TEOR/éTica

Posted on 24. August 202116. October 2021 by Helmut

Conversa com Daniela Morales & María Paola Malavasi & Paula Piedra / Helmut Batista – TEOR/éTica, San José / Costa Rica

Direção artística da TEOR/éTica: Daniela Morales & María Paola Malavasi & Paula Piedra

TEOR/éTica es un proyecto independiente, privado y sin fines de lucro dedicado al arte y al pensamiento, ubicado en San José, Costa Rica. Tanto su nombre como su razón de ser implican teoría, ética y estética. Su objetivo es ser una plataforma de investigación y promoción de las prácticas artísticas contemporáneas -con énfasis en Centroamérica y el Caribe- por medio de exposiciones, publicaciones, charlas, talleres, becas, un archivo y una biblioteca especializada, entendiendo el arte como un espacio común desde donde crear espacios de duda, estudio, debate y generación de pensamiento crítico.

Desde su creación en 1999 hasta el presente, un amplio conjunto de agentes ha participado en la construcción de TEOR/éTica, permeando a la organización de intereses diversos, prácticas particulares y miradas múltiples que cuestionan constantemente los lugares desde donde se opera. A lo largo de los años, TEOR/éTica se ha consolidado como uno de los proyectos culturales más dinámicos y propositivos en Latinoamérica, reconocida internacionalmente por su papel en el desarrollo de las artes en Centroamérica, y por propiciar nuevas maneras de pensar y de pensarse críticamente.

Daniela Morales Lisac (San José, Costa Rica, 1989)
Actualmente es Codirectora de TEOR/ética donde trabaja desde el 2013. Es la encargada de la coordinación del proyecto editorial TEOR/éTica, para la cual ha trabajado en libros tales como Escrituras Locales: Critica Próxima de Tamara Dìaz Bringas, Divorcio a la Panameña de Adrienne Samos, Zona de Turbulencia de Raúl Quintanilla, Equilibrio y Colapso de Patricia Belli y Estar comprometida con un lugar pequeño de Annalee Davis. Junto a Lola Malavasi, edita la revista digital Buchaca desde el 2015, que busca crear una memoria crítica y de investigación, en torno a los proyectos propuestos por TEOR/éTica y sus colaboradores. Graduada en licenciatura en Fotografía en el 2013 de la Universidad Veritas de Costa Rica, Bachiller en Psicología en la Universidad Centroamericana de Ciencias Sociales de Costa Rica.

María Paola Malavasi Lachner (cc.Lola) (San José, Costa Rica, 1987)
Gestora y curadora de proyectos de educación e investigación artística, interesada en la crítica institucional, la gestión crítica y educativa, modelos alternativos de gobernanza y procesos colectivos. Actualmente es Codirectora de TEOR/éTica, espacio independiente de arte contemporáneo ubicado en San José, Costa Rica, donde labora desde 2011. Como parte de este espacio, desde 2016 gestiona y facilita Alter Academia, una residencia artística enfocada en la formación de artistas jóvenes de Costa Rica. Junto a Miguel A. López, curó la exposición Virginia Pérez-Ratton. Centroamérica: deseo de lugar (MUAC-UNAM, Ciudad de México, 2019), una revisión del trabajo de esta importante artista y curadora costarricense, por medio de su trabajo artístico, el archivo de TEOR/éTica y la Colección Virginia Pérez-Ratton. Esta exposición estuvo acompañada de una publicación homónima, editada por Lola y Miguel A. López.
Graduada con honores, BFA Historia del Arte y diplomado en Moda, Savannah College of Art and Design, USA, 2011.

Paula Piedra (San José, Costa Rica, 1976)
Co-directora y coordinadora de la programación de TEOR/éTica, organización a la cual se integró en el 2013. Ha dedicado gran parte de su tiempo a conciliar el cómo las maneras de gestionar los proyectos de TEOR/éTica responden a las inquietudes y luchas que atraviesan tanto la organización como su contexto local, y el contexto personal de cada una de las personas que integran esta organización. Desde el año 2015 ha sido partícipe de las Asambleas de Arts Collaboratory y de varios grupos de trabajo de esta red. En el 2017 organiza un grupo de estudio en colaboración con el colectivo Semillas: arquitectura en comunidad, para reflexionar sobre el papel de TEOR/éTica en su contexto local: Barrio Amón. El grupo de estudio se consolida como el proyecto ¡UPE!, un proyecto de agenciamiento espacial que en el 2018 fue un podcast, en el 2019 fue tanto una publicación como un juego de mesa y en el 2020 explora con otras colaboraciones a nivel local e internacional. Se formó como Diseñadora de Interiores y Máster en Administración de Proyectos; además es escritora y madre de una gata.

Artista convidada para o Seminário: Gala Berger

Gala Berger es una artista visual y curadora independiente. Su trabajo esta relacionado con la fabulación especulativa, las ficciones disidentes y el activismo crítico institucional. Es cofundadora del Museo La Ene, y de los espacios independientes Urgente e Inmigrante. Actualmente, es co-directora del proyecto Casa-Ma en Costa Rica, dedicado a la investigación sobre artistas mujerxs de Centroamérica, el Caribe y sus diásporas.

Residências e Iniciativas

SOMA

Posted on 24. August 202116. October 2021 by Helmut

Conversa com Yoshua Okón / Helmut Batista
SOMA, Cidade do Mexico
Fundador artística: Yoshua Okón / direção: Laura Cortés Hesselbach

SOMA es un espacio de artistas para artistas, que permite reflexionar y discutir sobre diferentes acontecimientos en el arte a nivel nacional e internacional. La misión de SOMA es estimular el diálogo y la colaboración entre artistas y productores culturales de diferentes contextos y generaciones. A través de sus tres programas principales, en SOMA se analizan colectivamente las consecuencias estéticas, políticas y sociales de la producción de arte.

Laura Cortés Hesselbach⁠ (Ciudad de México)⁠
Laura Cortés Hesselbach es historiadora del arte egresada de la Universidad Iberoamericana. Con más de 8 años de experiencia en materia de gestión cultural. Actualmente es directora de SOMA. A lo largo de su carrera, Laura se ha especializado en el desarrollo de programas públicos, residencias artísticas, alianzas estratégicas y vinculación internacional, para el fortalecimiento de la educación artística, así como el desarrollo de estrategias de procuración de fondos para organizaciones de la sociedad civil. ⁠

Yoshua Okón (Ciudad de México, 1970)
Su trabajo es una serie de experimentos cuasi-sociales ejecutados para la cámara donde se mezclan situaciones actuadas, documentación e improvisación, cuestionando las percepciones habituales de la realidad y la verdad, la individualidad y la moralidad. Algunas de sus exposiciones han sido mostradas en el Museo Universitario Arte Contemporáneo MUAC, México, en el Museo Amparo, en Ghebaly Gallery en Los Angeles, en ASAKUSA Tokio, la Manifesta 11, en la Istanbul Biennale, la Gwangju Biennale, Korea, y en el New Museum de NY, entre otros. Su trabajo forma parte de las colecciones del Tate Modern, el Hammer Museum, LACMA, la Colección Jumex y el MUAC, entre otros.

