Guattari,  sobretudo no conceito de rizoma. Ao longo dos 15 ensaios desta coletânea — organizada por Sandra de Toledo e com posfácio do filósofo Bertrand Ogilvie — é possível vislumbrar a radicalidade de seu pensamento,  tanto através de sua escrita poética, aforística e aguda; quanto através de suas cartografias — um dispositivo astucioso para desbancar a primazia da linguagem. É nessa abordagem não invasiva, sem interpretação nem “interpelação”, numa distância deliberada em relação à psicanálise, que Deligny percorre o espaço-tempo silencioso no qual habitam crianças que não falam, que vibram diante do brilho da água e que agarram as abelhas pelas asas, sem machucá-las.

Peter Pál Pelbart é professor titular de filosofia na PUC-SP. Escreveu principalmente sobre loucura, tempo, subjetividade e biopolítica. Publicou O Tempo não-reconciliado (Perspectiva), Vida Capital (Iluminuras) e mais recentemente, O avesso do niilismo: cartografias do esgotamento (n-1 edições), entre outros. Traduziu várias obras de Gilles Deleuze. É membro da Cia Teatral Ueinzz, e coeditor da n-1 edições.


Bik van der Pol

Bik van der Pol

Quinta-feira dia 1 de outubro as 19:30

Bik van der Pol

We will talk about Turning a blind eye, a programme of public workshops, events, lectures and walks during the 31st Biennale of Sao Paulo (2014) that explores different notions of the `unseen´ (the non-visible and the non-existent), and the ways in which we look at things or choose what we look at. Departing from recent events in Brazil and worldwide, the program seeked to investigate the idea of ‘publicness’ and the tensions that arise from increasing exploitation of urban and natural space.
Turning a blind eye emphasized on the temporary visibility, the ‘visible bundling’ of learning practice as the production of future capital, united in a temporary structure that not only accommodates these dynamics but also renders them visible, both as an image literally reflecting the energy going on as well as on the value of participation; a space where learning, leisure, hanging out and around and focused experiences are anticipated in continuous change. The spaces of the school were loosely ‘marked’ by a continuously transforming theatrical and performative element, a full size live-scoreboard that functions as display and stage set, animated live by activators follows the developments of the Biennale and invited the publics to become participants.Bik Van der Pol invited several universities and organisations, such as PUC, Escola da Cidade, Parque Augusta, and others, as well as the students of the School of Missing Studies to engage with the program.
Above, aside and intertwined, they will, through a few examples of their work, unfold how site-sensivity and learning is related to  their artistic practice.

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Reading suggestions

Guattari, Three Ecologies
http://www.amielandmelburn.org.uk/collections/newformations/08_131.pdf (or the longer version here: http://monoskop.org/images/4/44/Guattari_Felix_The_Three_Ecologies.pdf)
Bruno Latour, Agency at the time of the Anthropocene
http://www.bruno-latour.fr/sites/default/files/128-FELSKI-HOLBERG-NLH-FINAL.pdf
Bernd Scherer, The Monsters
On the concept of history, Walter Benjamin
https://www.marxists.org/reference/archive/benjamin/1940/history.htm
Toward a Lexicon of Usership
A Lexicon as a Tool. Download from: http://museumarteutil.net/tools/
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Bik Van der Pol work collectively since 1995. They live and work in Rotterdam (NL) Through their practice they aim to articulate and understand how art can produce a public sphere, and to create space for speculation and imagination. This includes forms of mediation through which publicness is not only defined but also created. Their working method is based on co-operation and research methods of how to activate situations as to create a platform for various kinds of communicative activities.
Bik Van der Pol’s  mode of working consists of setting up the conditions for encounter, where they develop a process of working that allow for continuous reconfigurations of places, histories and publics. Their practice is collaborative where dialogue is used as a mode of transfer, understood in its etymological meaning of “a speech across or between two or more people, out of which may emerge new understandings” or “passing through”1. In fact, they consider the element of “passing through” as vital. It is temporal, implying action and the development of new forms of discourse. Their collaborative practice is both instigator and result of this method.

Recent shows and projects include:
The Power Plant, Toronto (Can); PAMM (Perez Art Museum) Miami, Jakarta Biennale, Mauritius Pavillion, Venice Bienal; Future Light, MAK, Vienna; Decolonized Skies, ADNPlatform, Barcelona (2015); Public art project, Ternitz (Austria), 31st Sao Paulo Bienale, Sao Paulo; Museum of Arte Util, Van Abbe Museum, Eindhoven; The Crime Was Almost Perfect*, Witte de With Centre for Contemporary Art, Rotterdam, Apex Art ,Decolonised Skies, NYC, CAFA Art Museum, The Missing Stories, Beijng, The Part In The Story, Witte de With Centre for Contemporary Art, Rotterdam, The Crime was almost Perfect, PAC Padiglione d’Arte Contemporanea. Milano (it) (2014); 25 years City Collections, Museum Boymans van Beuningen Rotterdam, Biennale of Mercosul, Porto Alegre, Brazil, Call of the Mall, project for Hoog Catarijne, Utrecht, CAPACETE entretenimentos ROAD/BOAT 3.1.8 at  the school Xapomi, Amazon, Brazil (2013); You talking to me? 98Weeks (Beirut, Lebanon); Between a Rock and a Hard Place, Sudbury (Ca), Musagetes (2012); Living As Form, Creative Time, New York ; Accumulate, Collect, Show, Frieze Projects, Frieze Art Fair, London; (2011); Are you really sure a floor can’t also be a ceiling? ENEL Award 2010, MACRO museum, Rome (2010). It isn’t what it used to be and will never be again, CCA Glasgow; Xth Lyon Bienniale, Lyon (2009); Plug In 28, Pay Attention, Act 1, 2, 3, Van Abbe Museum, Eindhoven (2008); Xth Istanbul Biennale ; Fly Me To The Moon, Rijksmuseum, Amsterdam (2007); Secession, Vienna (2005)
Publications:
What if the moon were just a jump away? Published by Bik Van der Pol and Labin Imprint/Jan van Eijck Academie (2013); As Above, So Below (2011), published by Bik Van der Pol; It isn’t what it used to be and will never be again (2009), published by CCA Glasgow; Public Arena (2009), published by Bik Van der Pol/Context3, Dublin; Catching Some Air (2002), published by Henry Moore InstituteWith Love From The Kichen (2005), 010 publishers; Past Imperfect (2005, 2007), published by CascoProjects; Fly Me To The Moon (2006), published by Sternberg Press ; The Lost Moment (2007), self-published
Curated: Deze sokken niet wit, Van Abbemuseum (2012); Too late, too little, (and how) to fail gracefully, Kunstfort Asperen, ww.kunstfortasperen.nl (2011); Neverodoreven (2009) Piet Zwart institute in Rotterdam ; Plug In, collection Van Abbe Museum, Eindhoven (2007-2009); I’ve got something in my eye, collection Marie Louise Hessel Museum/CCS Bard (2008); Teasing Minds, Kunstverein Munich (2004); Married By Powers TENT/collection Frac Nord Pas Calais, Dunkerque (2002). Bik Van der Pol ran the temporary Master program The School of Missing Studies (2013-2015 at Sandberg Institute, Amsterdam). They are advisors at the Jan van Eijck Academy in Maastricht. Liesbeth Bik is an advisor at The Appel ICP (Amsterdam), and a tutor at Piet Zwart Institute (Rotterdam).


Jarbas Lopes, Ducha e Marssares

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Quinta-feira dia 24 de setembro as 19:30

Jarbas Lopes, Ducha e Marssares

 

 

JARBAS LOPES
Nasceu em Nova Iguaçu, Rio de Janeiro, 1964
Vive e trabalha em Marica, Rio de Janeiro, Brasil
Bacharel em escultura pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio deJaneiro.

Exposições Individuais
2015 – Elastica, Galeria Andrea Baginski, Lisboa – 2013 – A line – Park Central – Jack Tilton Gallery,  New York  – Vamos a Marte, Galeria A Gentil Carioca, Rio de Janeiro – 2010 – A Line, Jack Titon Gallery, New York – 2009  Padedeu, galeria Luisa Strina, Sao Paulo – 2008  Estacao Cicloviaerea, Centro Cultural Sao Paulo e Galeria A Gentil Carioca – 2007  Novas Utopias,  – MAMAM – Recife – PE – Brasil – 2007   Cicloviaérea- ASU Museum of Art, Phoenix, Arizona, USA –

Exposições Coletivas
2015 – Bonne Chance, CRAC Alsace, Altkirch – Franca – 2014 – Expo 1 , MAM, Rio de Janeiro – 2011 XXI Bienal de Lyon, Franca – 32 Panorama da arte Brasileira, MAM , Sao Paulo – 2009  look.look.again., The Aldrich Contemporary Art Museum, USA – 2008  Somethink for Nothink, CAC, New Orleans, USA – 2008 Gwangju Biennial, Korea – 2006  27a. Bienal de São Paulo  – SP, Brasil – 2003  Octava Bienal de La Habana, Cuba – “Materia Prima”, Novo Museu, Curitiba, Brasil

Coleções selecionadas
MOMA , Museum of Modern Art, New York , USA – Instituto Cultural Ilhotim, Minas Gerais – Bronx Museum of the Art, New York, USA – Museum Victoria  Albert Museum, Londres – Arizona State University Museum – The Cisneros Fontanals Art Foundation – Henry Moore Foundation, Londres – Coleção Gilberto Chateaubriand – MAM, Rio de Janeiro – Coleção Ester Emílio Carlos, Rio de Janeiro – Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte, Minas Gerais – Funarte


Casa Nuvem & Barraco#55

Quinta-feira dia 17 de setembro as 19:30

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Casa Nuvem

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Barraco#55

Na transversalidade da cidade, espaços independentes são agentes fundamentais para troca de informações, experimentações, proposições artísticas e crítica, congregando uma comunidade de forma livre. São experiências que buscam outras relações de trabalho, práticas colaborativas e de sobrevivência que não se engessam em modelos institucionais ou no mercado de produção de cultura e artes –  realizando, por vezes, no limite de (r)existir. A existência dos espaços independentes está sempre por um triz!
Para trocar experiências reunimos dois espaços do Rio de Janeiro: o Barraco#55 (Complexo do Alemão) apresentado por Ellen Sluis  – e a Casa Nuvem (beco do rato, Lapa) apresentado por Lívia Diniz, Eduardo Bonito, Hevelin Costa e Indianara Sophia Fênix – juntando tod@s para uma roda de conversa sobre sustentabilidade e enfrentamentos nos territórios que estes espaços ocupam na cidade.
Leituras/Links sugeridos:

 

 

Espaços Independentes

 

Xiclet

 


Doris Criolla – Diaspoesiar

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Sabado 12 de setembro

Doris Criolla* – Diaspoesiar

Das 16:30 às 22hs

Uma sessão de Doris Criolla que improvisará um sarau de poesia, com apresentações e contribuições diversas, tendo como musa a descolonização. Como todo bom sarau, “soirée”, o microfone estará aberto para quem quiser (se) pronunciar.

Quem tem medo de poesia?
Quando poesia é ação?
Como fazer coisas com palavras? (Austin)
Improvis-ação
public-ação
PERsona-FORMATo-ATIVIDADE
Poesiar

Amilcar Cabral, Aimée Césaire, Léopold Sédar Senghor, Édourad Glissant tiveram em comum não somente a paixão pela liberação africana, pela descolonização da vida, mas também partilharam o amor pelas palavras, pela literatura, pela poesia.

Diaspora e poesia? Desterritorialização e poesia? Territorialização e poesia? Independência e poesia? Amor e poesia? Africas e poesias? Américas do Sul e poesias? Criolização e poesia? Autonomia e poesia? Revolução e poesia? Vida, morte e poesia?

POWEMS
MISPELL
ME SPELL
WE CREOLE

Jantar a preços módicos, será servido;
Macaxeira & Maxixe com costela de porco; acompanha farofa;

Com a participação de:
Adeline Lépine, Andrew de Freitas, Asia Komarova, Caroline Valansi, Disk Musa Coletiva, Féliz Luna, Giseli Vasconcelos, Jennifer Fréville, Joen Vedel, Lucas Sargentelli, Maricruz Alárcon, Oliver Bulas, Refilwe Nkomo, Tanja Baudoin, Walter Reis e Amilcar Packer.

* Doris Criolla é uma máquina performativa de investigação, um seminário em andamento que tem como balizas, pesquisas etimológicas e históricas sobre os significados, usos e derivações contextuais das sinónimas palavras: crioulo (português), criollo (espanhol), créole (francês), creole (inglês). Doris Criolla se manifesta em dinámicas diversas, dentre almoços e jantares, apresentações e performances, assim como por meio de produção textual. Os encontros e sessões buscam discutir as implicacões e potências desses termos enquanto ferramentas para pensar a complexidade de processos políticos, sociais, linguísticos e alimentares em contextos coloniais – pós-, des-, de-, -para, -coloniais –, racistas e escravagistas, de extremada exploração e violência, onde paradoxalmente se instauram fenêmenos de emancipação e apropriação, subversão e incorporação, como pode ser observado nas diversas línguas, cozinhas, literaturas e músicas crioulas. A cada nova edição, Doris Criolla aborda uma de suas linhas de pesquisa

 

Sugestões de leitura:
Frantz Fanono – Pele negra máscaras brancas
http://unegro.org.br/arquivos/arquivo_5043.pdf

Laura Lima

laura lima

Quinta-feira dia 10 de setembro as 19:30

Laura Lima – Mineira, formou-se em Filosofia (UERJ) e frequentou a Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Em 2003, funda com Ernesto Neto e Márcio Botner, A Gentil Carioca, no Rio de Janeiro.

Participou em exposições nacionais e internacionais, entre elas, a 24ª e 27ª Bienal de São Paulo; 2ª e 3ª Bienal do Mercosul, Porto Alegre, RS; Instâncias To Age, Chapter Art Centre, Cardiff, País de Gales; A Little Bit of History Repeated, Kunst Werke, Berlim, Alemanha; Spectacular, Kunst Palast, Dusseldorf; Alegoria Barroca na Arte Contemporânea, CCBB-RJ; Panorama da Arte Brasileira 2001, 2007; La Centrale, Montreal; Casa França Brasil, Rio de Janeiro; 11, 12, 13 e 14 Rooms na Inglaterra, Alemanha, Austrália e Suíça, respectivamente; 11 Bienal de Lyon, Migros Gegenwartskunst, Zurique, Suíça; Lilith Performance Studio em Malmo e Bonniers Konsthall, Estocolmo, Suécia e Bonnefanten Museum, Maastricht, Holanda; Museu de Arte Moderno de Buenos Aires, SMK-National Gallery of Copenhagen, Dinamarca. Artista-Curadora Adjunta da 7 Bienal do Mercosul Grito e Escuta do Pavilhão Absurdo. Prêmio BACA para Artes Visuais dos Paises Baixos, 2014.

 

leituras sugeridas:

“O Diário Rosa de Lory Lamb” de Hilda Hilst 

“Cães Heróis” e “Flores” do Mário Bellatin 

“O Iluminado” do Stephen King.

“Teoria King Kong” da Virginie Despentes. 

“A parte que falta” de Shel Silverstein.

“Casa das Feras”de Márcia Bechara. 


Arto Lindsay e Anri Sala

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Quinta-feira dia 3 de setembro as 19:30

Arto Lindsay e Anri Sala

AL é músico e artista Norte Americano q mora no Rio de Janeiro.
AS é artista Albanês que mora em Berlim.
Anri é um artista cuja matéria de trabalho muitas vezes é a música. Acaba conseguindo, entre outros resultados, música. Arto é músico que usa estratégias vindos das artes na sua música. Acaba proporcionando uma experiência de arte.
O diálogo no Capacete é um a continuação duma conversa de vários anos  sobre estruturas da música, de nacionalidades, e dos trabalhos de artistas  amigos que os dois tem em comum.
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Arto Lindsay nascido em Richmond, Virginia, EUA, 1953 vive e trabalha no Rio de Janeiro
Arto Lindsay é artista. Compositor, produtor e performer, gravou onze discos solo e diversos outros com as bandas DNA, Lounge Lizards, Golden Palominos e Ambitious Lovers. Produziu discos e faixas de Caetano Veloso, Marisa Monte, Laurie Anderson, David Byrne, entre outros. Colaborou com artistas visuais, tais como Vito Acconci (na performance “Women’s Business” no The Kitchen, NYC), Dominique Gonzalez­Foerster (na instalação “1958” na Tate Modern em 2009), Rirkrit Tiravanija ( “What Are We Doing Here?”, apresentado em Manchester e Basel). Arto realiza instalações, tais como “Noise Mass”( Milão), “I’ll Bring the Thunder” (Musée d’Art Moderne de la Ville Paris e no Multiplicidade/ Oi Futuro no Rio de Janeiro, 2009) e “Segure Este Andamento” (Inhotim, 2009). Recentemente, o artista vem juntando música, tecnologia, coreografia e elementos alegóricos no formato de desfile de rua. O primeiro, “De Lama Lâmina”, foi feito em parceria com Matthew Barney (Salvador, 2004), seguido por “I Am a Man” (Frankfurt, 2008), “Multinaural [Blackout] (Bienal de Veneza, 2009) e “Somewhere I Read” (Nova York, 2009). Participou ainda das exposições “Everstill ­ Siempretodavía”, curadoria de Hans Ulrich Obrist (Granada, 2007/2008); “Tropicalia”, curadoria de Carlos Basualdo (MAC Chicago, MAM­RJ, 2005/2006) e “Tristes Tropiques”, curadoria de Pablo Leon de la Barra (Lisboa, 2010).
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sugestão de leituras: 
Ta Nahesii Coates    Between the world and me
Maggie Nelson   Art of cruelty
Anne Carson An Oresteia: Agamemnon by Aiskhylos; Elektra by Sophokles; Orestes by Euripides

Feijoada e feminismo

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Feijoada:  Celebração e evocação do feminismo. Dia 30/08 de 14h-21h.

Encontros e sessões de culinária também aberto a todos aqueles que desejam participar nos dias 28 de agosto, 19h 22h e 29 de agosto, 19h 22h no Capacete, Rua Benjamin Constant 131, Gloria Rio de Janeiro

Com participação do Coletivo FF (Adeline Lépine, Caroline Valansi, Refilwe Nkomo, Tanja Baudoin), Aleta Valente, Aline Baiana, Ane Hupe, Bianca Bernardo, Camilla Rocha Campos, Carla Zaccagnini, Daniela Mattos, Disk Musa Coletiva, Fabiana Faleiros, Gabriela Maciel, Giseli Vasconcelos, Idalina Silva, Joen Vedel, Juliana Wähner, Kadija de Paula, Kenia nattrodt, Kiritiana Freelon, Leandro Nerefuh, Louise Botkay, Luisa Marques, Maya Inbar, Millena Lizia, Mulheres de Pedra, Nayana Sganzerla, Paola Marugane e Angela Domini, Steffania Paola (Oficina de Defesa Pessoal Digital), Thiago Andries e muito mais!

Como vivemos o feminismo? Como comemos o feminismo?

Nós, Adeline Lepine, Caroline Valansi, Refilwe Nkomo e Tanja Baudoin, gostaríamos de aprender como o feminismo se manifesta no Rio de Janeiro de hoje e também queremos aprender como se cozinha uma feijoada.

Para isso, estamos convidando “a mulher da cozinha”, uma figura tradicional que persiste e que nós não queremos esquecer. Temos que olhar para ela de novo, talvez para desconstruí-la ou reconstruí-la.

Estaremos reunidas ao redor das panelas, onde os grãos e as carnes estarão lentamente cozinhando, para juntos compartilharmos receitas e histórias. Todos podem mexer ou adicionar seu tempero. Reservamos um tempo para isso um fim de semana e no último dia vamos consumir coletivamente o que foi preparado e produzido nesses três dias.

No Domingo, 30 de agosto, de 14h às 21h, em uma atmosfera acolhedora e criativa, convidamos todos os gêneros a comerem a feijoada, juntamente com todos os que querem compartilhar esse momento. A comida será vendida (à um preço muito justo) e os lucros irão para uma instituição que atua apoiando mulheres.


Ingrid Hapke e Wouter Osterholt

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Quinta-feira dia 20 de agosto as 19:30

Ingrid Hapke e Wouter Osterholt

Territórios contestados

O titulo resume duas palestras que enfocam distintas batalhas culturais e territoriais que tem ao seu modo grande importância no Brasil da atualidade.
Ingrid Hapke apresenta resultados da sua pesquisa acadêmica sobre o movimento atual da literatura marginal/ periférica de São Paulo. Quando a periferia invade o centro: Batalhas culturais na literatura brasileira contemporânea.
Wouter Osterholt apresenta a pesquisa artística Paraíso Ocupado sobre a primeira Urbanizacão da Barra da Tijuca.

Quando a periferia invade o centro

Ingrid Hapke falará sobre o movimento da literatura marginal/periférica contemporâneo que toma lugar principalmente nas periferias de São Paulo desde o final dos anos 90. É uma literatura feita por autores que antes foram excluídos do campo cultural  brasileiro e que agora escrevem e publicam, sem mediação, na sua própria linguagem, sobre temáticas que antes pouco interessavam. 

Como as práticas literárias vão muito mais além do papel ou do livro impresso, é preciso também de  abranger o contexto e as práticas específicas de divulgação e publicação, como o sarau (“palcos abertos”) nos bares da periferia, o blog e as editoras alternativas.
Partindo das caracteristicas performáticas e de intervenção desta literatura,  pretendem-se pensar  mudanças na produção estética e nos conceitos de literatura e da arte.