Artista convidada para o Seminário: Armando Rosales

ARMANDO ROSALES 1987, Estudió en Diseño Gráfico de la Universidad del Zulia en el año 2010 y terminó el Programa Educativo de Soma en 2016, además de formar parte del Art & Law Program fall 2019 en la APP Cornell en Nueva York. Su trabajo fluctúa entre lo consciente y lo intuitivo como herramientas para cuestionar la relación entre lo intimo, lo institucional y lo político, valiéndose de lo esculltorico y lo instalativo explora nociones de forma y síntesis desde de lo material, lo sonoro y lo performático. Vive y trabaja en la Ciudad de México desde 2015.

Residências e Iniciativas

El Basilisco

Posted on 24. August 202116. October 2021 by Helmut

Conversa com Esteban Alvarez e Helmut Batista
El Basilisco foi dirigido por Tamara Stuby, Cristina Schiavi e Esteban Álvarez

El Basilisco comenzó con la participación de un artista del extranjero y otro de la Argentina invitados a residir diez semanas en una casa en Avellaneda, y desde allí creció para recibir cada vez más artistas y luego, se desdobló para coordinar intercambios recíprocos que permitían que artistas argentinos viajaran a otras residencias en Latinoamérica y el resto del mundo. También se agregaron charlas y otras actividades que tomaban a El Basilisco (y el Bar Silisco, un bar en la esquina que nos acompañó en una colaboración vital) como su sede. El crecimiento fue tan rápido y en tantas direcciones que costó sostenerlo en el tiempo, un desenlace tal vez natural para un proyecto tan orgánico. A los tres (Cristina, Esteban y Tamara) nos interesaba construir un espacio donde artistas podrían pasar tiempo viviendo y trabajando en la proporción que mejor sirviera a sus procesos creativos; un paréntesis de las demandas habituales de la vida y del mercado, y a la vez, el estímulo de explorar un contexto diferente e intercambiar ideas y procesos con otros.

Tamara Stuby es artista visual y escritora; participa en exhibiciones colectivas e individuales internacionalmente. Desarrolla proyectos tanto para iniciativas independientes como reconocidas instituciones de arte, además de intervenciones en espacios públicos. Fue co-directora de la residencia de artistas El Basilisco y co-organizadora de las mesas redondas “Pensando en voz alta” (Alianza Francesa, Bs As). Recibió una Mención en el Premio Klemm y becas de la Fundación Antorchas y el Fondo Nacional de las Artes. Sus textos han sido publicados en catálogos de artistas y libros y revistas especializados.
Más info: www.tamarastuby.com.ar

Cristina Schiavi (1954). Vive y trabaja en Buenos Aires. Entre sus ùltimas muestras se encuentran: en 2020 Bienal do Mercosul , “Para todes tode” C.C.K; 2019 “Acople”,Roldán Moderno galería,”Tácticas Luminosas, Museo Colección Fortabat; 2018 “Asi!….quizás, debería agregar algo más”, Galería Pasaje 17, “Una llamarada pertinaz”, Museo de arte Moderno de Buenos Aires; 2017-Untitled fair. Galería Miranda Bosch, Miami; “Un ciprés para alcanzarte”Centro Cultural Kirchner; en 2016 “Esta extraña forma mia de aparecer” en galería Miranda Bosch, Dixit Arteba 2016; “Estoy aquí” en Centro Cultural Recoleta. En 2014, “El teatro de la Pintura” Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Superpuestos con Battistelli en galería del Infinito, Yente Schiavi Kemble Saravia en Galerìa Van Riel, “Desborde y modulación” Fundación Klemm. Entre el año 2004 y el 2009 dirigió junto con Tamara Stuby y Esteban Álvarez el proyecto de residencias para artistas “El Basilisco”. Con Juan Tessi desarrolló el proyecto Mark Morgan Perez Garage durante el año 2009. Su trabajo forma parte entre otras de las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Mamba), Museo de Arte Latinoamericano (Malba), Museo Franklin Rawson de San Juan, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (Macro), Museo de arte Contemporáneo de Bahía Blanca.

Esteban Álvarez, Buenos Aires, 1966. Expuso en espacios como Malba, Fundación Proa, Parque de la Memoria, Espacio Fundación YPF, BsAs. Museo MacRoCastagnino Rosario, Drawing Center, NY, Galería IFA, Berlin. Distinciones: 1er Premio, FNA, BsAs, 2020; 1er Premio SNAV (BsAs, 2010), entre otras distinciones. Es profesor en la UNA (Universidad Nacional de Arte, Buenos Aires).

Artista convidada para o Seminário: Iara Freiberg

Iara Freiberg é artista argentino-brasileira, vive e trabalha entre São Paulo e Buenos Aires. Mestre em Poéticas Visuais pela Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo (2017), onde se graduou em Artes Plástica em 2004. Seu trabalho se caracteriza por desenvolver intervenções intrinsecamente ligadas à arquitetura e às relações com o espaço e seus desdobramentos. Sua pesquisa se debruça sobre o uso e as relações com os espaços que ocupamos e transitamos, tomando como mote sua própria experiência de ter nascido em situação de exilio e atravessado diferentes situações de deslocamento, pertencimento, identificação. Investiga conceitos relativos aos espaços públicos e privados estreitamente conectados à percepção humana: espaços de circulação, lugares vazios, locais abandonados, labirintos; da rua ao quarto.

Desde 2002, participa de exposições coletivas e individuais dentro e fora do Brasil e realiza projeto especiais principalmente desenvolvendo intervenções específicas.Executou trabalhos em cidades brasileiras como Brasília, Fortaleza, Porto Alegre, Rio de Janeiro e São Paulo, e no exterior em Buenos Aires, Johannesburgo, Londres, Montevideo, Santiago do Chile, Toronto e Tucumán. Em 2006, recebeu a Bolsa Iberê Camargo para participar da residência El Basilisco, em Buenos Aires, onde realizou suas primeiras intervenções no espaço público. Em 2011, foi convidada a participar da residência Cruces, em Montevideu, Uruguai, e em 2013, participou da residência Bag Factory, em Johannesburgo, África do Sur. Ainda em 2013, realizou uma intervenção no espaço público na cidade de Toronto, Canadá, convidada pela instituição Koffler Center for the Arts. Desde 2012, participa de projetos de intervenção no espaço público, como o projeto Cartograffite (Edital Arte na Cidade, Prefeitura de São Paulo, 2012) e o projeto URBE – Intervenções Urbanas (2016).

Residências e Iniciativas

Galeria Metropolitana

Posted on 24. August 202116. October 2021 by Helmut

Conversa com ANA MARÍA SAAVEDRA HERNÁNDEZ& LUIS ALARCÓN LÓPEZ e Helmut Batista
GALERÍA METROPOLITANA, Santiago de Chile / Chile
Direção artística: ANA MARÍA e LUIS ALARCÓN

Mini-biografía:
GALERÍA METROPOLITANA es un espacio autónomo de producción y difu-sión de arte contemporáneo ubicado en la comuna Pedro Aguirre Cerda, San-tiago de Chile, fundado el 26 de junio de 1998, por Ana María Saavedra y Luis Alarcón, como una extensión de su vivienda.

Concepto del espacio:
Es un proyecto pensado y activado desde lo territorial, base que sustenta su trabajo, mediante la reconexión entre el mundo popular y el mundo docto, a través de dos dinámicas básicas: el desarrollo de obras de carácter contextual (participativas o no) y el trabajo sostenido al interior tanto del tejido social co-mo del sistema de arte contemporáneo, mediante la construcción de redes colaborativas a nivel local, regional y global.

ANA MARÍA SAAVEDRA HERNÁNDEZ
Estudios de Literatura en Universidad de Concepción y Universidad de Chile.
Es galerista, gestora y curadora independiente.

LUIS ALARCÓN LÓPEZ
Estudios de Teoría e Historia del arte Universidad de Chile.
Es galerista, gestor y curador independiente. Docente de la Escuela de Arte UC.

Artista convidado para o Seminário: Bernardo Oyarzún.
Los Muermos, Región de los Lagos, 1963. Vive y trabaja en Colicheu, localidad de la comuna de Cabrero en la Región del Biobío, Chile. Artista visual, Licenciado en Artes Plásticas en la Universidad de Chile. Representante de Chile en la 57ª Bienal de Venecia 2017. He realizado veinticinco exposiciones individuales tanto en Chile como en el extranjero, más de cuarenta exposiciones internacionales, veinticuatro bienales fuera de Chile, más de cuarenta exposiciones colectivas en Chile, diez residencias internacionales. 2010. Premios y Becas como Altazor 2011 en Artes Mediales, Art forum Competition, Harvard 2008, seis Fondos Concursables FONDART, Primer Premio Concurso Artes y Letras, 2002.

Residências e Iniciativas

KIOSKO

Posted on 24. August 202116. October 2021 by Helmut

Conversa com Raquel Schwartz / Helmut Batista – Kiosko, Santa Cruz, Bolivia
Fundador artística: Raquel Schwartz

Kiosko Galería es un espacio de arte contemporáneo, alternativo e independiente creado en el año 2006 y gestionado por artistas en la ciudad de Santa Cruz de la Sierra, Bolivia. Dirigido por la artista Raquel Schwartz, Kiosko es la plataforma para generar, promover y fomentar el arte contemporáneo desde la región al mundo. Contamos con espacios de exhibición, residencias para artistas y curadores, productora de eventos relacionados con la educación, formación, fomento y difusión del arte contemporáneo y de sus artistas. Creemos en los artistas y en el arte que se sale de los márgenes. Estimulamos la práctica y la reflexión de los procesos en un contexto de inserción e interacción social promoviendo encuentro, diálogo e intercambio de conocimientos y experiencias. Buscamos diálogo a través de la voz de artistas con ideas y sentido creativo diferente. Promovemos a artistas jóvenes y emergentes bolivianos en el mundo.

Raquel Schwartz – Estudio cerámica y escultura en S. B. City College, California-USA., 1985-1987 y diseño gráfico en Wizo School of Desing, Haifa, 1981-1983.
Participo en Bienales Internacionales, Conferencias, Simposios y numerosos Workshops y Residencias, realizo exposiciones individuales y colectivas en Bolivia, Perú, Chile, Brasil, Argentina, Paraguay, Colombia, Venezuela, México, USA, Trinidad y Tobago, Italia, Suiza, Corea y Rusia. Es ganadora del Premio Único en Cerámica en la X Bienal de Arte de Santa Cruz 1995; Mención Única en Cerámica en el Salón Pedro Domingo Murillo, La Paz; Gran Premio en el Concurso “Hombre-Naturaleza”, Fundación Puerta Abierta en Santa Cruz 1997; Mención de Honor en la XI Bienal de Artes Plásticas en Santa Cruz 1997; Primer Premio en Técnicas no Tradicionales, Primer Salón Internacional de Arte SIART, La Paz 1999; Mención de Honor en el XXVIII Salón de Artes Plásticas, Cochabamba 2000; Mención de Honor, II CONART, Cochabamba 2004, Primer Premio, XV Bienal Internacional de Arte, Santa Cruz – Bolivia.

Artista convidado para o Seminário: Douglas Rodrigo Rada.

Nacido en la Paz Bolivia 1974, Licenciado en Artes Plásticas por la U.D.L.A. Pue. México. Como artista ha participado en exposiciones en diversos países como Australia, Chile, España, Italia, Uruguay, Brasil, Argentina y Ecuador, entre otros. El 2003 estuvo de residente en APEXART en Nueva York, USA. El 2005 fue ganador del primer premio de la Bienal SIART en Bolivia. El 2010 participó en la retrospectiva de la Bienal SIART en el Museo MAC en Santiago de Chile, y en la residencia URRA en Buenos Aires, Argentina. El 2011 participó en el Proyecto Continentes– Bienal del Mercosur. El 2014 coeditó el libro “Performance y accionismo en Bolivia desde 1980”. El 2015 estuvo de residente invitado en el espacio TEORÉTICA en San José, Costa Rica y participó como curador invitado en la residencia Rapaces en Nicaragua. El 2019, 2017, 2015, 2013, 2011 curó la Bienal CONTEXTOS en Bolivia junto a Ramiro Garavito, El 2020 curó junto con KIOSKO, la XXI BIENAL INTERNACIONAL DE ARTES VISUALES de Santa Cruz de la Sierra 2019-2020. Desde el 2016 es director artístico del proyecto NUBE/ KIOSKO en Santa Cruz, Bolivia.