Paraíso Ocupado 

The presentation by Wouter Osterholt will shed light on the different stages of the Paraíso Ocupado project and its future ambition. The work in progress aims to revive a little-known architectural plan designed by Oscar Niemeyer, called Centro da Barra. This urban center was part of Lucio Costa’s master plan for Barra da Tijuca, a neighborhood in the South West zone of Rio de Janeiro. In this integrated city a varied composition of different social classes would live together. Major construction began in the late 1960s, and soon Barra da Tijuca turned into an urban El Dorado for real estate developers. Amid rampant speculation and endemic corruption, the project failed, the natural landscape got polluted and the neighborhood became a fortress of gated communities for Rio’s nouveau riche. Many of the proposed public facilities were never realized and almost everything got privatized. From a diversified neighborhood on the drawing board to a fortress of gated communities in reality, Barra da Tijuca symbolizes the takeover of private profits over public interests.

With Barra as the main center for the Olympic games it seems that history repeats itself. Over the last few years land prices have tripled and Barra is again being sold as the new paradise in similar ways as in the early seventies. As recent history shows no end to the fraudulent scams in the real estate market. the project proposes a permanent awareness of the corruption and lack of transparancy by proposing the construction of a museum dedicated to the failure of Centro da Barra. The collection of the museum is planned to consist of documents found in an abandoned archive left behind in a vacant tower in Barra.

In the end the connection -consisting of a territorial battle that manifests itself in different ways- between these two seemingly very different projects will be discussed.Also the role of the researchers/ artists and their venture into/ intervention in foreign and conflictive territories shall be reflected upon.

Paraíso Ocupado is a work in progress initiated by the artists Wouter Osterholt and Elke Uitentuis during a stay at Capacete in Rio de Janeiro in 2010. The project is further developed in close collaboration with Raphi Soifer and Ingrid Hapke. It is made possible with financial support of the Mondriaan Foundation and the Federal State of Berlin. In 2016 the project will be exhibited in Studio X Rio together with a publication (Onomatopee).

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Mini-Bios
Wouter Osterholt develops site-specific projects in which he explores the public sphere as a domain where different communities collide. By adopting a research approach similar to investigative journalism, he seeks to reveal and unravel conflicting interests that define local politics and the organization of the public. Through direct interaction with people, both bystanders and those immediately involved, the artist opens up delicate topics of debate. As a result his projects often take the shape of a public platform that activates individuals to articulate their personal relation to the political. It seeks to exceed the parameters of public dialogue and politics by entering the realm of imagination, unexpressed thoughts and dreams.


Ingrid Hapke
é pesquisadora da àrea de Letras, autora. intérprete e traductora. 

Passou um ano e meio fazendo pesquisa de campo nas periferias paulistanas e escreveu a sua tese de doutorado sobre o actual movimento da literatura marginal/ periférica de São Paulo na Universidade de Hamburgo/ Alemanha. Em 2013 organizou junto ao colectivo cultural Urban Artitude a primeira Semana de Literatura Marginal/periférica na Alemanha. Em 2015 será publicado Polifonias Marginais (Aeroplano Ed.) em colaboração com pesquisadores do Brasil e da Argentina reunindo as entrevistas editadas dos autores com actores e autores dos movimentos literários negros e marginais. Colabora com Wouter Osterholt em distintos projeitos artísticos.

 


Wendelien van Oldenborgh

bete daisy
Quinta-feira 13 de Agosto as 19:30
Wendelien van Oldenborgh will talk about Bete & Deise (2012) and more recent works and want to address some questions regarding method of production. These are on the one hand related to performance: What occurs in front of the camera? Which role does the camera play? And there are also questions of how forms of politics are worked out through a piece and how ethics and politics are part of a production method.
The production process, especially the moment of the shoot, are ways to look into a question, to elaborate issues and to learn about things and people whose knowledge I do not and cannot have. One could say that the production process is the proper research process. I woud like to see this process as polyphonic, open and relational and at the same time very structured.
Wendelien van Oldenborgh develops works, whereby the cinematic format is used as a methodology for production and as the basic language for various forms of presentation. She often uses the format of a public film shoot, collaborating with participants in different scenarios, to co-produce a script and orientate the work towards its final outcome. With these works, which look at the structures that form and hinder us, she participated in various large biennials, and in smaller dedicated shows. Recent presentations include Form Left to Night (2015), solo at The Showroom London, Beauty and the Right to the Ugly (2014)  at the Berlinale Forum Expanded 2015, Collective Gallery Edinburgh 2015 and in van Abbemuseum, in ‘Confessions of the Imperfect’ 2014; La Javanaise at CAPC Bordeaux 2015, the 12th Biennial of Cuenca (EC) (2014); Après la reprise, la prise in ‘Blue Times’, Kunsthalle Wien 2014 and  ‘Art Turning Left’, Tate Liverpool 2013; Cinema Bete & Deise in ‘Dear Art’ by What How and for Whom, Calvert 22, London 2013;  Supposing I love you. And you also love me (2011) in ‘Speech Matters’, Danish Pavilion, Venice Biennial 2011. Van Oldenborgh has exhibited widely including in RAW Material Company Dakar (SN) van Abbemuseum Eindhoven (NL), Muhka Antwerp (B), Generali Foundation Vienna and Museum Muzeum Sztuki in Lodz (PL) as well as the 2nd Biennial of Kochi-Muziris 2014, 4rth Moscow Biennial 2011, the 29e Bienal de Sao Paulo 2010 and at the 11th Istanbul Biennial 2009. In 2014 she was the recipient of the prestigious Heineken Prize for the Arts, presented by the Royal Dutch Academy of Sciences.

Ricardo Basbaum

ricardo bsbaum

Quarta-feira dia 24 de junho as 19:30

“a produção de si como artista” em 4 vídeos

Ocupar um lugar como artista no tecido social implica em experimentar e administrar um ‘intervalo’ entre a ‘construção de si’ e a ‘construção de si como artista’ – nos termos da produção de um sujeito coletivo mas, sobretudo, em deixar-se ser constituído através de uma alteridade social e seus jogos de legitimação da figura do artista. Está em permanente negociação a produção de uma ‘imagem do artista’ – que se é ou se quer ser, que nos captura, ou mesmo nos coloca em fuga. É importante que se perceba que há diferentes modelos de artista sendo exercidos a cada momento.

Vídeos:
1. Egoclip 14’49” (1985)
Entre 1981 e 1990 os artistas Alexandre Dacosta e Ricardo Basbaum formaram a Dupla Especializada, realizando uma série de ações, performances e intervenções, dentro do projeto de “intervir em meios de comunicação de massa”.

2. É a questão? 10’48” (1987-1991)
Uma logomarca simples, na forma de um Olho, é disseminada pelo campus da Universidade, através da utilização de suportes como cartazes e filipetas. Este vídeo registra o trabalho desenvolvido por Ricardo Basbaum em sua temporada como artista-residente na Universidade Estadual de Campinas (Unicamp), de abril a novembro de 1987.

3. E: anotações sobre contatos com: re-projetando + sistema-cinema + superpronome 24’00” (2003) Ações do projeto eu-você: coreografias, jogos e exercícios ocorrem em diversos espaços da Uerj, em conjunto com uma exposição individual de Ricardo Basbaum.

4. sistema-cinema: série membranosa 21’39” (2009)
Quatro câmeras de circuito fechado instaladas no hall de entrada do mam-sp.

Algumas referências:
– Michel Foucault, O Governo de Si e dos Outros, São Paulo, Martins Fontes, 2010.
____. ”About the beginning of the hermeneutics of the self – two lectures at Dartmouth”, Political Theory, Vol. 21,

nº 2, maio 1993, pp. 198-227.
– Allan Kaprow, “The education of the un-artist, part I, part II, part III”, Essays on the blurring of art and life, Berkeley, University of California Press, 1993.

– Francisco Ortega, Para uma política da amizade: Arendt, Derrida, Foucault, Rio de Janeiro, Relume-Dumará,2002.
– Vilém Flusser, “Texto/imagem enquanto dinâmica do Ocidente”, Rio de Janeiro, Cadernos Rioarte.

– Gilles Deleuze, “Décima Oitava Série: das três imagens dos filósofos”, Lógica do Sentido, São Paulo, Perspectiva, 1974.

– Ricardo Basbaum, Manual do artista-etc, Rio de Janeiro, Azougue, 2013.

– rbtxt.wordpress.com

– www.nbp.pro.br

Ricardo Basbaum é artista e atua a partir da investigação da arte como dispositivo de relação e articulação entre experiência sensória, sociabilidade e linguagem – suas ações se dão no limite de uma abordagem comunicativa para impulsionar a circulação de ações e formas. Tem desenvolvido um vocabulário específico para seu
trabalho, aplicado de modo particular a cada novo projeto. Gosta de trabalhar em projetos de longa duração, tais como Você gostaria de participar de uma experiência artística? (desde 1994), eu-você: coreografias, jogos e exercícios (desde 1998) e conversas-coletivas (desde 2010). No ano passado realizou as exposições individuais nbp-etc: escolher linhas de repetição (Galeria Laura Alvim, Rio de Janeiro) e The production of the artist as a collective conversation (Audain Gallery, Vancouver). Participou da 30ª e 25ª Bienal de São Paulo (2012, 2002), e da documenta 12 (2007). Autor de Manual do artista-etc (Azougue, 2013) e Ouvido de corpo, ouvido de grupo (Universidade Nacional de Córdoba, 2010), entre outras publicações. Professor do Instituto de Artes da Uerj. Artista residente da Simon Fraser University, Vancouver, em outubro de 2014. Professor visitante da Universidade de Chicago entre outubro e dezembro de 2013.

 


Les Laboratoires d’Aubervilliers

les laboratoire

Quarta-feira 17 de junho as 19:30

Alexandra Baudelot vai falar como funciona o Les Laboratoires, o Printemps e o Performing Opposition edition. 
Alexandra Baudelot will speak about the way Les Laboratoires works, and the Printemps and the Performing Opposition edition. Why and how we are going to work in relation with another political, sociological and cultural local context, the Rio and Sao Paulo’s one, and the links we can build through our respectives structures. The importance to think in term of locality more than glogablity, localisation than globalisation.
The importance to confront specific local knowledge and practices with other cultural and historical context to go farther than the national point of view.

Les Laboratoires d’Aubervilliers

Les Laboratoires d’Aubervilliers is a place for research and creation, for resources and experimentation, developed in intimate cooperation with its setting (from the most local to the international sense) and with its audiences, and in relationship with the artists. It invents the tools to conceive artistic practices from all fields – visual art, dance, performance, theatre, literature, etc. – viewing them as a process of learning, sharing and experiencing; an intermediary object that is capable of investigating and taking the measure of the most urgent contemporary issues, reinventing ways of being together, while taking a risk and upsetting our approach and our conception of art.

Les Laboratoires d’Aubervilliers is one of those rare places where art is never disconnected from cultural, social and political reality, one of those places committed to differences and plural identities, a place in perpetual motion that takes shape around the artistic projects that it upholds and works to defend.