Residências e Iniciativas

JA.CA

Posted on 24. August 202116. October 2021 by Helmut

Conversa com Francisca Caporali e Helmut Batista
JÁ.CA, Belo Horizonte – Jardim Canada / Brasil

O JA.CA – Centro de Arte e Tecnologia é uma organização da sociedade civil, sem fins lucrativos, que realiza e fomenta pesquisas, projetos e experimentações no campo das artes, em diálogo estreito com a educação, a arquitetura e o design. Desenvolve atividades em sua sede, situada no bairro Jardim Canadá, em Nova Lima, na Região Metropolitana de Belo Horizonte (MG), assim como em outras localidades e instituições parceiras. Atualmente, além de se dedicar às dinâmicas do bairro, o JA.CA prepara a inauguração do espaço cultural Arrudas, no hipercentro da capital mineira, e realiza o Programa CCBB Educativo nas quatro sedes do Centro Cultural Banco do Brasil, em Belo Horizonte, Brasília, Rio de Janeiro e São Paulo.

Francisca Caporali
Fundadora e coordenadora artística do JA.CA – Centro de Arte e Tecnologia desde sua origem, em 2010, localizado em Nova Lima, Minas Gerais. Pelo JA.CA, coordena diversos projetos desenvolvidos: residências artisticas nacionais e internacionais; workshop com artistas residentes, curadores e críticos convidados; publicações, exposições e projetos de colaboração internacionais; é Co-coordenadora geral e artística do Programa CCBB Educativo, desde 2018. Entre 2016 e 2018, foi professora da Escola de Design da UEMG. Durante o período de 2012 a 2016 foi docente na Escola Guignard/UEMG. Integrou a equipe curatorial das duas edições do Noite Branca/Fundação Clóvis Salgado. Foi coordenadora do Programa DESEJA.CA E -xtensão da Escola de Arquitetura UFMG. Mestre em Artes (MFA) Integrated Media Arts/Hunter College (Nova Iorque, 2006/10) e em Comunicação Audiovisual para Mídia Interativa MECAD (Barcelona, 2003/04).

Artista convidado para o Seminário: Raphael RG.

Rafael RG (1986) Vive e trabalha entre Salvador, Belo Horizonte e Guarulhos. É formado em Artes Visuais pela Belas Artes de São Paulo. (Bolsista PROUNI – 2010). Participou de mostras e festivais em cidades do Brasil e em outros países. Recebeu, entre outras premiações, o 1º Prêmio Foco ArtRio, o Prêmio Honra ao Mérito Arte e Patrimônio/ IPHAN, o Prêmio aquisição do Centro Cultural São Paulo, Bolsa Iberê Camargo para residência no Künstlerhaus Bremen (Alemanha), Bolsa Pampulha para residência no Museu de Arte da Pampulha (MG), entre suas residências recentes estão Gasworks em Londres (2018) Black Rock Senegal em Dakar (2019), Triangle France – Astérides em Marseile (2020).

Em sua prática artística, RG costuma trazer duas fontes para construção de seus trabalhos: uma documental e outra afetiva, em geral por meio do uso de documentos garimpados em arquivos institucionais ou pessoais associados a narrativas que podem envolver sua pessoa ou um alter ego. A interação entre essas territorialidades resulta em obras que quase sempre se aproximam de uma ficção, ou de uma noção tensa de ficcionalidade. Relações afetivas e sexuais e suas implicações políticas, e questões de identidade racial têm sido suas áreas de interesse atuais. Essas pesquisas geralmente se desdobram em workshops, instalações, textos performativos, publicações e objetos.

Residências e Iniciativas

Ateliê Aberto

Posted on 23. August 202116. October 2021 by umfundisi

Conversa com Samantha Moreira e Helmut Batista
Ateliê Aberto, Campinas / São Paulo / Brasil
Fundador artística: Samantha Moreira

Ateliê Aberto
Fundado em 1997, em Campinas – SP, o Ateliê Aberto é um organismo que investiga, idealiza e fomenta novos processos de gestão e criação em cultura contemporânea, laboratório permanente de processos colaborativos e de convívio. Com o objetivo de desenvolver processos formativos, o espaço se tornou um articulador de ideias e experiências, promovendo reflexão social, cultural e política. Nessa busca constante, o Ateliê Aberto expandiu o espaço físico de sua sede e os espaços expositivos convencionais, rompendo também o distanciamento entre diferentes áreas do conhecimento e aproximando o público dos artistas.

Samantha Moreira – Artista, curadora e gestora cultural. Fundadora do Ateliê Aberto (Campinas, SP, 1997), do CHÃO SLZ (São Luís, MA, 2015), e integrante /coordenadora do JA.CA (Nova Lima, MG, desde 2018). Uma das idealizadoras do FUNDO COLABORATIVO, para artistas e criadores, lançado em maio de 2021. Desde 2018 integra a coordenação do Programa CCBB Educativo nos CCBBs, grupo de curadoria e coordenação do Bolsa Pampulha 2018/2019, co-curadora da Verbo São Paulo e São Luís em 2019, seleção e orientação do Programa LABCULTURAL 2021 do BDMG Cultural, IndieGESTÃO – como chupar cana e assobiar ao mesmo tempo e Poema aos Homens do nosso Tempo – Hilda Hilst em diálogo, ambos Prêmio Rede Nacional Funarte, 2013 e 2014,Código Aberto programa de residências – patrocínio Petrobrás, 2015; Comestível, Prêmio ProAc 2013; Daquilo que me habita, CCBB Brasília 2012, Residência de Gestores da América Latina – Capacete, 32°Panorama da Arte Brasileira no MAM, Rumos Artes Visuais Itaú Cultural , Temporada de Projetos- Paço das Artes, entre outras.

Artista convidado para o Seminário: Daniel Acosta.

Nasce em 29/11/1965 na cidade portuária de Rio Grande, sul do Rio Grande do Sul. Dentro da marcenaria do pai aprende a trabalhar com madeira e outros materiais, produzindo seus brinquedos e maquetes de pequenas cidades em papelão. Completa o segundo grau com formação em arquitetura, tendo neste período como principais fontes de (in) formação os quadrinhos, o cinema, a televisão, a música e a arte.