Setting up projects with artists involves an often lengthy time of research, an absolute must to create strong connections between the artistic projects, the region and people. It is also this concept of time that Les Laboratoires d’Aubervilliers observes and works in in order to invent new methods for public visibility that go beyond simple exhibitions and showings of finished works.
Le Printemps des Laboratoires
Le Printemps des Laboratoires is a yearly invitation to the public. It was developed to be the ideal moment to bring up and debate, both in theory and in practice, the issues that guest artists at Les Laboratoires d’Aubervilliers address. In the form of an artistic tool, it takes place over two days and includes discussions intended to be moments for sharing, performances and workshops, on different scales and in different formats.

This meeting is the opportunity to break down the divide between audiences and specialists, to roll out a singular tool that encourages experiences of art and politics rather than representations of them, the circulation and comparison of ideas rather than their authoritative forms of transmission. While being a critical and artistic condensation and development of les Laboratoires d’Aubervilliers project, this year’s

Printemps des Laboratoires offers an opportunity to nurture research and explore a variety of current artistic, historical and critical contexts, both French and international.

The first instance of the Printemps des Laboratoires (2013), entitled “Commune, Commons, Community”, raised the issue of the commons. Second instance (2014), “Ne travaillez jamais!”, was about links that unite art and work. “Performing Opposition”, the third instance of the Printemps des Laboratoires (June 2015) will explore the forces and shapes of the revolts that left a mark on History in the past ten years, and their role in social transformations. “Performing Opposition” will be particularly interested in practices and strategies developped by artistic performances, as well as political and civil manifestations.

Performing Opposition

The third edition of the Printemps des Laboratoires, Performing Opposition, will be devoted to exploring how art relates to the ‘polis’, in opposition to instituted powers. From the emergence of avant-garde movements in the nineteenth century to artists’ engagement in more recent protest- and social revolt movements, art has been renewing its strategies and its forms of opposition. By putting into perspective certain historical and artistic legacies (agit-prop, spaßguerilla, Situationism, Indignados), Performing Opposition seeks to bring into focus a current dynamic that contributes to opening up gaps in the regulated continuum of public space in order to (re)occupy and appropriate it. The question of ‘performing public space’ is central, especially in the digital age with its changing strategies of visibility and representation. Performing Opposition will be foregrounding the antagonistic movements that reconfigure, across the globe and from one local to another, the map of a power that is now diffuse and molecular — an art that is also capable of eluding its ties to the institution in order to continue to develop therein, in spite of everything, critical and operative strategies.

This edition of the Printemps des Laboratoires will set up a dialogue between diverse experiences and perspectives. Our guests include specialists in the fields of activist movements (Brian Holmes), avant-garde movements (Marc Partouche), digital cultures (Marie Lechner, Nathalie Magnan), and also the links between theatre and political modernity (Diane Scott). These theoretical perspectives will link in with the artists’ testimonies, which will include artists engaged in popular revolts (Burak Arikan), artists participating via their practice in building communities of thought and action (Marinella Senatore), artists using the art institution to propose ways of occupying public space (Thomas Hirschhorn, Renata Lucas) or artists working in the field of theatre, literature or poetry, as a privileged site for observing society and its injustices (Motus, Nathalie Quintane). Finally, we believe it crucial to investigate these problematics from the perspective of the institution, that of the Laboratoires d’Aubervilliers, of course, which seeks to establish the conditions of emergence and support for free artistic forms, but also from the perspective of like-minded centres engaged, via the work they carry out in their site, in building a slow revolution (Beirut, in Cairo).

These discussions will take shape amid a varied programme which will include a musical accompaniment by pianist Alexey Aasantcheef, presenting a set composed of works by Cornelius Cardew, punctuated by revolutionary pieces which the audience will be invited to sing; performances by students of the Oslo Academy of Fine Art; an evening meal open to all; a screening juxtaposing contemporary films (Egyptian filmmakers Jasmina Matwaly and Philip Rizk and the Palestine-based DAAR collective) and a documentary about a major 1970s play (Paradise Now by Living Theater). Prior to this edition of the Printemps des Laboratoires, Turkish artist Burak Arikan will be running a workshop titled “Graph Commons”.

Co-director of les Laboratoires d’Aubervilliers (Paris northern suburbs) since 2013, Alexandra Baudelot has worked for several years as an exhibition curator, editor and author. In 2009 she created and managed the contemporary art platform Rosascape, an independent art centre based in Paris. At Rosascape she curated exhibitions with Katinka Bock, Ulla von Brandenburg, Raymond Gervais, Benoît Maire, Vittorio Santoro, Berger&Berger, and Adrian Dan. She is interested in production strategies, the artistic research process and reflections on the role of artwork and ways of sharing it with the public – through formats such as exhibits, performances, conferences, and publications – for all disciplines.

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Co-director of les Laboratoires d’Aubervilliers (Paris northern suburbs) since 2013 with Dora Garcia and Mathilde Villeneuve, Alexandra Baudelot has worked for several years as an exhibition curator, editor and author. In 2009 she created and managed Rosascape, a platform for contemporary creation in Paris that straddles multiple spheres as a private art centre and production unit, exploring the contexts of production and reception of works as well as their mode of display by attending to specific notions such as the question of private, intimate space vs public and political space. The decision to house Rosascape in an architecturally defined space — a private, intimate, theatrical space, playing with a tension between interior and exterior space and the domestic character of its surroundings — rather than in a neutral, ‘white cube’ type of exhibition space, stems from a will to perceptibly shift the relationship to artworks and artistic experiences. A critical awareness of the standardisation of exhibition spaces in the context of globalisation, and thus of the standardised relationship between the artwork and the public, led us to seek and occupy a site and experiential sphere of a different kind — a left-field space — and displace, in this way, our relationship to contemporary art. At Rosascape she curated exhibitions with Katinka Bock, Ulla von Brandenburg, Raymond Gervais, Benoît Maire, Vittorio Santoro, Berger&Berger, and Adrian Dan and produced several artists books. Since 2013, as co-director of Les Laboratoires d’Aubervilliers, she develops a work with Mathilde Villeneuve and Dora Garcia based on two factors  — a laboratory that research, test out and experiment, and the town of Aubervilliers (at the periphery, on the outskirts, a melting pot of industrial workers, and a major site of immigration). The very particular relationship between these elements is the context in which artists-in-residence make and develop their projects. The collegial approach aims to establish collectives that enable new forms of intersubjectivity to take shape. In collaboration with the co-direction team, she works on developing novel communities that alter and transform according to the shifts and developments in their work. From the very beginning, the Laboratoires d’Aubervilliers has been committed to reducing the gap between informed and uninformed audiences, and to supporting the most complex and hybrid artistic practices while ensuring no one feels excluded. The institution is renowned for the collective productions it has generated, for fostering collaborations between artists across the entire spectrum of disciplines, and for its participatory, community-building projects involving local residents.

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Suggestion de publications et films en lien avec le Printemps des

Laboratoires #3

PERFORMING OPPOSITION

La Tribune des Laboratoires

Printemps des Laboratoires #3

Performing Opposition

 Edition online : http://fr.calameo.com/read/004372567dbb8e55eab41

Multitudes n°50, Spécial soulèvements, automne 2012

Renverser l’insoutenable, Citton, Yves, 2012

 Dictature des marchés, politiques d’austérité, inégalités sociales criantes, catastrophes environnementales, crises démocratiques : de toutes parts nous arrivent les signes de la fin d’un monde. Pour Yves Citton, ce sont les pressions insoutenables que nous inflige un mode de développement fourvoyé qui rendent la situation actuelle invivable. Yves Citton prend la mesure de cet insoutenable à la fois environnemental, éthique, social, médiatique et psychique et propose un nouveau vocabulaire pour nous aider à appréhender les pressions qui nous traversent et nous rendent la vie de plus en plus intenable. À la croisée de la philosophie morale et politique, de l’économie et de la théorie littéraire, cet essai drôle enlevé prend le contre-pied du misérabilisme ambiant en révélant que le renversement de l’insoutenable est déjà inscrit dans la dynamique de nos gestes les plus communs et que tout geste politique prend sa source dans ces deux questions : Comment fais-je pression sans le vouloir ? Comment faire pression en le voulant ? Attentif au rôle de l’image et à l’évolution du discours politique, Yves Citton livre ici les moyens de repenser notre place et notre action dans un processus qui apparemment nous dépasse en montrant que l’on peut tirer parti des dispositifs médiatiques plutôt que de les subir et ainsi, une fois fait le deuil du Grand Soir, de proposer des alternatives à la politique du pire. ?

 Le nouvel esprit du capitalisme, Boltanski, Luc, Chiapello, Ève, 2011

Le capitalisme prospère ; la société se dégrade. La croissance du profit s’accompagne de celle de l’exclusion. La véritable crise n’est pas celle du capitalisme, mais celle de la critique du capitalisme. Trop souvent attachée à d’anciens schémas d’analyse, la critique conduit nombre de protestataires à se replier sur des modalités de défense efficaces dans le passé mais désormais largement inadaptées aux nouvelles formes du capitalisme redéployé. Cette crise, Ève Chiapello et Luc Boltanski, sociologues, l’analysent à la racine. Ils tracent les contours du nouvel esprit du capitalisme à partir d’une analyse inédite des textes de management qui ont nourri la pensée du patronat, irrigué les nouveaux modes d’organisation des entreprises : dès le milieu des années 70, le capitalisme renonce au principe fordiste de l’organisation hiérarchique du travail pour développer une nouvelle organisation en réseau, fondée sur l’initiative des acteurs et l’autonomie relative de leur travail, mais au prix de leur sécurité matérielle et psychologique. Ce nouvel esprit du capitalisme a triomphé grâce à la formidable récupération de la «critique artiste» – celle qui, après Mai 68, n’avait eu de cesse de dénoncer l’aliénation de la vie quotidienne par l’alliance du Capital et de la bureaucratie. Une récupération qui a tué la «critique artiste». Comme, dans le même temps, la «critique sociale» manquait le tournant du néocapitalisme et demeurait rivée aux vieux schémas de la production hiérarchisée, on la trouva fort démunie lorsque l’hiver de la crise fut venu. C’est à une relance conjointe des deux critiques complémentaires du capitalisme qu’invite cet ouvrage sans équivalent.

Unleashing the Collective Phantoms : Essays in reverse Imagineering, Holmes, Brian, 2008

 These insurgent essays develop and critique some of the cultural and artistic projects that first arose with the worlwide wave of protests, around the turn of the millennium, against what the global South has long called neoliberalism. Dissent and the refusal of a programmed existence return continually to the street, but they also unfold in the intimacy of the imagination. Complex discourses and elaborate fictions pass through images, works, ideas and wild scenarios that hover around the edges of reality; museums, cinemas, books and theatres are only temporary homes for such things, and authors only a convenience. Times leaches away the graffiti of revolt, and the cynicism of power lays a new coat of paint. Yet still the collective phantoms return. These essays engage with the politics of aesthetics and artistic practice. They include “Cartography of Excess,” “Flexible Personality and Networked Resistance,” “Psycho-geography and the Imperial Infrastructure,” “The Revenge of the Concept,” “Artistic Autonomy and Communicaton Society,” “Reverse Imagineering,” “Transparency and Exodus,” “Three Proposals for a Real Democracy,” and more, from an author who is becoming a vital contributor to contemporary cultural theory and global political struggles.

New Public Spaces: Dissensual Political and Artistic Practises in the Post-Yugoslav Context, 2010

 Other Possible Worlds : Proposals on this Side of Utopia [texte imprimé] / Rüb, Christine, Editeur scientifique. – Berlin : argobooks, 2011

 Which roles can art projects, art spaces, self-organized academies and labs play in developing conceptions of the world that go beyond purely economic globalization? Projects from various parts of the world are invited to propose and test out other realities of life and world views, from small artistic attempts to social experimentation. Topics such as dealing with cultural differences, climate change, processes of levelling out and confusing complexities form the basis for a common space in which to rise questions.

The basis for Other Possible Worlds – Proposals on this Side of Utopia is a collection of ideas, concepts, models, terms, projects, kits and modes of acting. It is conceived as a pool for further projects in other parts of the world, it is open to further extension and it allows for varied formats. The NGBK is considered as a common and active space of inquiry for different formats like artistic contributions and installations, workshops, presentations, talks and video screenings.

Le Mouvement – Performing the City [texte imprimé] / Cvejic, Bojana, Auteur; Lepecki, André, Auteur; Petresin-Bachelez, Natasa, Auteur; Verwoert, Jan, Auteur. – Berlin : Distanz, 2014.

Since 1954 this quinquennial is a must in the field of contemporary art in public space. For its 60th anniversary in 2014 the Swiss Sculpture Exhibition in Biel/Bienne will replace the static presentation of artworks by performances in public space thus questioning the state of static representation and public involvement. Curated by Gianni Jetzer and Chris Sharp.

Public sphere by performance [texte imprimé] / Cvejic, Bojana, Auteur; Vujanovic, Ana, Auteur. – Berlin [Allemagne] : B_books ; Aubervilliers : les Laboratoires d’Aubervilliers, 2012. – 181p.: dessins N&B.

 Cet ouvrage livre les réflexions de deux membres du collectif de Belgrade Teorija koja Hada (Walking Theory), élaborées au cours d’une résidence aux Laboratoires d’Aubervilliers. Bojana Cvejić et Ana Vujanović y explorent les manifestations de l’idéologie politique dans l’espace public, étayant leur réflexion par des exemples puisés dans l’histoire des régimes fascistes et communistes du XXe siècle, de l’ethno-nationalisme serbe et du système capitaliste néolibéral. S’éloignant d’une critique linguistique de l’idéologie basée sur une analyse de l’acte discursif, elles suggèrent qu’elle est incarnée et performée par les corps, notamment sous la forme de chorégraphies collectives et individuelles.

L’imaginaire de la Commune, Kristin Ross, ed. La Fabrique, 2015 : Traduit de l’anglais par Étienne Dobenesque

 William Morris, Élisée Reclus, Pierre Kropotkine : ce ne sont pas les premiers noms qui viennent à l’esprit s’agissant de la Commune de Paris. S’ils tiennent dans ce livre un rôle important, c’est que pour Kristin Ross, la Commune déborde l’espace-temps qui lui est habituellement attribué, les 72 jours écoulés et les fortifications sur lesquelles elle a combattu. L’Imaginaire signifie que cet événement révolutionnaire n’est pas seulement international mais qu’il s’étend bien au-delà du domaine de la politique, vers l’art, la littérature, l’éducation, la relation au travail. Ce n’est pas un hasard si les trois personnages principaux du livre sont un poète-artiste, un géographe et un scientifique-anarchiste russe : la Commune n’est pas un simple épisode de la grande fable républicaine, c’est un monde nouveau qui s’invente pendant ces brèves semaines, un monde qui n’a pas fini de hanter les uns et d’inspirer les autres.

 Eric Hazan, La dynamique de la révolte, Sur des insurrections passées et d’autres à venir, La Fabrique éditions, mars 2015

 Partout dans le monde les peuples se rebellent. Partout en Europe, les peuples se révoltent. Sauf en France… Le seul pays occidental à se doter d’une loi de surveillance de ses citoyens digne des pires dictatures, sans que cela ne provoque d’explosion de colère -à peine une vague d’inquiétude vite rabrouée par des socialos plus réactionnaires que jamais.

Partout dans le monde les peuples tentent de se saisir de leur destin. Sauf en France, où aucune révolution ne paraît possible. Où il ne se passe rien. Bien que le quotidien y devienne invivable. Faut-il repenser l’action commune ?

Eric Hazan s’est penché, moins sur cette question que sur celle du surgissement de l’étincelle qui viendra à coup sûr mettre le feu à la plaine française.

 Living as Form: Socially Engaged Art from 1991-2011 by Nato Thompson, 2012

 Over the past twenty years, an abundance of art forms have emerged that use aesthetics to affect social dynamics. These works are often produced by collectives or come out of a community context; they emphasize participation, dialogue, and action, and appear in situations ranging from theater to activism to urban planning to visual art to health care. Engaged with the texture of living, these art works often blur the line between art and life. This book offers the first global portrait of a complex and exciting mode of cultural production–one that has virtually redefined contemporary art practice. Living as Form grew out of a major exhibition at Creative Time in New York City. Like the exhibition, the book is a landmark survey of more than 100 projects selected by a thirty-person curatorial advisory team; each project is documented by a selection of color images. The artists include the Danish collective Superflex, who empower communities to challenge corporate interest; Turner Prize nominee Jeremy Deller, creator of socially and politically charged performance works; Women on Waves, who provide abortion services and information to women in regions where the procedure is illegal; and Santiágo Cirugeda, an architect who builds temporary structures to solve housing problems.

Living as Form contains commissioned essays from noted critics and theorists who look at this phenomenon from a global perspective and broaden the range of what constitutes this form.

 Théâtres en lutte : le théâtre militant en France des années 1960 à nos jours, Olivier Neveux, ed. La Découverte, 2014

 Depuis les années 1960, de nombreuses expériences théâtrales ont revendiqué en France un clair dessein politique. Inscrit au cœur des luttes (anti-impérialistes, ouvrières, féministes, immigrées, homosexuelles, altermondialistes, etc.), ce théâtre militant s’est donné pour but de contribuer, à sa manière, aux combats d’émancipation de son temps. Injustement déprécié ou ignoré, il constitue pourtant tout un pan de l’histoire théâtrale. Et c’est cette histoire inédite et passionnante que l’on découvrira dans cet ouvrage extrêmement documenté. Comment représenter la colère, l’injustice et l’espérance ? Quelles formes pour dire la lutte ou expliquer les mécanismes du capitalisme ? Et à qui de telles représentations doivent-elles être destinées ? Contrairement aux idées reçues, le théâtre militant n’a jamais cessé d’inventer des solutions dramaturgiques et scéniques pour mettre en scène le présent : un présent à transformer. Héritier d’Erwin Piscator, de Bertolt Brecht et des troupes d’agit-prop soviétiques, ce théâtre n’est pas homogène : il est traversé d’options politiques et esthétiques diverses, voire contradictoires, d’Armand Gatti à Augusto Boal, en passant par Alain Badiou, André Benedetto et de nombreux collectifs (la Troupe Z, Al Assifa, le Levant, le Groupov…). Revenir sur ces propositions, sur leurs richesses et leurs impasses, c’est tout autant s’opposer à l’oubli que tenter d’ouvrir des pistes pour le théâtre militant d’aujourd’hui.

 Politiques du spectateur : les enjeux du théâtre politique, Neveux, Olivier, 2013

 Face au monde, ses crises et son devenir, un théâtre s’invente. Il réagit, dénonce, explique, illustre, propose : ce théâtre est politique. À ce titre, il s’inscrit dans une longue histoire, bien souvent déconsidérée : celle d’un théâtre qui prend acte des batailles de son temps. Mais ce théâtre d’aujourd’hui n’est pas homogène, il défend des orientations politiques dissemblables et fait en particulier de la place accordée au spectateur le lieu d’enjeux différents. En effet, la politique au théâtre se découvre aussi, de façon décisive, dans le rapport que le spectacle entend entretenir avec son spectateur. C’est à travers ce prisme qu’Olivier Neveux propose d’analyser le champ théâtral politique à l’heure du néolibéralisme. Comment le théâtre « transgressif » conçoit-il ses spectateurs ? Quelles facultés le théâtre « postdramatique » entend-il solliciter ? Que nous apprennent ces volontés de brusquer, sensibiliser, éclairer, mobiliser le spectateur ? Dans leur diversité, quelles conceptions de l’émancipation tous ces théâtres soutiennent-ils ? Car c’est bel et bien une interrogation sur la possibilité de l’émancipation et la part que peut y prendre le théâtre qui anime cet ouvrage : celle du spectateur, de l’artiste et de l’oeuvre émancipés. Réfléchir aux politiques du spectateur signifie alors s’intéresser tout autant aux politiques que le théâtre défend, à celles qu’il applique et aux définitions implicites qu’il propose, par là, de la politique.

 Performing Opposition : Modern Theater and the Scandalized Audience by Neil Blackadder

Modern theater history is punctuated by instances of scandalized audience members disrupting and in some cases suspending the first production of a new play. Such incidents are usually dismissed as riots, as self-evident displays of philistinism. Neil Blackadder’s intriguing new study reveals them in fact to be multifaceted conflicts, showing the ways in which these protesters-acting against plays by such notables as Jarry, Synge, and Brecht-creatively devised and enacted resistance through verbal rejoinders, physical gestures, and organized group demonstrations.

Performing Opposition draws on reviews, memoirs, interviews, and court records to present engaging and insightful accounts of these clashes—clashes that Blackadder proposes as a unique and distinct category of event in a time when unprecedentedly restrained norms of auditorium behavior coincided with a regeneration of writing for the stage. Offering the first detailed examination of affronted theatergoers’ counter-performances, the volume represents an intriguing illumination of a largely overlooked aspect of performed drama and its history.

 Le théâtre des opprimés, d’Augusto Boal, 1971

L’être humain devient humain quand il invente le théâtre. La profession théâtrale, qui appartient à quelques-uns, ne doit pas cacher l’existence et la permanence de la vocation théâtrale, qui appartient à tous. Le théâtre est une vocation pour tout être humain. 
Le théâtre de l’opprimé est un système d’exercices physiques, de jeux esthétiques, de techniques d’images et d’improvisations spéciales, dont le but est de sauvegarder, développer et redimensionner cette vocation humaine, en faisant de l’activité théâtrale un outil efficace pour la compréhension et la recherche de solutions à des problèmes sociaux et personnels.