Bacharel em Escultura (1987) junto a Universidade Federal de Santa Maria (RS). Entre 1990 e 1993 participa de workshops com José Rezende, Artur Lescher, Ricardo Basbaum e Milton Machado. Mora em São Paulo de 1994 a 1996 para cursar Mestrado em Arte junto a ECA/USP sob orientação de Carmela Gross. Começa a trabalhar junto a Galeria Casa Triângulo (SP) onde faz sua primeira individual em 1995, e posteriormente em 2002, 2008, 2010 e 2014. Em 1997 é publicado livro sobre seu trabalho junto a Coleção Artistas da USP com texto de Tadeu Chiarelli. É premiado em salões em Curitiba, Brasília, Salvador e Florianópolis.

Além de importantes exposições coletivas como Ao Cubo/1996 (Paço das Artes/SP), Panorama da Arte Brasileira/1999 (MAM/SP), II Bienal do Mercosul/1999 (Porto Alegre/RS), trabalha em projetos específicos para o Torreão em Porto Alegre (1998) e Capela do Morumbi em São Paulo (2000). Participa da 25ª Bienal de São Paulo, com importante trabalho da série de Paisagens Portáteis, tema da sua Tese de Doutorado defendida em 2005. Em 2006 realiza sua primeira arquitetura/mobiliário para espaço urbano, a Satolepcosmocave.

Mais recentemente, em 2017, realiza Rotorama, intervenção específica para o Octógono da Pinacoteca de São Paulo. Em 2018 lança seu segundo livro abarcando 30 anos de produção, com textos de Tadeu Chiarelli, Agnaldo Farias, José Roca entre outros. Além das atividades como artista é professor de Escultura junto a Universidade Federal de Pelotas/RS.

Residências e Iniciativas

CRAC

Posted on 17. August 202116. October 2021 by umfundisi

Conversa com Paulina Varas / Helmut Batista
CRAC, Valparaíso / Chile

Sobre CRAC (2007-2019-…)
Plataforma y espacio de experimentación en la ciudad de Valparaíso, desde el trabajo de arte contemporáneo, las residencias y los encuentros, buscaba pensar y repensar las formas de vida comunes de la ciudad. Desarrollamos más de 70 proyectos de arte, residencias, encuentros, publicaciones, exposiciones, debates, comidas, etc., situándonos en la ciudad de Valparaíso con sus problemáticas y potencias desde una ciudad puerto en la zona del centro de Chile desde sus memorias y en el presente.

Paulina E. Varas. investigadora y académica chilena de la Universidad Andrés Bello. Co fundadora de CRAC Valparaíso. Miembro de la RedCSur. curadora ocasional de exposiciones y autora de libros y artículos sobre arte y política en Chile y otros lugares. Cuidadora de un niño, una gata y una compostera. Escribe y nada en Viña del Mar, Chile.

Artista convidada para o Seminário: Pablo Saavedra.

Artista chileno, co-fundador del proyecto P.I.A. En Valparaíso, y colaborador en el festival de arte sonoro TSonami. Ha expuesto sus obras en diferentes ciudades.

Residências e Iniciativas

Capacete

Posted on 17. August 202116. October 2021 by umfundisi

Conversa/relato de Helmut Batista / com Tanja Baudoin – Rio de Janeiro

CAPACETE foi o mais antigo programa de residência e intercâmbio artístico e cultural no Brasil, com mais de 23 anos de experiência. Fundado em 1998 por Helmut Batista no Rio de Janeiro, Capacete ofereceu um programa artístico que se estrutura por meio de residências de pesquisa, apresentações públicas em diversos formatos, formação para profissionais e para crianças (Pequeno Laboratório), cursos abertos, cozinha experimental, biblioteca, acervo e publicações. Em 2017 este programa aconteceu em Atenas, Grécia, associado e tangente ao programa da DOCUMENTA 14. CAPACETE incorporava formas de ação auto-organizadas, participativas e colaborativas como uma parte fundamental de sua estrutura. Um objetivo integral do programa era expandir continuamente a plataforma de intercâmbio, trazendo novos participantes e interlocutores, cultivando relações com diferentes instituições e organizações, assim como aprofundar os laços com colaboradores estabelecidos. Em 2022 CAPACETE lança um novo programa.

Helmut Batista é o fundador do CAPACETE. Sua trajetória passa pela formação em opera e pela experiência de ser artista antes de projetar e dirigir o CAPACETE. Realizou inúmeros seminários, falas, viagens de estudo em grupo, exposições, curadorias para o programa do CAPACETE, nacional e internacionalmente, para o qual construí uma rede de parceiros internacionais.

Tanja Baudoin é curadora holandesa que mora no Rio de Janeiro desde 2015, quando participou na residência do CAPACETE. Atualmente trabalha no Instituto Tunga. Trabalhou como professora e tradutora e co-organizou os grupos de leitura e tradução com Tijuana e plataforma par(ent)esis. Trabalhou como consultora curatorial na Tropix. De 2019 a 2021, foi curadora na Biblioteca | Centro de Pesquisa e Documentação da Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Anteriormente, fez parte do equipe curatorial do instituto de performance “If I Can’t Dance, I Don’t Want To Be Part Of Your Revolution” em Amsterdã (2010-2015). Possui um mestrado em História de Arte da Universiteit van Amsterdam (2008) e um mestrado em Estudos Contemporâneos das Artes da Universidade Federal Fluminense (2019).

Artista convidado do CAPACETE para o Seminário: Carla Zaccagnini

Carla Zaccagnini (Buenos Aires, Argentina, 1973. Lives between São Paulo, Brazil and Malmö, Sweden) is a visual artist, professor of Conceptual and Contextual Practices at the Royal Danish Academy of Fine Arts, and guest curator of the 34th Bienal de São Paulo. Group shows in which she has participated include SPRÅK (Havremagasinet, Länskonsthall, 2020), Shout Fire (Röda Sten Konsthall, Gothenburg, 2018), A Universal History of Infamy (LACMA, Los Angeles, 2017), Carla Zaccagnini and Runo Lagomarsino (Konsthall, Malmö, 2015), Un saber realmente útil (Museo Reina Sofía, Madrid, 2014), Under the Same Sun (Guggenheim Museum, New York, 2014), the 8th Berlin Biennale (Berlin, 2014), the 9th Shanghai Biennale (Shanghai, 2012) and the 28th Bienal de São Paulo (2008).

Her recent solo shows include Mañana iba a ser ayer (MUNTREF, Buenos Aires, 2019), You say you are one, I hear we are many (Obra, Malmö, 2019), El presente, mañana (Museo Experimental el Eco, Mexico DF, 2018), I am also stepping on wet sand (SixthyEight Art Institute, Copenhagen, 2017), Panapanã (Vila Itororó, São Paulo, 2016), Histórias feministas: Carla Zaccagnini (MASP, São Paulo, 2015) and Elements of Beauty (Van Abbemuseum, Eindhoven / FirstSite, Colchester, 2015). Her work has been featured in publications such as Cream 3 (London: Phaidon, 2003), Contemporary Art Brazil (London: Thames & Hudson, 2013) and Art Cities of the Future: 21-Century Avant-Garde (London: Phaeton, 2013) and is included in collections such as Tate Modern (London), Solomon Guggenheim Museum (New York), MUSAC (León, Spain), Pinacoteca do Estado de São Paulo and Museu de Arte Moderna de São Paulo, among others.

Maria Lucas é a artista convidada para abrir as alas durante o primeiro seminário.

Maria Lucas é uma artista multi-indisciplinada carioca.
(en)Canta e trabalha com A-TUA-AÇÃO nas áreas da escrita e da performance.
Travesti, Construtora-Escritora e propositora de subversões na arte-vida. Com o ensaio Próteses de Proteção Ganhou o primeiro lugar do prêmio de textos ensaísticos do Instituto Moreira Salles.
Foi residente do MAM-Capacete em 2020-2021.

A crítica e artista Daniela Mattos irá acompanhar todos os 4 seminários e fará um relato escrito que será publicado digitalmente.

Daniela Mattos. Mãe solo, artista, educadora e curadora que também escreve e canta. Participou de diversas exposições, mostras de vídeo e publicações no Brasil e no exterior, com destaque para a exposição individual Um teto todo meu (MAC-Niterói, 2015). Pós-Doutora em Linguagens Visuais pelo PPGAV-EBA-UFRJ (2016), Doutora em Psicologia Clínica pelo Núcleo de Estudos da Subjetividade, PEPG/PC-PUC-SP (2013). Integra os Escutadores, coletivo composto em 2018 por artistas e psicólogos que realizam escutas em territórios e contextos diversos. Desde 2019 é membra do corpo docente da Univeritas, no curso de Licenciatura em Artes Visuais. Mais informações sobre a artista estão disponíveis em: www.danielamattos.art.br

Residências e Iniciativas

Exo

Posted on 17. August 202116. October 2021 by umfundisi

Conversa com Ligia Nobre / Helmut Batista
exo experimental org., São Paulo – SP, Brasil
Fundação e direção artística: Ligia Nobre e Cécile Zoonens, com diversos apoios, alianças e afetividades.

Entre 2002 e 2007, a exo experimental org. dedicou-se à investigação e produção transdisciplinar no campo artístico, promovendo debates, palestras, exposições, projeção de filmes, publicações e residências para/com artistas e autores. O edifício Copan (Oscar Niemeyer, 1951-66), localizado no centro histórico de São Paulo, operou como dispositivo e catalisador de muitos dos seus projetos, ações e atividades, sendo base para um pequeno escritório e as residências artísticas. Inserindo-se nas múltiplas tramas desta metrópole heterogênea, com uma infraestrutura mínima e flexível, a exo criou um espaço de encontro e troca de conhecimentos e experiências entre artistas, urbanistas, pesquisadores, movimentos sociais e públicos. A exo fomentou e reuniu investigações de práticas estéticas, com suas metodologias e confrontos distintos, interlocuções de trabalhos e posturas, visando problematizar as formas de vida política que emergiam das urgências do universo urbano contemporâneo. Projetos: São Paulo S.A.; África-Mundos – resistências contemporâneas africanas, [práticas documentárias]; e Programas: exo residências e arquivo em curso.

Ligia Nobre (São Paulo, 1973) é curadora, pesquisadora e professora, atenta a abordagens e alianças múltiplas e heterogêneas com / em plataformas culturais-ambientais e práticas artístico-políticas. Possui mestrado em Histórias e Teorias da Arquitetura pela Architectural Association School of Architecture (Londres,1999) e doutorado em Estética e História da Arte pela Universidade de São Paulo (2019), Co-fundadora e diretora com Cécile Zoonens da plataforma cultural exo experimental org. (São Paulo, 2002-2007). Atualmente é parte d’O grupo inteiro (São Paulo, desde 2014) (www.ogrupointeiro.net) e integra a equipe da Spore Initiative (Berlim, 2021). Participou da curadoria de diferentes projetos – X Bienal de Arquitetura de São Paulo (2013), Contracondutas (2016-2017), Campos de Invisibilidade (2018-2019), dentre outros.

Artista/curador convidado para o Seminário: Pablo León de la Barra.

Pablo León de la Barra is Curator at Large, Latin America at the Salomon R. Guggenheim Museum and Foundation, New York and former Chief Curator at MAC Museum of Contemporary Art of Niteroi, Rio de Janeiro (2017-2020). Based in Rio de Janeiro, he was born in Mexico City in 1972 and received his Ph.D. in Histories and Theories from the Architectural Association, London.

Residências e Iniciativas

Lugar a dudas

Posted on 17. August 202116. October 2021 by umfundisi

Conversa com Sally Mizrachi e Oscar Muñoz / Helmut Batista
Lugar a dudas – Cali / Colômbia – direção artística Óscar Muñoz e Sally Mizrachi

lugar a dudas es un centro de arte contemporáneo en Cali que desarrolla varias líneas de trabajo propio y que ofrece, de modo paralelo, espacios y oportunidades para alojar proyectos y discusiones externos, propuestos por grupos, artistas y comunidades de Cali y del resto del país. Nuestro eje de interés se ubica en las intersecciones y los márgenes entre las artes visuales, las prácticas culturales y la búsqueda de diálogos incluyentes y expansivos que ofrezcan nuevas visiones sobre la realidad inmediata de la ciudad y sobre las maneras de organizarse y tener lugar en el mundo.

Óscar Muñoz, artista visual que utiliza técnicas diversas e innovadoras en el manejo de la imagen apelando a soportes insólitos e inestables en los que comienzan a aparecer experimentos con espejos, con la respiración, con la luz y el agua. Sus obras cuestionan las paradojas de la imagen humana y la frágil y efímera naturaleza de la percepción. Igualmente indagan acerca de la identidad y la capacidad del arte para reflexionar sobre la memoria del individuo, y sobre la necesidad misma de la memoria colectiva como compromiso de nuestra sociedad. Es cofundador junto a Sally Mizrachi de lugar a dudas en Cali.