 Les années 10 de Nathalie Quintane (ed. La Fabrique), 2014

 Marc Partouche, La ligne oublié, ed. Al Dante, 2004

 De la « vie de bohème » au situationnisme, une histoire de l’art surprenante et indispensable : celle des regroupements dits « secondaires » qui n’ont cessé, depuis le milieu du XIXe siècle, de saper l’ordre social et culturel. Des Hydropathes au Surréalisme, en passant par le cabaret du Chat Noir et la Pataphysique, Marc Partouche renoue le fil subversif et humoristique liant la modernité du XIXe siècle et les avant-gardes du XXe. 
La « lignée oubliée » est celle des artistes classés comme « mineurs » par une histoire officielle qui oppose systématiquement sérieux et humour, culture haute et culture basse. Refusant l’académisme sclérosant, Marc Partouche s’attache à ces pratiques artistiques nées dans les cabarets de Montmartre et Saint-Germain-des-Prés, et considérées comme inassignables et infréquentables : l’art de la Bohème, des Hydropathes à Fluxus en passant par le lettrisme et le surréalisme, des salons caricaturaux du XIXe aux foires internationales d’Art contemporain du XXe siècle. 

Playgrounds, Reinventing the square, ed. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía and Siruela, 2014

 Judith Butler : Excitable Speech. A Politics of the Performative

http://monoskop.org/images/5/54/Butler_Judith_Excitable_Speech_A_Politics_of_the_Performative_1997.pdf

Walter Lippmann, Public Opinion (1922)

Walter Lippmann, Phantom Public (1925)

John Dewey, Le public et ses problèmes (1927)

Jürgen Habermas, L’espace public (1962)

Hannah Arendt, La condition humaine (1958 – cf distinction faite entre sphère privée et public)

Judith Butler, Qu’est-ce qu’une vie bonne (2012) – un résumé du livre là: http://www.franceculture.fr/emission-l-essai-et-la-revue-du-jour-judith-butler-revue-vacarme-2014-05-06)

Bojana Cvejic, Ana Vujanovic, Public Sphere By Performance (2012, publié par Labos)

Hannah Davis Taïeb et autres, Espaces publics, Paroles publiques au Magrheb et au Machrek, 1997

Dorothea von Hantelmann, How to Do Things with Art – The Meaning of Art’s Performativity

Jan Zienkowski, Analysing political Engagement

J.L Austin, How TO DO Things With Words

Augusto Boal, Theater of the Oppressed

Hacker, Hoaxer, Whistleblower, Spy / The many faces of the anonymous

Mikkel Bolt Rasmussen & Jakob Jacobsen, Expect Anything, Fear Nothing / The Situationnist Movement in Scandinavia and Elsewhere

Molly Sauter, The Coming Swarm

Schechner, Performance theory

 Film online

Paradise Now : The Living Theatre (1969)

Marty Topp et Melvin Clay [ 46 mn ]

http://ubu.com/film/living.html

Common Assembly: Deterritorializing the Palestinian Parliament

DAAR [ 15 mn ]

http://www.decolonizing.ps/site/

Out on the streets (2013)

Jasmina Metwaly et Philip Rizk  [ 70 mn ]

 

 

 

 


Mirada ao Norte, por Giseli Vasconcelos

Manicoba

Quarta-feira, dia 10 de junho as 19:30

Mirada ao Norte é a primeira edição de encontros e situações que abordam o Norte – às proximidades da linha do Equador, ou um Norte, de sensores, sabores e pensamentos. Para esta edição — na cozinha Roosivelt Pinheiro, entre o Polígono da ARTE, as redes, a maniçoba e o piracuí – batucação, storytelling e performances por CAPACETE Entretenimentos.

— Prato: maniçoba (também em versão vegana), bolinhos de piracuí, sacolés (chopp) de coco e cupuaçu.

Mirada ao Norte is the first edition of meetings to discuss the NORTH – bordering the Equator Line, or a northward of sensors, flavors and thoughts. For this edition — in the kitchen, the chef Roosivelt Pinheiro talking about Polígono da ARTE, fishing nets, maniçoba and piracuí (dry fish flour), batucação, storytelling and performances  by Capacete Entretenimentos.

— Dish: maniçoba (plus vegan version), fried balls of piracuí, sacolés (chopp) de coco e cupuaçu.    


Cinema com Fala

helio

Cinema Com Fala com Cesar Oiticica

“Hélio Oiticica foi um dos artistas que melhor uniu a reflexão com a criação artística. Suas ideias e proposições, expressas não apenas em textos, mas também em depoimentos e entrevistas, revolucionaram a arte e a cultura, tornando-o um dos mais importantes artistas da segunda metade do século XX. O documentário de César Oiticica Filho, ao utilizar a própria voz do artista como fio narrativo, permite um mergulho único no pensamento, na trajetória e na intimidade de Hélio Oiticica.
A extensa pesquisa de imagens faz com que o espectador acompanhe a evolução do artista, o seu início junto ao Grupo Frente, o surgimento do Neoconcretismo, a criação dos Bólides, Penetráveis, Núcleos e Parangolés, o envolvimento com a Tropicália, o período em Nova York, até a volta ao Brasil. É um documento não apenas de um dos
maiores artistas que o Brasil já produziu, mas também de um dos períodos de maior efervescência de nossa cultura, o que torna este filme crucial para todos aqueles que querem compreåender não apenas a nossa história, mas quem somos agora.
Hélio Oiticica é um documentário de 94 minutos, dirigido por César Oiticica Filho e produzido pela Guerrilha Filmes.”
Este filme será lançado em /nova York no dia 11 de setembro de 2015

Direção e roteiro: César Oiticica Filho
Pesquisa de imagem: Antônio Venâncio
Produção executiva” João Villela,  Juliana Carapeba, Felipe Reinheimer e César Oiticica Filho
Direção de Produção e coordenação de finalização: Juliana Carapeba
Direção de fotografia: Felipe Reinheimer
Montagem: Vinicius Nascimento
Consultoria de montagem: Ricardo Miranda
Consultoria biográfica: Roberta Camila Salgado
Edição de som e mixagem: Ricardo Cutz
Produtor musical: Vinicius França
Trilha sonora: Daniel Ayres e Bruno Buarque
Participação especial na trilhaL Macalé, Celso Sim e Pepê Machado
Figurino: Julia Ayres
Coordenadora de lançamento: Barbara Vida


Daniela Castro & Anne Szefer Karlsen

danielaanne sverszen

Quarta-feira dia 3 de junho as 19:30

Self Organised, now available in Portuguese 

Para a fala desta quarta aconselhamso a leitura de: Self-organisation as Institution? Anne Szefer Karlsen

http://www.szefer.net/index.php?/projects/self-organisation-as-institution/

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Daniela Castro is a writer and curator based in São Paulo. A graduate in Art History from University of Toronto (2003/Canada). She is currently co-curating the 3rd Aichi Triennial (Japan), has co-curated with Jochen Volz The Spiral and the Square: exercises on translatability at Bonniers Konsthall, Stockholm, which interchanged and travelled to Trondheim and Kristiansand, both in Norway (2011-12). Curated A Radically Condensed History of Post-Industrial Life LADO A/LADO B, an exhibition in LP format for the “Impossible Show” at El Spacio, Madrid, Spain (2010-11) and the TEMPORARY GALLERY in Köln, Germany (ongoing). Curated Lights Out, the inaugural exhibition at the Museum of Image and Sound – MIS (2008/São Paulo). Conceived and curated the Recombining Territories, an itinerant and interchanging exhibition that’s travelled seven capitals of Brazil (2006-2010). She’s been publishing widely in national and international art publications, and taught workshops on art writing and curatorial practices throughout Brazil.  Published her first book, co-authored with Fabio Morais, titled ARTE E MUNDO APÓS A CRISE DAS UTOPIAS, assim mesmo, em CAIXA ALTA e sem notas de roda-pé (Florianópolis: Par(ent)esis Art Book Publisher, 2010).

Anne Szefer Karlsen was curator for Lofoten International Art Festival – LIAF 2013 (with Bassam El Baroni and Eva Gónzalez-Sancho) and Associate Curator for Research and Encounters, Biennale Bénin 2012 (Artistic Director Abdellah Karroum). In 2015 she is the curator of the 8th Norwegian Sculpture Biennial. As Director of Hordaland Art Centre in Bergen, Norway (2008-2014) she curated several exhibitions and seminars, as well as further developed its residency programme. She initiated, and is Series Editor of, the book seriesDublett – a book series of twin publications consisting of a new artist book by and an anthology of commissioned texts on contemporary artists (2012-2015) and co-edited Self-Organised (Open Editions/Hordaland Art Centre, 2013, with Stine Hebert). Her interests are in artistic and curatorial collaborations as well as developing the language that surrounds art productions of today, linguistically, spatially and structurally.

——–

Recomended reading

http://www.generation-online.org/c/fc_rent1.htm
http://digamo.free.fr/dhbrief.pdf (Freedom’s Just Another Word chapter)

 



Manuela Moscoso

manuela

Quarta-feira dia 20 de maio as 19:30

Senna & Jones & Navarro: o fazer e o feito

Em 1931, Alfred North Whitehead retoma a noção de concern [1] tal como utilizavam os quakers [2] para conceber uma relação dinâmica, provocativa e oscilante entre sujeito e objeto. Graças a esta referência, Whitehead propõem as relações do sensível com base na estrutura da experiência, que, somente com o exercício da abstração, concretiza-se cognitivamente. O conceito de concern desestabiliza o equivalente e estabelecido sujeito/objeto por conhecedor/conhecido para entende-lo como um evento onde o sujeito não é estável nem o objeto permanente, onde os efeitos são sempre produzidos por provocações. Assim, o conhecimento entre entidades não se restringe necessariamente aos seres humanos.

A conversa será sobre o fazer e o feito e centra-se em nosso entender do que pode ser “coletivo”, intercedida por três casos contemporâneos extraídos da cultura visual e da arte de sacudir, dinamizar ou problematizar nosso entendimento do que é fazer e o que é feito com a finalidade de gerar esquemas dinâmicos dentro dos quais se pode promover e falar sobre o pensar artístico.

[1] texto original em espanhol utiliza a expressão da língua inglesa concern, pode ser traduzido como preocupação.

[2] texto em espanhol utiliza-se cuáqueros, em português denomina-se quaker ou quacre, movimento protestante britânico do século XVII.


Jorge Menna Barreto

Jorge Menna Barreto

Quarta-feira dia 13 de maio as 19:30

Paladar desterrado

Anotação 1: Encontro maçãs para vender em todos os supermercados das cidades e armazéns brasileiros. Encontro maçã para vender pelo mundo todo. Para cultivarmos a maçã no Brasil, precisamos de cerca de 60 aplicações de agrotóxicos; paladar colonizado, quer porque quer maçã Anotação 2: Na rua Benjamin Constant, indo para o CAPACETE, observo os verdinhos que nascem espontaneamente nas frestas da calçada. Entre eles, o Caruru e a Beldroega, dois matinhos comestíveis super ricos em nutrientes. Visíveis para os nossos ancestrais, tornaram-se invisíveis para o nosso olhar. Chaves: Matos comestíveis, agroecologia, site-specific, comer o local, locavorismo, ativismo alimentar, Robert Smithson: let the site determine what I would build, sucos específicos, o alimento como mediador da nossa relação com a terra, o que a gente come molda a paisagem na qual a gente vive, a boca como ferramenta escultórica, a plant-based diet, paladar colonial, PANC: plantas alimentícias não-convencionais, pensamento sistêmico, thinking like a forest, o sistema digestivo não começa na boca e nem termina no cu.
Jorge Menna Barreto é artista e pesquisador. Há 18 deixa que o lugar determine o que vai fazer e, mais recentemente, o que vai comer. Doutor em Poéticas Visuais pela USP, terminou em 2015 uma pesquisa de pós-doutorado na UDESC sobre relações possíveis entre agroecologia e as práticas site-specific em arte. É professor no Departamento de Linguagens Artísticas da UERJ desde abril desse ano.  
Dicas para consulta: 
1. Agrofloresta, ecologia e sociedade: http://goo.gl/dxDAxj
2. Plantas Alimentícias Não Convencionais (PANC) no Brasil: http://goo.gl/F0zCTo
3. Carta de Pero Vaz de Caminha, maio de 1500: http://educaterra.terra.com.br/voltaire/500br/carta_caminha.htm
4. Raízes do Brasil: Sérgio Buarque de Holanda, 1935. 
5. Writings of Robert Smithson.  
6. Valdely Kinupp, especialista em PANC: https://www.youtube.com/watch?v=iieB_jhhaC0
7. Café Educativo: Paladar Cego http://www.31bienal.org.br/pt/events/1849
8. An introduction to thinking like a forest: http://shikigami.net/forest/introduction-thinking-like-forest/
11. Elaine Azevedo: Alimentos Orgânicos: Ampliando os conceitos de saúde humana, ambiental e social: http://livraria.folha.com.br/livros/culinaria-e-gastronomia/alimentos-organicos-elaine-azevedo-1188407.html

Tatiana Roque

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Quarta-feira dia 6 de maio as 19:30

Subjetivações e ação diagramática no capitalismo contemporâneo: a necessidade de um diagnóstico para além do humano, da representação e da linguagem

Tatiana Roque é professora da UFRJ, trabalha com filosofia francesa contemporânea, história e filosofia da ciência. Escreveu História da Matemática: uma visão crítica, desfazendo mitos e lendas, Zahar, 2012.

 

 


Acácio Augusto

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Quarta-feira 29 de abril as 19:30

– Anarquia como antipolítica e experimentação ético-estética.

Acácio Augusto

Doutor em Ciências Sociais (Política) pela PUC-SP e pós-doutorando com bolsa CAPES no Mestrado de Sociologia e Política da UVV (Universidade de Vila Velha), pesquisador no Nu-Sol (Núcleo de Sociabilidade Libertária da PUC-SP) e no NEUS (Núcleo de Estudos Urbanos e Socioambientais da UVV). Autor de Política e polícia: controles, cuidados e penalizações de jovens, Editora Lamparina, Rio de Janeiro, 2013

A anarquia é uma força política que, na história moderna, rompeu os limites representativos colocados pelo e em torno do Estado. Suas lutas não visam toma-lo ou reformá-lo, mas abolir o Estado. Para isto, os anarquistas colocam a urgência de abolir o poder em nós. Mais que uma utopia política, trata-se de uma prática associativa que valoriza e revolta e a produção de experimentações ético-estéticas para uma vida em combate com as forças que buscam governar as condutas. Proponho uma conversação a partir da exposição de experiências educacionais, de feitura de jornais, associações culturais e vida de alguns militantes, colidas ao longo da história, para questionar em torno da pertinência da anarquia hoje como modo de vida, uma força antipolítica que habita a existência de corpos em revolta.

Textos sugeridos para leitura:

Acácio Augusto. Política e antipolítica: anarquia contemporânea, revolta e cultura libertária. Tese de Doutorada. São Paulo: PUC-SP, 2013.

Edson Passetti & Acácio Augusto. Anarquismos e educação. Belo Horizonte: Ed. Autêntica, 2008.

Christian Ferrer. “Átomos soltos – a construção da personalidade entre os anarquistas no início do século XX” In Revista Verve. São Paulo: Nu-Sol, vol. 5, 2004, pp. 157-184.

Pietro Ferrua. “Jonh Cage, anarquista fichado no Brasil” In Revista Verve. São Paulo: Nu-Sol, vol. 4, 2003, pp. 20-31.


Restaurante das quintas-feiras

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Deguste nossa culinaria caseira a precos acessiveis: R$ 15

10 de junho – Roosevelt Pinheiro

3 de junho – Joen Vedel, Kadija e Oliver Bulasch

20 de maio –

13 de maio – Jorge Menna Barreto

6 de maio – Tatsuo Hida

29 de abril –

23 de abril – Helmut Batista

17 de abril – Amilcar Packer

10 de abril –

3 de abril –

25 de marco – Felix

18 de marco – Asia Komarova


Fabiane Borges

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Quarta-feira dia 22 de abril as 19:30
Sinopse: Ruidocracia e Tecnoxamanismo (Ancestrofuturismo)

Uma conversa sobre tecnologias ancestrais e contemporâneas a partir da ruidocracia (ataque intensificado de escuta num mundo em que tudo emite). Antropofagia de práticas rituais para ampliação dos campos de percepção, sensação e relação transhumanas.
Neo materialismo e perspectivismo, políticas de inconscientização: ações de rede – criação de processos imersivos para cuidados de si e da Terra.
Terra do lixo, lugares propícios para produção do xamanismo sujo (Estamira como profeta do lixo – esta mirada/miragem).
O lixo terreno e orbital como paradigma para pensar os modelos técnicos. vampiros da Corrogênese, o desejo da imortalidade corroendo a gênese humana.
O porvir e o fracasso civilizatório. A urgência da metareciclagem do campo das ficções.
Fabiane M. Borges é artista, psicóloga e ensaísta. Fez doutorado na Puc/SP cuja tese dedicou a Cultura Espacial – Utopias humanas intra e extra-terrenas. É autora de dois livros: Domínios do Demasiado (Hucitec 2010) e Breviário de Pornografia Esquizotrans (Ex. Libris 2010). Organizou dois livros com a rede de arte, mídia e software livre Submidialogia) Ideias Perigozas (Descentro 2011) e Peixe Morto (Imotirô 2011). Participa e colabora em redes como Metareciclagem, Tecnoxamanismo, Tecnomagias, Bricolabs, MSST (Movimento Sem Satélites).
Indicações para leitura:
– Bruno Latour – War and peace in an age of ecological conflicts Paris – Lecture prepared for the Peter Wall Institute Vancouver – 2013
– Davi Kopenawa and Bruce Albert – The Falling Sky – Ed. Harvard University Press. USA/2013
– Eduardo Viveiros de Castro. Metafisica Canibales – Líneas de Antropología Postestructural. Ed.Kats. Espanha. 2010
– Fabian Ludueña Romandini. Comunidade dos Espectros; I Antropotecnia. Ed. Cultura e Barbárie. Florianópolis SC/2012-2013
– Jeremy Narby. “The Cosmic Serpent: DNA and the Origins of Knowledge”. Ed. Georg. França/1998
– Laymert Garcia dos Santos – “Amazônia transcultural – xamanismo e tecnociência na ópera”. Ed. N-1, SP/2013
– Luis Lana – Antes o Mundo não Existia: A mitologia Heróica dos índios Desâna Ed. Livraria Cultura, SP/1980
LINKS:
Guaranis: do jejuvy à palavra recuperada, Fabiane Borges e Verenilde Pereira – Dourados MS/2008 https://www.diplomatique.org.br/acervo.php?id=2473
Eduardo Viveiros de Castro “Filosofia, Antropologia e o Fim do Mundo” – – – – – https://vimeo.com/78892524
História da Aldeia Maracanã, de Cabral a Cabral, Rio de Janeiro/2013 http://www.youtube.com/watch?v=0W5BVt2N6uo
Santuário dos Pajés – Brasília 2011 http://santuariodospajes.blogspot.com.br/
Fabiane Borges – Xamanismo Transversal, Sujo ou dos Ruídos – SEU (Semana Experimental Urbana) Porto Alegre – 2012 http://www.youtube.com/watch?v=Hj3TOIesxPw
FILMES
Terra Vermelha – Dir. Marco Bechis – Itália-Brasil – 2008
Xapiri – Filme experimental (Documentário) sobre o xamanismo Yanomami – Diretores: Leandro Lima, Gisela Motta, Laymert Garcia dos Santos, Stella Senra, Bruce Albert.
 

Pequeno Laboratório

cartaz Pequeno Laboratorio 2016

Pequeno Laboratório : Colocando a mão na massa

Em 2016, o Pequeno Laboratório do CAPACETE volta a funcionar para crianças de 3 a 12 anos. 
Gostaríamos de construir juntos um espaço especial para as crianças, os pais e nós onde trocaremos saberes em um ambiente em que todos podem aprender uns com os outros compartilhando suas habilidades! Oferecemos um espaço de livre brincar, experimentar, ver, falar, sentir, pesquisar, manipular e agir, criado a partir da convivência legítima com o outro! 

Na nossa vivência estarão presentes: música, línguas estrangeiras, visitas à ateliês, bicicleta, plantas, yoga, comida saudável e mais! Junte-se a nós para descobrir os novos experimentos do Pequeno Laboratório!
Toda quarta-feira de manhã 09 às 12h ou de 13 às 16h no CAPACETE, Rio de Janeiro
Preço: 220 reais por mês (com almoço incluído)
Começaremos logo depois do carnaval, dia 17/02
Informações: capacete@capacete.org
Visite nosso blog: https://capacetepequenolaboratorio.wordpress.com/

Mais informações

Pequeno Laboratório nasceu da constatação de que poucas atividades manuais e artísticas são oferecidas no Rio de Janeiro para crianças fora dos horários das escolas, e que, quando existem, são muito caras.
Além disso, na Rua Benjamin Constant, onde a residência CAPACETE está localizada, não há infraestrutura que permita as crianças a terem um lugar para praticar atividades de lazer perto de casa. Pequeno Laboratório pretende permitir que crianças tenham acesso a trabalhos criativos e educação artística proposta por profissionais da arte por um custo razoável, em ordem a ter uma abertura à outras formas de aprendizado; outros espaços sociais e criativos no dia-a-dia.

As interlocutoras das crianças:

Adeline Lépine (1984, Lyon, França)

Adeline Lépine cria situações, momentos específicos e espaços que permitam a reunião entre alguns alteridades (uma obra de arte, uma instituição, um artista, um  » público « , etc) para desencadear novas formas de convivência, pensamento coletivo, diálogo, ação e capacitação por focalizando os links que podem ser forjadas entre a criação e a vida cotidiana. Após estudar História da Arte e trabalhar com crianças em centros sociais, ela trabalhou em vários Centros de Arte e Museus na França como responsável pela parte educativa, programas culturais e eventos. Dês de 2002, ela faz parte da Mediation Culturelle Association, uma rede francesa de profissionais que estão interessados em programar para audiências de instituições da arte e cultura. Ela também é membro-fundadora do coletivo Máquina de Aprender Performance, um projeto artístico e interdisciplinar relacionado à ‘performance art’, iniciado em 2012. Adeline Lépine foi residente do Capacete em 2015 e é a fundadora associada com Caroline Valansi do Pequeno Laboratório.