Sally Mizrachi Graduada en Lenguas Modernas de la Universidad del Valle y Diseño de la Escuela de Diseño en Cali, Colombia. Se dedicó por muchos años a ser mamá, aún continua; al diseño de ropas, a cocinar; teniendo su propio taller y restarante hasta que en el 2004 junto a Oscar Muñoz fundaron lugar a dudas. Desde esa época se ha desempeñado como Directora Ejecutiva y Coordinadora General de la organización.

Curador convidado para o Seminário: Alejandro Martín Maldonado

Creció en Cali, hijo de profesora de inglés y de profesor de Comunicación Social. Se fue a Bogotá a estudiar matemáticas y fue parte del cine-club En la luna. Pasó por Madrid estudiando filosofía y visitando El Retiro, la Filmoteca, El Prado y el Reina Sofía. Volvió a Bogotá a editar con amigos las revistas ochoymedio y piedepágina, y a trabajar de modo muy serio e institucional en el portal banrepcultural. Comenzó a hacer exposiciones en la Biblioteca Luis Ángel Arango y la Biblioteca Nacional. Con José Roca aprendió el oficio de curador trabajando en más exposiciones y editando libros como el de Regina Silveira y el de Antoni Muntadas. Gracias a Lugar a dudas comenzó a re-conectarse con la movida caleña y en 2014 hizo una residencia. Se quedó en Cali como curador del Museo La Tertulia, donde trabajó por 7 años con un gran equipo para re-inventar juntos el Museo. Renunció por diferencias políticas con las directivas en el marco del paro nacional del 2021 y está buscando qué hacer ahora en este contexto tan preocupante y a la vez tan estimulante.

Residências e Iniciativas

Torreão

Posted on 25. May 202116. October 2021 by Helmut

Conversa entre Jailton Moreira e Helmut Batista – Torreão (1993 – 2009), Porto Alegre / Brasil

O Torreão foi fundado em 1993 e foi um espaço de produção e pesquisa em arte contemporânea, em Porto Alegre. Foi dirigido por Jailton Moreira e Elida Tessler.

ELIDA TESSLER
1961, Porto Alegre/RS, Brasil
É artista plástica e foi professora do Departamento de Artes Visuais e do Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais do Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul – UFRGS. Realizou doutorado em História da Arte Contemporânea na Université de Paris I – Panthéon-Sorbonne (França), onde residiu de 1988 a 1993. Entre 2009 e 2010, realizou o Pós- Doutorado na EHESS-Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales e junto ao Centro de Filosofia da Arte – UFR de Philosophie – Université de Paris I- Panthéon – Sorbonne. Pesquisadora vinculada ao CNPq entre 2008 e 2016.

JAILTON MOREIRA
São Leopoldo , RS – 1960
Artista plástico, professor e curador. Bacharel em Artes Plásticas. pelo Instituto de Artes da UFRGS. Entre as exposições individuais de destacam “Percevejo” – Museu do Trabalho., Porto Alegre, RS (2014), “Trabalhos Insistentes” – Galeria Oba Aberta, Porto Alegre, RS (2002), “Vê Quem Vê Quem” – Galeria de Bolso da CAL (Casa da Cultura da América Latina) da UnB , Brasília, DF. (1999), “Desenhos Ordinários” – MAC (Museu de Arte Contemporânea), Porto Alegre, RS (1994) e “Diversões” – Galeria Arte & Fato, Porto Alegre, RS (1986). Entre as exposições coletivas de destacam III e V Bienal de Artes Visuais do Mercosul , Porto Alegre, RS (2001/ 2005), Panorama de Arte Brasileira do MAM de São Paulo, São Paulo SP (2001/ 2003/ 2005/ 2011), “Tropicália – A Revolution in Brazilian Culture” – MAC de Chicago, EUA (2005), V e X Salão Nacional de Artes Plásticas, FUNARTE/INAP, Rio de Janeiro, RJ (1982/ 1988). Criador do Torreão (1993/ 2009), espaço de formação, exibição e discussão de arte em Porto Alegre, juntamente com Elida Tessler.

O Torreão como experiência de educação
Escrever sobre a experiência do Torreão ainda é algo novo. Esse espaço de arte, criado por Elida Tessler e por mim em 1994 tem sido muito citado em seminários pelo país, discutido informalmente, ou exibido em vídeos, mas ainda são raros os momentos que nos detemos para fixar essa vivência em um texto. A frágil desculpa para que isso não tenha sido feito de uma forma mais sistemática e aprofundada nesses 12 anos de existência é simplesmente a falta de tempo. Além disso, é sempre difícil para os protagonistas de uma vivência intensa afastarem-se dela e olharem-na retrospectivamente quando a curiosidade ainda é saber o que vem pela frente.

Quando somos perguntados de sopetão: o que é o Torreão? Depois de uma titubeada, resultado de um cálculo rapidíssimo sobre quem está fazendo a pergunta, o por quê e quanto tempo de resposta essa pessoa está disposta a ouvir, respondo com breves palavras que não explicam muito: o Torreão é um lugar que busca o cruzamento entre produção e pensamento sobre arte contemporânea em Porto Alegre. É uma resposta pronta que servirá para que o interlocutor realmente mostre, numa segunda pergunta, o tamanho da curiosidade. Se a conversa perdura com outras indagações, exibimos a parte mais visível do Torreão que são as intervenções feitas por diversos artistas para o espaço da torre. Porém isso esconde que existe um outro Torreão. A experiência de ensino construída nesse espaço e que, na verdade, é a responsável direta pela sua criação e manutenção, é um pouco mais difícil de explicar, ficando reservada quase exclusivamente àqueles que participam dela.

Residências e Iniciativas

Alpendre

Posted on 24. May 202116. October 2021 by Helmut

Conversa com Eduardo Frota e Helmut Batista
Alpendre / Espaço de artes que existiu em Fortaleza. Eduardo Frota, junto com Beatriz Furtado, Alexandre Veras, entre outros, foi um dos integrantes que alavancou o Alpendre.