Camilla Rocha Campos (1985, Barbacena, Brasil)

Artista, produtora, professora e pesquisadora, Camilla Rocha Campos transita num campo de uma arte colaborativa que acontece com a contribuição de pessoas em contextos carregados por ela de um tipo de humor e crítica. Nesse campo relacional, proposto por ela, se engendram experiências da arte contemporânea em produções artísticas, projetos em escolas e universidades e criação de contextos culturais envolvendo um público diversificado em jogos e viagens. Camilla é Mestre em História e Crítica de Arte pelo Instituto de Arte da UERJ (2011) e graduada em Gravura pela Escola de Belas Artes da UFRJ (2007). Professora da Universidade Cândido Mendes desde 2010, Camilla foi professora contratada da UERJ (2014) e UFF (2013). Trabalhou como pesquisadora e escritora auxiliar no projeto Radix-arte da autora Beá Meira para a Editora Scipione, elaborando materiais paradidáticos do ensino médio e fundamental (2008-2015). Em projetos autônomos e autorais como Workshop em curso, Camilla propõe um circuito de visitas em grupo a museus, centro culturais e bienais, dentro e fora do país, fomentando e mediando discussões in-loco enquanto experiências ali são vividas. Em 2016 é residente do programa Capacete.e

Helmut Batista, diretor do Capacete!

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Fundadora associada

Caroline Valansi (1979, Rio de Janeiro, Brasil )

Vive e trabalha no Rio de Janeiro. Graduada em Cinema, com pós­graduação em Arte e Filosofia. Sua produção artística caminha entre o espaço coletivo e as histórias íntimas, trabalhando num fluxo transtemporal onde são borradas as fronteiras entre documento e ficção. Esta residente do CAPACETE neste ano.
Exposição individual: Memórias Inventadas em Costuras Simples, no CCJE – Centro Cultural Justiça Eleitoral, RJ, 2009. Exposiçoes collectivas: Parque Lage. Encruzilhada. Rio de Janeiro, 2015 ; El Parqueadero. Sin Querer Saberlo a cargo de Laagencia, dentro do Ciclo de videos Tutoriales. Bogotá, Colombia, 2015 ; Museu Nacional Honestino Guimarães, Situações Brasília – Prêmio de Arte Contemporânea do Distrito Federal. Brasília, 2014 ; etc. Integrou o coletivo OPAVIVARÁ! [www.opavivara.com.br] (2007­2014) e é professora de fotografia e arte para alunos do ensino fundamental e médio. Rio de Janeiro.

 


Amilcar Packer & Jarbas Lopes

Quarta-feira dia 15 de abril as 19:30
Doris Criolla é uma máquina de pesquisa, um seminário público que parte da genealogia das palavras crioulo, criollo, créole e creole,  propondo uma reflexão sobre processos históricos, culturais e políticos em contextos pós-coloniais. Apostando na comensalidade, o trabalho se manifesta em experimentações relacionais durante almoços e jantares onde são servidos pratos de comidas “crioulas” acompanhados de apresentações que expandem e atualizam as pesquisas, estas que também se desdobram por meio de produção textual e contam com a colaboração de agentes de diversas práticas e disciplinas.
No dia 15 de abril de 2015, a partir das 19:30h, Doris Criolla fará a primeira de uma série de apresentações como parte do programa 2015 do CAPACETE. Nesse dia será servido ceviche com acompanhamentos e um drinque especial.
No mesmo dia apresentamos o livro do Jarbas Lopes
jarbas livro

Faça parte e apoie

O CAPACETE é um espaço de arte e pesquisa aberto ao público, sem fins lucrativos. Ele promove o pensamento contemporâneo através de residências de pesquisa, oficinas, workshops, seminários e palestras semanais. Com 20 anos de existência, o CAPACETE realizou inúmeros projetos de profissionais nacionais e internacionais na cidade do Rio de Janeiro, em outras cidades do Brasil e também no exterior.

 

O CAPACETE faz parte de uma rede internacional de espaços de pesquisa e tem apoio de ínumeras instituições governamentais e privadas tais como: Mondrianfunds (Holanda), DCA (Dinamarca), GASWORKS (Londres), OCA (Noruega), Fundação Onassis (Grêcia), Gulbekian (Portugal), Lugar a dudas (Cali/Colômbia), entre muitos outros

Para continuar mantendo sua programação e comprometimento público o CAPACETE depende de contribuições variadas, dentre elas do programa Amigos do CAPACETE. Amigos do CAPACETE é um grupo de apoiadores que reunimos mensalmente para visitas exclusivas a estúdios de artistas, galerias de arte ou palestras de especialistas. O grupo é composto por pessoas que acreditam na missão da instituição e desejam ter um envolvimento mais direto no apoio a nossas atividades.

Em 2017 tivemos palestras e/ou visitas a: Beatriz Milhazes, Daniel Steegman Mangaré, Andrea Fraser, Coleção Fainzliber, Luis Zerbini, Marcos Chaves, Laura Lima, Ernesto Neto, Andrea Fraser, Antônio Manuel, Jorge Menna Barreto, Abraham Palatnik, Waltercio Caldas, Camilo Osório etc.

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Com uma doação anual, você incentiva o desenvolvimento da arte e da cultura do Rio de Janeiro e do Brasil e ainda recebe uma série de benefícios. Escolha abaixo a melhor categoria para você e junte-se ao círculo de amigos que generosamente já colaboram com a manutenção do CAPACETE.

Entre em contato conosco pelo e-mail  member@capacete.org  para obter mais informações e fazer sua doação.

MANTENEDOR ou “adote um residente”– A PARTIR DE R$15.000 (POR ANO)

São mantenedores: Frances Reynolds (2016/2017), Mara e Marcio Fainzliber (2016/2017) e Esther Schipper(2016)

1 – 50% de desconto no Bar do CAPACETE

2 – 50% de desconto em livros da nossa livraria

3 – Menção no site e na parede do CAPACETE

4 – Convidado para todos eventos internos do CAPACETE como jantares com os participantes. Participação de visitas agendadas a studios de artstas, palestra de curadores convidados etc.

 

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PATRONO “Amigo do CAPACETE” – A PARTIR DE R$ 7.000 (POR ANO)

São Patronos: Sabina Matz, Florencia Balestra e Fabiano Robalinho, Martha Castilho e Fred Carvalho, Renata e Marcelo Fadel, Elisabethe Floris, Renata e Alexandre Roesler, Mariana Iindio Da Costa e Sergio Werlang, Natalia Coutinho Brisolla, Georgiana Rothier, Rhanne Pessoa, Daniel Abbud Sarquis Aiex e esposa, Maria Cassia Bomeny, Leonardo Martins Moraes e Luma Cosra M. Moraes, Carmen Guarani e Marcelo Mesquita, Ana Maria e Luis Eduardo Indio da Costa, Felipe Gutterrres e Daniela Nery, Paulo Bitencourt e Lucilla Queiroz

1 – 50% de desconto no Bar do CAPACETE

2 – 50% de desconto em livros da nossa livraria

3 – Menção no site do CAPACETE

4 – Participação de visitas agendadas a studios de artstas, palestra de curadores convidados etc.

 

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BENFEITOR – A PARTIR DE R$ 2.000 (POR ANO)

1 – 20% de desconto no Bar do CAPACETE

2 – 10% de desconto em livros da nossa livraria

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APOIADOR – A PARTIR DE R$1.000 (POR ANO)

1 – 10% de desconto no Bar do CAPACETE

2 – 10% de desconto em livros da nossa livraria

 

 

 

 

 

 

 


Office sharing

Venha trabalhar no nosso “office sharing

office sharing

Você pode usar nosso espaço para fazer reuniões ou simplesmente trabalhar algumas horas com internet banda larga.

Nossa casa fica perto do metro Gloria e de facil alcance com o metro ou outros meios publicos. Estacionamento interno para bicicleta. Estacionamento para carro tambem existe. A casa fica em uma rua sem saido portanto tem silencio e os espacos de trabalho podem ser tanto internos como externos. Ar condicionado nos espacos internos.

Preco por hora: R$ 10

Preco por dia: R$ 50

Preco por temporadas mais longas por favor consultar com: hotel@capacete.org


Holmes Wilson

holmes

Quarta-feira dia 8 de abril as 19:30

Holmes Wilson é parceiro amoroso de Giseli Vasconcelos, artista do programa anual Capacete 2015. Durante o dia, sua rotina é organizar pessoas para lutar por uma Internet melhor, como fundador da organização Fight for the Future: fightforthefuture.org. Durante a noite (tipicamente às quartas) ele canta karaokê.

Karaokê começou como uma simples paixão que logo se tornou um vício, uma terapia, um trabalho, uma tatuagem e uma video performance interativa – chamada Karaokecrime, que New York Times declamou como “um energético one-man cospe-fogo num interativo cantar junto…inspirando um mix de entusiasmo e reação súbita”.

Primeiro, Holmes apresentará seu trabalho.

Segundo, haverá 20 minutos de performance interativa (karaokecrime).

E ao fim, uma noite de karaokê com songbooks completos, pedidos e performances de artistas e convidados do Capacete.

obs.: Esta não é uma noite sobre karaokê,  isto vai além do karaokê, mas também *é* um karaokê. Isto é, você pode trazer seus amigos, comer, beber e cantar junto. Nós prometemos.
 


Cachaça Capacete e outros produtos

Experimente nossas incríveis cachaças artesanais

foto cacahaca 2

doce de leite    queijo    geleiasmel chique   queijo

CAPACETE Cachaça: 12, 18 e 25 Reais a garrafa

Queijo tipo parmesan: Kg 60 Reias

Geleias: pote por 16 Reais

Goiabada: pote por 16 Reais

Mel: potes por 15 e 30 Reais

Comprando os nosso produtos você estará contribuindo ao projeto como um todo. Faça parte!

Reciclamos a garrafa e você recebe a nova garrafa com o desconto (garrafa a 3 R$, 6R$, 7R$)


Livro para ler

livro para ler 2008

Livro para ler – 10 anos de capacete – publicado em 2008

Com textos de Jean-Pascal Flavien, Leonor Antunes, Teresa Riccardi, Hans Cristian Dany, Marcia Ferran, Olivier Zahm, Juan Valentin, Ligia Nobre & Kazuo Nakano

Frederikka Hansen, Peio Aguirre, Tatiana Roque & Paulo Oneto

 



Hospedagem Santa Teresa / Casa da Denise

A casa da Denise fica situado perto do Largo dos Guimarães, no centro de Santa Teresa – bairro boêmio do Rio de Janeiro. A casa/hotel tem 9 quartos podendo hospedar grupos e também hóspedes individuais.

Para reserva e preços por favor entrar em contato com Denise Milfont: milfont@gbl.com.br