Diz no jornal O POVO do dias 12/12/2012.
O mês de dezembro marca a história do Alpendre. Foi nessa época, treze anos atrás, que a Casa de Arte, Pesquisa e Produção nasceu. E é agora, na correria dos dias para alcançar o próximo ano, que a ONG encerra, definitivamente, suas atividades. Palco para a expressão contemporânea de diversas linguagens – da dança à literatura, das artes visuais ao cinema, do teatro à música -, o espaço reuniu incontável número de artistas cearenses e de outros lugares que por ali passaram desde 1999. No entanto, cansados de alternar dissabores e alegrias na luta pela manutenção de um equipamento cultural independente em Fortaleza, o realizador audiovisual Alexandre Veras e a coreógrafa Andréa Bardawil, diretores da ONG, anunciaram o fim do Alpendre. A despedida, que vem acontecendo com programação intensa desde o último dia 7, só termina amanhã, na “festa de finalização”. Oportunidade para celebrar mais que lamentar. Sim, porque, apesar da dificuldade de garantir as portas abertas, ano após ano, sempre dependendo de editais e projetos que garantissem a subsistência do Alpendre; dos problemas com a violência, o trânsito difícil e a desordenação da área onde se encontra – na rua José Avelino -; além da especulação imobiliária naquela região, responsável pela proposta de um aluguel para 2013 180% mais alto que o deste ano; o equipamento resistiu. Continuou oferecendo acesso gratuito às atividades; formou uma leva de artistas das mais diversas áreas que hoje fazem a arte cearense; ampliou as chances de jovens de comunidades como o Poço da Draga e o Serviluz que, após passarem pelo Alpendre, conheceram e conseguiram se inserir no mercado ligado à produção artística.

Ainda assim, diz Alexandre, há um cansaço. “É um cansaço de insistir. Aqui, nesse lugar, não existem condições pra existir e não nos parece que o poder público está muito interessado nisso”, complementa Andréa, reiterando que “não é uma desistência, mas um deixar para a cidade a pergunta: qual é a necessidade de um espaço como esse?”. Para ela, “não se trata mais de manter o equipamento aberto a qualquer custo”, é preciso uma política pública que, concorda o companheiro de Alpendre, “constitua uma zona de possível em que as pessoas não tenham medo de fazer empreendimentos como esse”.

Residências e Iniciativas

Bananeiras

Posted on 24. May 202116. October 2021 by Helmut

Conversa entre Leonardo Videla e Helmut Batista
Bananeiras, Rio de Janeiro / Brasil. Dirigido por Leonardo Videla.

BANANEIRAS
O espaço bananeiras foi extremamente atuante em Santa Teresa/Rio de Janeiro.

…
Leonardo Videla é artista.
O que tenho a dizer sobre o Bananeiras é um bilhete.
Então de 2002 a 2010.
O Bananeiras antes de ser um espaço independente de arte contemporânea , foi um surto pessoal. Falar do bananeiras tem que se começar falando das pessoas envolvidas (sem a necessidade de citar nomes ). Pessoas inclusive que foram sendo agregadas e por isso mesmo um fluxo sem norte, sul, leste, oeste, um organismo vivente, pulsante, avançando numa programação surpreendente.
Fizemos parcerias em projetos, eramos contagiados por ideias, envolvidos em um fazer, fazíamos pensando, era um vírus, uma rede de afetos.
Foram 300 projetos em 1, foi um período, um encontro de gente sensível , uma proposta intuitiva, viva !
Todos os artistas e público sentiam uma vontade livre e flexível de programar alguma coisa sem um fim, talvez por entender o espaço bananeiras como um meio, de estar junto, de conviver, de se ver.
Sinceramente tenho dificuldade de dizer o que tudo isso foi e representou, poderia talvez dizer o que foi pra mim, e diria que não foi nada pra além de uma década (2000-2010) feliz.
Hoje vivemos outro roteiro, outro nada, bem menos divertido.
Se foi.
Foi bom, o espaço bananeiro foi bom!
Não poderia dizer mais nada.

Residências e Iniciativas

Terra Una

Posted on 10. May 202116. October 2021 by Helmut

Conversa entre Nadam Guerra e Helmut Batista
Terra Una, Bocaina de Minas, Brasil

Terra UNA é uma ong que desde 2003 trabalha para promover e apoiar ações transdisciplinares que visam a sustentabilidade ecológica, o redesenho social e o desenvolvimento integral do ser humano. Para tal, atuam em MG, RJ e SP, em zonas rurais e urbanas realizando eventos e projetos.

A sede da ONG é uma ecovila localizada junto à natureza, numa terra de 48 hectares na Área de Proteção Ambiental da Serra da Mantiqueira, em Liberdade, MG, constituindo-se como um espaço de moradia, educação, trabalho e lazer que busca a melhoria da qualidade de vida de seus membros, dos visitantes e das comunidade do entorno.

Mantemos o programa de residências para artistas desde 2007 e já recebemos mais de 150 artistas. Buscamos a integração entre arte contemporânea, ecologia e sustentabilidade. Acreditamos na arte como ação criativa frente aos desafios sociais e ambientais em que nos encontramos.

Nadam Guerra (Rio de Janeiro, 1977) bacharel em artes Cênicas (UniRio), doutor em história da Artes (UERJ). Vive no Rio de Janeiro e em Liberdade, MG onde coordena o programa de residência para artistas (www.terrauna.org.br) e o dirigiu o Ponto de Cultura e Sustentabilidade (2011-2015).

Cria obras em texto, vídeo, objeto, jogo e performance. Se interessa pelas conexão entre arte e magia ou em como a imaginação se torna vida. Quer salvar o mundo, mas se não der pelo menos vamos viver isso intensamente.

Tem obras em parceria com Michel Groisman. Em 2003, criou com Domingos Guimaraens o Grupo UM, lançando o Manifesto UM pelo fim das fronteiras entre artes e organizando esculturas imateriais, teatros abstratos, humanogravuras e chanchadas conceituais. Com o coletivo Opavivará! fez o projeto Moitará, uma ação relacional de trocas. Ganhou os Prêmios: Arte Urbana Sec.RJ (2011), Interações Estéticas do MinC (2009), o Projéteis FUNARTE de Arte Contemporânea (2006), menção honrosa no Art.mov, MG (2006) e Prêmio de realização Dança em Foco (2010). Participou de residências no 102, França (2005), IFEA, UK (2008), URRA, Argentina (2016). Tem obras na coleção do MAM RJ. Publicou, entre outros, os livros Materializador de sonhos (2012), Rupestre Contemporâneo (2013), Os 12 paços da Virgem do Alto do Moura (2014), Introdução à iconografia da Virgem do Alto do Moura (2016).

Leciona cursos de performance na EAV Parque Lage desde 2008 e já levou estas oficinas diversas instituições do Brasil, México e Argentina. Foi professor substituto na EBA-UFRJ (2016). Foi curador de festivais vários em eventos de performance entre ele Cinema Manual Convida (sesc copacabana 2003), Visor (vários locais (2004, 2005), V::E::R, (2005 – Parque Lage, 2011 – Terra UNA), Sara-há (Saracura, 2016), Panorama de Dança (2017) e Corpos Críticos (2018, 2019).

Residências e Iniciativas